Francesc Català-Roca nacque il 19 marzo 1922 a Valls, in Catalogna, in una famiglia che respirava fotografia. Suo padre, Pere Català i Pic, era un fotografo e teorico noto per le sue sperimentazioni avanguardistiche e per il contributo alla propaganda repubblicana durante la Guerra Civile Spagnola. Crescere in questo ambiente significava essere circondato da macchine fotografiche, lastre, stampe e discussioni sull’immagine come linguaggio. Non era un semplice mestiere: in casa Català la fotografia era cultura, era arte, era impegno sociale.
Fin da bambino, Francesc mostrò curiosità per gli strumenti fotografici. A sei anni scattò le prime immagini, un gesto che anticipava una vocazione destinata a maturare nel tempo. Durante l’adolescenza, mentre i suoi coetanei si dedicavano a giochi e studi ordinari, lui trascorreva ore nello studio paterno, imparando i segreti della camera oscura, la chimica delle emulsioni, la magia della stampa. Queste esperienze gli diedero una base tecnica solidissima, ma soprattutto gli trasmisero una concezione etica della fotografia: non come semplice riproduzione del reale, ma come interpretazione consapevole.
La Guerra Civile Spagnola (1936-1939) fu un evento cruciale nella sua formazione. Ancora giovanissimo, Francesc collaborò come assistente nel Comisariado de Propaganda, dove ebbe modo di osservare da vicino il lavoro di grandi fotoreporter internazionali, tra cui Gerda Taro e Robert Capa. Da loro imparò che la fotografia poteva essere un’arma di verità, un mezzo per raccontare la sofferenza e la speranza di un popolo. Questo imprinting lo accompagnò per tutta la vita: anche quando si dedicò a scene di vita quotidiana, il suo sguardo rimase quello di un testimone attento, mai superficiale.
Terminato il conflitto, la Spagna entrò in una lunga fase di dittatura franchista, che impose censura e isolamento culturale. In questo contesto difficile, Català-Roca decise di aprire il proprio studio a Barcellona nel 1947. Era una scelta coraggiosa: la fotografia non godeva di grande considerazione artistica, e il mercato era dominato da ritratti convenzionali e immagini commerciali. Francesc, invece, voleva raccontare la realtà con onestà e poesia, senza artifici. Iniziò a collaborare con riviste come Destino e La Vanguardia, portando nelle loro pagine un linguaggio visivo nuovo, capace di fondere rigore compositivo e spontaneità.
La sua prima mostra personale si tenne nel 1953 alla Sala Caralt di Barcellona. Fu un evento pionieristico: per la prima volta, la fotografia veniva presentata come arte autonoma, non subordinata alla pittura o alla grafica. Questo segnò l’inizio di un percorso che avrebbe trasformato Català-Roca in un punto di riferimento per generazioni di fotografi. Ma il suo successo non fu immediato: dovette affrontare diffidenze e pregiudizi, dimostrando con il lavoro quotidiano che la fotografia poteva essere un mezzo di espressione colto e raffinato.
Lo stile e la poetica: il neorealismo secondo Català-Roca
Definire lo stile di Francesc Català-Roca significa entrare nel cuore di una poetica che ha saputo coniugare realismo e lirismo. Egli si considerava un professionista, non un artista, ma questa affermazione nasconde una modestia che contrasta con la qualità delle sue opere. Ogni scatto è frutto di una ricerca estetica rigorosa, di un equilibrio tra forma e contenuto che rivela una sensibilità fuori dal comune.
Il bianco e nero fu la sua cifra distintiva. Non si trattava di una scelta dettata dalla tecnologia dell’epoca, ma di una convinzione profonda: il colore, secondo Català-Roca, distrae, mentre il bianco e nero concentra l’attenzione sulle linee, sui volumi, sui contrasti. Nelle sue immagini, la luce naturale è protagonista assoluta. Non amava le illuminazioni artificiali: preferiva attendere il momento giusto, quando il sole disegnava ombre perfette o filtrava tra le nuvole creando atmosfere sospese. Questa pazienza gli consentiva di ottenere fotografie che sembrano scolpite nella luce, dove ogni dettaglio ha un peso compositivo.
Il suo approccio si colloca nell’alveo del neorealismo, movimento che in quegli anni influenzava cinema e arti visive in Europa. Come i registi italiani del dopoguerra, Català-Roca cercava la verità nelle strade, nei mercati, nei volti della gente comune. Le sue fotografie urbane, in particolare quelle di Barcellona negli anni ’50, restituiscono l’anima di una città in trasformazione: le ferite della guerra sono ancora visibili, ma si intravede la spinta verso la modernità. Bambini che giocano davanti all’Arco di Trionfo, venditori ambulanti, anziani seduti sulle panchine: ogni immagine è un frammento di vita che diventa racconto universale.
Ma il neorealismo di Català-Roca non è mai crudo o miserabilista. Al contrario, nelle sue foto si percepisce una sorta di rispetto, quasi di tenerezza, per i soggetti ritratti. Non c’è voyeurismo, non c’è spettacolarizzazione della povertà: c’è la volontà di mostrare la dignità delle persone, anche nelle situazioni più umili. Questo lo distingue da molti fotoreporter dell’epoca, più inclini alla drammatizzazione. Català-Roca preferiva la sobrietà, la misura, la composizione armoniosa. Persino nelle scene più caotiche, come le Ramblas affollate, si nota un ordine interno, una geometria che guida lo sguardo.
Un altro elemento chiave del suo stile è la capacità di cogliere il dettaglio significativo. Un gesto, un’ombra, un riflesso possono trasformare una foto ordinaria in un’opera memorabile. Questa attenzione al particolare rivela la sua formazione culturale: Català-Roca era un lettore appassionato, frequentava artisti e intellettuali, e concepiva la fotografia come parte di un discorso più ampio sulla realtà e sull’arte. Non a caso, i suoi ritratti di Salvador Dalí e Joan Miró non sono semplici immagini di personaggi famosi, ma interpretazioni che dialogano con la loro poetica.
Collaborazioni editoriali e cinematografiche: l’immagine come cultura
Francesc Català-Roca non fu soltanto un fotografo di strada o un ritrattista: la sua carriera si intrecciò con il mondo editoriale e cinematografico, contribuendo a ridefinire il ruolo della fotografia nella divulgazione culturale. Negli anni ’50 e ’60, in una Spagna ancora segnata dall’autarchia e dalla censura, la fotografia non era considerata un’arte autonoma, ma un mezzo subordinato alla pittura o alla grafica. Català-Roca, con la sua visione moderna, scardinò questa concezione, dimostrando che l’immagine poteva essere veicolo di conoscenza e strumento di interpretazione estetica.
Le sue collaborazioni con riviste come Destino, La Vanguardia e Revista furono decisive. In queste pubblicazioni, Català-Roca portò un linguaggio visivo nuovo, lontano dalle pose rigide e dai cliché propagandistici. Le sue fotografie raccontavano la vita quotidiana con naturalezza, ma anche con una costruzione compositiva che le rendeva opere d’arte. Non si limitava a illustrare articoli: li arricchiva, li completava, trasformando la pagina in un dialogo tra parola e immagine. Questo approccio influenzò profondamente il fotogiornalismo spagnolo, aprendo la strada a una generazione di autori che avrebbero seguito il suo esempio.
Parallelamente, Català-Roca si avvicinò al cinema documentario. Negli anni ’50 realizzò cortometraggi come La Ciudad Condal en otoño (1950) e Piedras Vivas (1952), opere che testimoniano la sua capacità di trasporre la sensibilità fotografica nel linguaggio filmico. Questi lavori non erano semplici reportage: erano ritratti poetici di luoghi e persone, costruiti con attenzione alla luce, al ritmo, alla composizione. Il suo cinema, come la sua fotografia, rifuggiva la retorica e privilegiava la verità, ma una verità filtrata attraverso uno sguardo colto e armonioso.
Un aspetto poco noto, ma fondamentale, è la sua collaborazione con architetti e artisti per la realizzazione di libri e cataloghi. Català-Roca fotografò edifici storici, monumenti, opere d’arte, contribuendo alla diffusione del patrimonio culturale spagnolo. Non si trattava di semplici riproduzioni: ogni immagine era pensata per valorizzare le forme, i materiali, le proporzioni. In questo senso, il suo lavoro anticipa la fotografia d’architettura contemporanea, che considera l’edificio non solo come oggetto tecnico, ma come creazione estetica.
Tra i suoi interlocutori figurano personalità di spicco come Salvador Dalí e Joan Miró. I ritratti che Català-Roca dedicò a questi artisti sono emblematici: non si limitano a mostrare il volto, ma cercano di cogliere l’essenza della loro poetica. Dalí, fotografato nel Park Güell, appare come un personaggio teatrale immerso in un contesto surreale, mentre Miró è ritratto con discrezione, circondato dalle sue opere, in un’atmosfera di intimità creativa. Queste immagini sono diventate icone, non solo per il valore documentario, ma per la capacità di instaurare un dialogo tra due linguaggi: la fotografia e la pittura.
Català-Roca fu anche un instancabile divulgatore. Partecipò a conferenze, scrisse articoli, organizzò mostre, sempre con l’obiettivo di elevare la fotografia al rango di arte. In un’epoca in cui il mezzo era considerato minore, il suo impegno fu rivoluzionario. Non cercava il clamore, ma la dignità: voleva che la fotografia fosse riconosciuta come strumento di conoscenza e di bellezza. E ci riuscì, lasciando un’eredità che ancora oggi ispira fotografi, editori e cineasti.
Opere principali
Il corpus fotografico di Francesc Català-Roca è sterminato: oltre 230.000 immagini conservate negli archivi catalani, una produzione che abbraccia più di cinquant’anni di storia. In questo oceano di fotografie, alcune opere emergono come pietre miliari, non solo per la qualità estetica, ma per il loro valore simbolico. Sono immagini che raccontano la Spagna del dopoguerra, la vita urbana, la cultura popolare, ma anche il mondo dell’arte e dell’architettura.
Tra le più celebri vi è La Vía Layetana (Barcellona, 1954), una composizione geometrica che sfrutta la prospettiva delle strade e il gioco delle ombre per creare un’immagine di straordinaria forza visiva. Poi c’è Organillero (1950), ritratto di un suonatore di organetto che incarna la dignità del lavoro umile. Niños jugando frente al Arco del Triunfo (1950) è un inno alla vitalità infantile, mentre Las Ramblas con lluvia cattura l’atmosfera malinconica e vibrante di una città in movimento. E come dimenticare il ritratto di Salvador Dalí nel Park Güell, dove il genio surrealista sembra fondersi con le forme sinuose di Gaudí?
Queste immagini non sono semplici documenti: sono racconti visivi che condensano storia, emozione e bellezza. Ogni fotografia di Català-Roca è costruita con rigore: la scelta dell’inquadratura, il controllo della luce, l’attenzione al dettaglio. Ma dietro la tecnica c’è sempre uno sguardo umano, empatico, capace di trasformare la realtà in poesia.
I riconoscimenti non tardarono ad arrivare. Nel 1983 Català-Roca fu il primo fotografo spagnolo a ricevere il Premio Nacional de Artes Plásticas, un’onorificenza che fino ad allora era riservata alle arti tradizionali. Nel 1992 gli fu conferita la Creu de Sant Jordi dalla Generalitat de Catalunya, a testimonianza del suo contributo alla cultura catalana. Dopo la sua morte, avvenuta il 5 marzo 1998, il suo archivio è stato acquisito dal Museu Nacional d’Art de Catalunya e dall’Arxiu Fotogràfic de Barcelona, garantendo la conservazione e la fruizione pubblica di un patrimonio inestimabile.
Ma il vero riconoscimento è la sua influenza. Català-Roca ha insegnato che la fotografia è un linguaggio universale, capace di raccontare storie e preservare memorie. Ha dimostrato che si può essere rigorosi senza essere freddi, poetici senza essere retorici. Le sue immagini continuano a ispirare fotografi, studiosi e appassionati, perché parlano di ciò che è eterno: la vita, la luce, il tempo.
Fonti
- Collectiblend – Tovarna Na Kabele cameras
- Lumiere Gallery – Time of Illusions (Russian Photography)
- HowToRussia – Visual Storytellers: Russian Photography History
- Wikipedia – Storia della fotografia
- Studiare.it – Storia della fotografia dalle origini al digitale
- Bibliolab – La fotografia come fonte storica
- Università di Padova – La fotografia come fonte di storia (PDF)
Aggiornamento Ott 2025
Mi chiamo Marco Americi, ho circa 45 anni e da sempre coltivo una profonda passione per la fotografia, intesa non solo come mezzo espressivo ma anche come testimonianza storica e culturale. Nel corso degli anni ho studiato e collezionato fotocamere, riviste, stampe e documenti, sviluppando un forte interesse per tutto ciò che riguarda l’evoluzione tecnica e stilistica della fotografia. Amo scavare nel passato per riportare alla luce autori, correnti e apparecchiature spesso dimenticate, convinto che ogni dettaglio, anche il più piccolo, contribuisca a comporre il grande mosaico della storia dell’immagine. Su storiadellafotografia.com condivido ricerche, approfondimenti e riflessioni, con l’obiettivo di trasmettere il valore documentale e umano della fotografia a un pubblico curioso e appassionato, come me.
