Per anni la fotografia digitale ha inseguito la perfezione: più megapixel, maggiore nitidezza, autofocus più rapido, riduzione del rumore, esposizioni multiple e software capaci di correggere ogni errore. Nel 2026, però, una parte crescente del pubblico sembra desiderare l’opposto. Le immagini troppo pulite vengono percepite come fredde, i volti levigati dall’intelligenza artificiale appaiono anonimi e la fotografia imperfetta, sfocata, granulosa o sovraesposta torna a essere considerata autentica.
Indice dei Contenuti
- In Sintesi
- La perfezione digitale ha iniziato a stancare
- Daguerreotipo, pittura e la nuova ansia dell’immagine
- Dal collodio alla digicam: perché tornano i processi storici
- Il rullino e il valore dell’attesa
- Il collodio umido e il ritorno della superficie
- La cianotipia e la fotografia come rituale
- Le compatte digitali e l’estetica del limite
- Il mercato non torna indietro, cambia desiderio
- La rivincita dell’imperfezione
- Domande Frequenti sulla Fotografia Vintage e l’Intelligenza Artificiale (FAQ)
- Fonti
In Sintesi
- Nel 2026 cresce l’interesse per fotocamere compatte, digitali degli anni Novanta e Duemila, macchine usa e getta, pellicole e processi fotografici storici.
- Il fenomeno non indica un semplice ritorno al passato, ma una reazione alla perfezione automatizzata degli smartphone e delle immagini generate dall’intelligenza artificiale.
- Grana, sfocatura, flash diretto, dominanti cromatiche e perdite di luce sono diventati segni di autenticità e non più soltanto difetti tecnici.
- La Gen Z riscopre le vecchie fotocamere perché offrono limiti concreti, tempi più lenti e risultati meno prevedibili rispetto agli strumenti contemporanei.
- Il ritorno del dagherrotipo nel 1839 spinse la pittura a ridefinire il proprio rapporto con la realtà; oggi l’intelligenza artificiale sta spingendo la fotografia a riscoprire la propria materialità.
- Il rullino conserva il valore dell’attesa, perché impedisce di controllare immediatamente il risultato e obbliga a scegliere con maggiore attenzione.
- Il collodio umido restituisce immagini uniche, legate alla superficie della lastra, mentre la cianotipia rende visibile il rapporto tra luce, chimica e supporto.
- I dati CIPA mostrano una crescita delle fotocamere compatte e un forte calo delle reflex, ma non dimostrano un abbandono generale del digitale a favore dell’analogico.
- La fotografia analogica non è necessariamente più autentica dell’immagine digitale, ma mantiene un rapporto fisico e verificabile con luce, materia e tempo.
- L’intelligenza artificiale e la fotografia vintage non devono essere considerate soltanto nemiche: rappresentano due modi diversi di costruire e interpretare un’immagine.
Il fenomeno non riguarda soltanto il ritorno della pellicola. Le protagoniste della nuova nostalgia fotografica sono soprattutto le compatte digitali degli anni Novanta e Duemila, le cosiddette digicam, le macchine usa e getta, le istantanee e le vecchie fotocamere familiari. Secondo i dati CIPA relativi al 2025, le fotocamere con obiettivo incorporato hanno registrato una crescita molto significativa, mentre le reflex digitali hanno continuato a diminuire. Le spedizioni di compatte sono aumentate di circa il 30%, con un incremento del valore vicino al 49%, mentre le reflex sono scese di oltre il 30% in unità.
Non significa che il mercato stia tornando al passato. Significa qualcosa di più interessante: mentre la tecnologia diventa sempre più capace di produrre immagini impeccabili, molte persone stanno scegliendo strumenti che restituiscono una quota di casualità, lentezza e materia.
La perfezione digitale ha iniziato a stancare
La fotografia contemporanea è entrata in una fase paradossale. Ogni smartphone può produrre immagini tecnicamente superiori a quelle ottenibili con una compatta di venticinque anni fa. I sensori sono più sensibili, gli obiettivi più luminosi, la stabilizzazione più efficace. Gli algoritmi intervengono già prima dello scatto, combinando esposizioni diverse, recuperando le ombre, controllando le alte luci e riconoscendo automaticamente volti, occhi, cieli e soggetti.
L’immagine finale, tuttavia, non è più soltanto il risultato della luce che raggiunge un sensore. È l’esito di una serie di interpretazioni automatiche. Il telefono decide quanto rendere nitido un volto, quale colore attribuire alla pelle, quanto eliminare il rumore e quale dettaglio ricostruire nelle zone sottoesposte. La fotografia appare naturale, ma è spesso il risultato di un processo computazionale complesso.
Con l’intelligenza artificiale generativa, questa trasformazione è diventata ancora più radicale. Oggi un’immagine può essere modificata, ampliata o generata senza che davanti all’obiettivo sia mai esistita una scena corrispondente. Un volto può essere ringiovanito, uno sfondo sostituito, una luce ricostruita, un abito inventato. La fotografia non corregge più soltanto ciò che è accaduto. Può creare ciò che non è mai accaduto.
È proprio qui che nasce la nuova attrazione per l’imperfezione. La grana, il mosso, il lampo frontale, la dominante cromatica e la perdita di dettaglio diventano segnali di un’origine concreta. Un’immagine sfocata suggerisce che qualcuno fosse davvero lì, in quel momento, con una macchina imperfetta e un tempo di posa non sufficiente. Una fotografia sovraesposta conserva l’errore di una situazione reale. Un volto deformato dal flash racconta una distanza fisica tra il soggetto e l’obiettivo.
Il difetto torna quindi a essere una prova. Non necessariamente la prova assoluta che l’immagine non sia stata manipolata, ma il segnale di una resistenza all’estetica uniforme prodotta dagli algoritmi.
La Gen Z ha trasformato questo rifiuto in un linguaggio visivo. L’hashtag #digitalcamera ha superato centinaia di milioni di visualizzazioni su TikTok, mentre la cultura Y2K ha riportato in circolazione fotocamere che fino a pochi anni fa sembravano oggetti privi di valore. ANSA ha documentato il successo delle vecchie compatte digitali tra adolescenti e giovani adulti, sottolineando l’interesse per le immagini stampate, il controllo manuale e il carattere imprevedibile dei dispositivi di una generazione precedente.
La vecchia compatta digitale non è però semplicemente una macchina fotografica economica. È una macchina con limiti visibili. Ha un piccolo sensore, un obiettivo poco luminoso, un flash aggressivo, una messa a fuoco incerta e uno schermo minuscolo. Questi limiti producono una forma d’immagine riconoscibile: colori duri, alte luci bruciate, ombre profonde, incarnati aranciati, rumore elettronico e una nitidezza irregolare.
Il punto è proprio questo. Quando tutti possono applicare un filtro vintage a un’immagine perfetta, il filtro smette di essere sufficiente. L’utente cerca l’origine fisica dell’effetto. Non vuole soltanto una fotografia che sembri scattata nel 2002. Vuole usare una fotocamera del 2002.
Daguerreotipo, pittura e la nuova ansia dell’immagine
Il rapporto tra innovazione tecnica e nostalgia non è nuovo. Nel 1839, la diffusione del dagherrotipo modificò profondamente il modo in cui le società occidentali pensavano la rappresentazione. Il procedimento di Louis-Jacques-Mandé Daguerre produceva un’immagine estremamente dettagliata su una lastra d’argento e rame, con una precisione che la pittura non poteva raggiungere nello stesso modo. Il Metropolitan Museum of Art ricorda come la fotografia, fin dalla nascita, abbia avuto una doppia natura: strumento scientifico e mezzo di espressione artistica.
Il dagherrotipo sembrava minacciare soprattutto la pittura. Se una macchina poteva riprodurre un volto con una precisione quasi microscopica, quale sarebbe rimasto il ruolo del pittore? La domanda generò diffidenza, entusiasmo e una profonda crisi d’identità. Alcuni artisti considerarono la fotografia una concorrente, altri la utilizzarono come strumento preparatorio, altri ancora iniziarono a esplorare tutto ciò che la macchina non poteva restituire con la stessa immediatezza: sogno, deformazione, percezione, memoria, emozione.
La pittura non scomparve. Si liberò, almeno in parte, dall’obbligo di imitare la realtà visibile. La fotografia aveva dimostrato che il mondo poteva essere registrato meccanicamente con un livello di precisione inedito. La pittura poté quindi concentrarsi su altre forme di verità.
La situazione contemporanea presenta una simmetria sorprendente. Nel XIX secolo la fotografia minacciava la pittura perché sembrava troppo realistica. Nel XXI secolo l’intelligenza artificiale minaccia la fotografia perché può produrre immagini realistiche senza una ripresa fotografica tradizionale.
Il problema non è più soltanto: “Questa immagine è bella?”. La domanda diventa: “Questa immagine ha avuto un rapporto concreto con il mondo?”.
La fotografia analogica risponde a questa ansia con la propria materialità. La pellicola deve essere esposta alla luce. Il fotogramma deve essere impressionato. Il negativo deve essere sviluppato. La carta deve ricevere una quantità precisa di luce durante la stampa. Anche quando il risultato viene successivamente digitalizzato, l’immagine conserva una genealogia fisica.
Questa differenza non rende automaticamente la fotografia analogica più autentica. Anche una fotografia su pellicola può essere manipolata, ristampata, ritagliata o alterata. Allo stesso modo, non tutte le immagini generate dall’intelligenza artificiale sono prive di valore artistico. Il punto non è stabilire una gerarchia morale tra analogico e digitale. Il punto è riconoscere che i due sistemi producono diversi rapporti con la realtà.
La fotografia analogica introduce una resistenza. Non permette di controllare tutto. Il fotografo può scegliere la pellicola, l’esposizione, il rivelatore e la stampa, ma non domina completamente il risultato. La temperatura può modificare il contrasto. L’agitazione può alterare la densità. La luce può infiltrarsi. La polvere può entrare nell’ingranditore. L’immagine finale contiene una parte di imprevedibilità.
L’intelligenza artificiale, al contrario, tende a eliminare l’imprevisto attraverso una previsione statistica. Ricostruisce ciò che dovrebbe esserci, uniforma ciò che appare irregolare, completa ciò che è incompleto. Il suo ideale non è necessariamente il vero, ma la plausibilità.
Da qui nasce la rivincita dell’imperfezione. Una fotografia analogica può sembrare più credibile proprio perché non è completamente sotto controllo. La grana non è un difetto da cancellare. È la traccia della sensibilità della pellicola. Il bordo bruciato non è un errore da correggere. È la prova di un passaggio della luce oltre il limite previsto.
Dal collodio alla digicam: perché tornano i processi storici
Il ritorno vintage non ha un’unica forma. C’è chi acquista una Canon PowerShot dei primi anni Duemila, chi cerca una Olympus mju, chi utilizza una macchina usa e getta, chi torna al formato 35 mm e chi prepara emulsioni artigianali in laboratorio. In comune c’è il desiderio di recuperare un’immagine meno automatica e più legata al processo.
Il rullino e il valore dell’attesa
Il rullino rappresenta la forma più immediata di questa nuova lentezza. Un rullo da 24 o 36 pose impone una selezione prima dello scatto. Ogni fotografia ha un costo, anche economico, e non può essere controllata subito. Non esiste la possibilità di verificare immediatamente l’istogramma, correggere l’esposizione e ripetere la scena.
Questa limitazione modifica il comportamento del fotografo. Si osserva più a lungo. Si attende il momento giusto. Si accetta la possibilità che una fotografia sia venuta male. Anche l’errore diventa parte del racconto.
Il successo della pellicola tra i più giovani non dipende soltanto dalla nostalgia. Molti utenti della Gen Z non hanno vissuto direttamente l’epoca delle fotocamere analogiche. Il rullino non è per loro un ricordo personale, ma un oggetto estraneo, quasi archeologico. La sua forza sta proprio nella distanza: è un dispositivo che non esegue tutto al posto dell’utente.
La fotografia analogica, in questo senso, è una tecnologia “nuova” per chi è cresciuto con lo smartphone. Il suo funzionamento lento e non trasparente produce un’esperienza diversa. L’immagine non arriva subito. Deve essere attesa.
Il collodio umido e il ritorno della superficie
Il collodio umido porta questa ricerca ancora più indietro nel tempo. Nato nell’Ottocento, il procedimento richiede la preparazione di una lastra di vetro o metallo, la sensibilizzazione con una soluzione di collodio contenente sali d’argento, l’esposizione mentre la lastra è ancora umida e lo sviluppo prima che l’emulsione si asciughi.
Il risultato è una fotografia con dettagli molto fini, tonalità metalliche e imperfezioni che appartengono alla superficie stessa della lastra. Ogni immagine è un oggetto unico. Non esiste un negativo facilmente duplicabile come nella fotografia moderna, ma una lastra che conserva colature, macchie, bordi irregolari e variazioni imprevedibili.
Per chi vive in un ambiente visivo dominato da immagini generate in pochi secondi, il collodio rappresenta quasi una forma di opposizione fisica. La fotografia richiede tempo, preparazione e una presenza costante. Non basta premere un pulsante o scrivere un prompt.
Il suo ritorno, tuttavia, non deve essere interpretato come un semplice rifiuto della modernità. Molti fotografi contemporanei usano il collodio insieme a scanner ad alta risoluzione, software di archiviazione e stampa digitale. Il passato non viene ricostruito in forma pura. Viene riattivato attraverso strumenti contemporanei.
La cianotipia e la fotografia come rituale
La cianotipia è un altro processo storico tornato visibile nei laboratori, nelle scuole e nelle pratiche artistiche indipendenti. A differenza dei processi argentici, utilizza sali di ferro e produce immagini dalla caratteristica tonalità blu di Prussia. La soluzione fotosensibile viene applicata manualmente su carta o tessuto, quindi esposta alla luce ultravioletta attraverso un negativo o un oggetto appoggiato direttamente sulla superficie.
Il procedimento è relativamente accessibile, ma il risultato non è mai completamente standardizzato. La carta assorbe la soluzione in modo diverso da zona a zona. La luce varia con le condizioni atmosferiche. Il lavaggio modifica la tonalità. L’immagine nasce dall’incontro tra chimica, sole e supporto.
La cianotipia risponde a una necessità che la fotografia digitale spesso rende invisibile: vedere il processo. Non soltanto il risultato finale, ma anche il passaggio attraverso il quale il risultato si forma. L’autore può osservare la carta cambiare colore durante l’esposizione e intervenire sulla concentrazione, sul tempo o sul tipo di supporto.
Le compatte digitali e l’estetica del limite
La vecchia compatta digitale rappresenta il punto più accessibile del fenomeno. Non richiede prodotti chimici, camera oscura o conoscenze di sviluppo. Basta inserire una batteria, recuperare una scheda di memoria compatibile e accettare la resa di un sensore progettato per un’epoca in cui la fotografia digitale non cercava ancora la perfezione assoluta.
Le immagini ottenute con questi dispositivi possiedono una firma tecnica riconoscibile. Il flash diretto crea ombre nette. L’obiettivo grandangolare obbliga ad avvicinarsi al soggetto. Il sensore piccolo produce rumore in condizioni di luce scarsa. Il bilanciamento del bianco sbaglia facilmente sotto lampade artificiali. La compressione JPEG introduce artefatti e perdita di dettaglio.
Tutto ciò che un tempo sarebbe stato considerato un limite oggi diventa stile. Il ritratto leggermente mosso suggerisce spontaneità. Il flash sovraesposto richiama le feste domestiche e le fotografie degli album familiari. La bassa risoluzione crea distanza dalla cultura dell’immagine ultra-definita.
La differenza rispetto a un filtro applicato su uno smartphone è sostanziale. Il filtro simula un’estetica; la vecchia fotocamera la produce come conseguenza dei propri limiti. Non è una semplice imitazione. È il risultato naturale di una tecnologia appartenente a un’altra fase della storia dell’immagine.
Il mercato non torna indietro, cambia desiderio
Parlare di “ritorno alle fotocamere degli anni Novanta” è efficace, ma deve essere interpretato con prudenza. I dati disponibili non mostrano un collasso del digitale a favore dell’analogico. Mostrano piuttosto una riorganizzazione del mercato digitale: le reflex diminuiscono, le mirrorless restano centrali e le compatte con obiettivo incorporato stanno vivendo una nuova crescita. Nel 2025, secondo i dati CIPA riportati da DPReview, le spedizioni complessive di fotocamere digitali sono aumentate dell’11% rispetto all’anno precedente, mentre le compatte sono cresciute molto più rapidamente delle reflex.
Anche i dati più recenti del 2026 confermano questa tendenza. Nei primi cinque mesi dell’anno le spedizioni di mirrorless risultavano sostanzialmente stabili o in lieve crescita rispetto al 2025, mentre le compatte continuavano a mostrare una performance positiva; le reflex, al contrario, restavano in forte calo.
Il mercato non sta quindi abbandonando la tecnologia moderna. Sta abbandonando l’idea che una sola tecnologia debba essere utilizzata per tutto. Il fotografo contemporaneo può possedere una mirrorless professionale per il lavoro, uno smartphone per la velocità, una compatta digitale per i momenti informali e una macchina a pellicola per costruire immagini più lente.
Questa pluralità è importante anche dal punto di vista culturale. Per decenni il progresso fotografico è stato raccontato come una marcia lineare verso il meglio: più risoluzione, più velocità, più controllo, più automatismi. Il ritorno vintage dimostra che il valore di una macchina non dipende soltanto dalle sue prestazioni.
Una fotocamera può essere apprezzata proprio perché impone un limite. Può diventare interessante perché non permette di vedere subito la fotografia. Può essere desiderata perché sbaglia il colore, brucia il flash o conserva una grana che il software eliminerebbe automaticamente.
L’intelligenza artificiale rende questo passaggio ancora più evidente. Più diventa facile generare volti perfetti, scene plausibili e immagini senza difetti, più cresce il desiderio di fotografie che mostrino una relazione concreta con un momento e con un luogo.
La vecchia macchina fotografica non è quindi una rivale dell’intelligenza artificiale. È il suo contrappunto. L’IA rappresenta l’immagine potenziale, quella che può essere costruita, corretta e immaginata. La fotografia analogica rappresenta l’immagine accaduta, quella che nasce dall’incontro irripetibile tra luce, materia, tempo e errore.
La domanda decisiva non è quale delle due sia migliore. È quale tipo di rapporto con le immagini vogliamo conservare.
La rivincita dell’imperfezione
La fotografia storica non sta semplicemente tornando di moda. Sta offrendo un vocabolario alternativo in un’epoca dominata dalla simulazione. Il dagherrotipo costrinse la pittura a cercare nuove strade perché la macchina sembrava aver conquistato la rappresentazione realistica. Oggi l’intelligenza artificiale sta spingendo la fotografia a riscoprire ciò che nessun algoritmo può rendere completamente equivalente: la traccia fisica dell’evento.
La grana non è soltanto rumore. È materia.
La sfocatura non è soltanto un errore di messa a fuoco. È il segno di un movimento.
La perdita di luce non è soltanto un difetto ottico. È la testimonianza di un limite.
Il ritorno delle fotocamere degli anni Novanta e dei processi storici non nasce dal desiderio di tornare indietro in modo ingenuo. Nasce dalla necessità di distinguere un’immagine costruita da un’immagine vissuta. Persino quando entrambe sono belle, emozionanti o condivisibili, non producono lo stesso rapporto con la realtà.
Nel 2026, mentre l’intelligenza artificiale rende possibile creare quasi qualsiasi immagine, la fotografia vintage ricorda che non tutto deve essere possibile. A volte la forza di una fotografia nasce proprio da ciò che non è stato corretto, previsto o controllato.
La rivincita dell’imperfezione non è una guerra contro la tecnologia. È la richiesta di una tecnologia con un carattere, una resistenza e una memoria. Una tecnologia che non cancelli completamente il gesto umano.
E forse è proprio questo il motivo per cui, davanti a un mondo capace di creare immagini perfette in pochi secondi, qualcuno torna a cercare una compatta di venticinque anni fa, inserisce una batteria, preme il pulsante e accetta di non sapere ancora che cosa ha fotografato.
Domande Frequenti sulla Fotografia Vintage e l’Intelligenza Artificiale (FAQ)
Perché nel 2026 tornano di moda le fotocamere degli anni Novanta?
Perché producono immagini lontane dalla perfezione degli smartphone. Flash aggressivo, rumore digitale, colori alterati, bassa risoluzione e messa a fuoco incerta sono diventati elementi estetici ricercati.
La fotografia analogica sta davvero sostituendo quella digitale?
No. Il fenomeno è soprattutto culturale e di nicchia. I dati di mercato mostrano una crescita delle compatte digitali e una contrazione delle reflex, ma non indicano che la pellicola abbia sostituito smartphone, mirrorless o fotocamere professionali.finance.
Che cosa significa “digicam”?
Il termine indica generalmente una vecchia fotocamera digitale compatta, soprattutto modelli prodotti tra la fine degli anni Novanta e i primi anni Duemila. Queste macchine sono apprezzate per la resa dei piccoli sensori e per i limiti tecnici oggi considerati stilisticamente interessanti.
Perché la Gen Z apprezza macchine fotografiche che non ha mai usato?
Perché la loro esperienza non è necessariamente legata alla nostalgia personale. Per molti giovani, una fotocamera compatta del 2000 è una tecnologia estranea, lenta e curiosa, capace di offrire un’esperienza diversa da quella dello smartphone.
Quali difetti producono l’estetica vintage?
Tra i più riconoscibili ci sono la grana, il mosso, la bassa risoluzione, la sovraesposizione del flash, il bilanciamento del bianco impreciso, la vignettatura, i colori saturi e la compressione JPEG.
Perché non basta applicare un filtro vintage a una fotografia digitale?
Un filtro può imitare alcuni colori o aggiungere grana, ma non riproduce completamente il comportamento fisico di una vecchia fotocamera. L’ottica, il sensore, il flash e gli errori di esposizione contribuiscono tutti alla resa finale.
Che rapporto esiste tra intelligenza artificiale e fotografia vintage?
L’intelligenza artificiale tende a rendere le immagini più controllabili, plausibili e perfette. La fotografia vintage, invece, conserva una maggiore quantità di casualità e limiti tecnici. Proprio questo contrasto sta alimentando il nuovo interesse per le immagini imperfette.
Il collodio umido è una tecnica analogica?
Sì. È un procedimento fotografico storico ottocentesco che utilizza una lastra di vetro o metallo sensibilizzata con collodio e sali d’argento. La lastra deve essere esposta e sviluppata quando è ancora umida.
Perché il collodio umido è tornato a essere praticato?
Perché produce immagini uniche, con dettagli particolari, tonalità metalliche, bordi irregolari e difetti legati alla superficie della lastra. Il fotografo partecipa direttamente alla preparazione dell’immagine.
Che cos’è la cianotipia?
È un processo fotografico storico basato su sali di ferro che produce immagini blu di Prussia. La soluzione viene applicata su carta o tessuto, esposta alla luce ultravioletta e successivamente lavata.
Perché il rullino è importante nella nuova fotografia vintage?
Perché introduce un limite concreto al numero di immagini disponibili. Un rullo da 24 o 36 pose obbliga a scegliere prima dello scatto e impedisce di controllare immediatamente il risultato.
La fotografia analogica è più autentica di quella digitale?
Non necessariamente. Una fotografia analogica può essere manipolata e una fotografia digitale può documentare perfettamente un evento reale. La differenza principale riguarda il rapporto fisico con il processo di formazione dell’immagine.
Che cosa mostrano i dati CIPA sul mercato fotografico?
Mostrano una crescita delle fotocamere con obiettivo incorporato e una persistente diminuzione delle reflex. Nel 2025 le compatte hanno registrato una forte crescita in unità e valore, mentre le reflex hanno continuato a perdere terreno.
Il mercato delle fotocamere sta tornando agli anni Duemila?
Non in senso letterale. Le fotocamere moderne continuano a essere tecnicamente molto più avanzate. Il ritorno riguarda soprattutto l’estetica delle immagini, l’esperienza d’uso e il desiderio di avere strumenti meno automatizzati.
Il dagherrotipo ha davvero influenzato la pittura?
Sì, anche se il rapporto fu complesso e non immediato. La fotografia introdusse un nuovo modo di rappresentare il mondo e spinse molti artisti a riflettere su ciò che la pittura poteva offrire oltre la riproduzione realistica.
L’intelligenza artificiale eliminerà la fotografia tradizionale?
È improbabile. L’IA cambierà profondamente la produzione, la postproduzione e la distribuzione delle immagini, ma proprio questa trasformazione può rafforzare l’interesse per tecniche basate su pellicola, luce, chimica e casualità.
Fonti
Camera & Imaging Products Association, dati di mercato riportati da DPReview
ANSA, il ritorno delle fotocamere digitali vintage tra la Gen Z
Metropolitan Museum of Art, Daguerre e l’invenzione della fotografia
Metropolitan Museum of Art, l’epoca del dagherrotipo in Francia
Sono Manuela Parangelo, autrice e amministratrice di storiadellafotografia.com, uno dei principali siti italiani dedicati alla storia e alla cultura fotografica. La mia passione per la fotografia è nata molti anni fa e da allora ho dedicato la mia vita professionale a esplorare, ricercare e condividere tutto ciò che riguarda questo straordinario linguaggio visivo.
Con una solida formazione accademica in storia dell'arte e una lunga esperienza nella cura di mostre fotografiche e nella pubblicazione di articoli su riviste specializzate, ho sviluppato una visione ampia e critica della fotografia in tutte le sue dimensioni. Su storiadellafotografia.com mi occupo dei brand fotografici che hanno fatto la storia del mezzo: Leica, Hasselblad, Kodak, Nikon, Canon e tutti i marchi che con le proprie innovazioni hanno reso possibile la fotografia così come la conosciamo oggi.
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