Parallelamente, il costruttore giapponese Mamiya introdusse la serie RB67 e poi la più avanzata RZ67, due sistemi che dominarono gli studi fotografici dagli anni ’70 agli anni ’90. Il loro design modulare, con dorso ruotabile, mirini intercambiabili e messa a fuoco a soffietto, offriva una flessibilità impareggiabile. La RZ67, con otturatore elettronico e possibilità di sincronizzazione flash a tutte le velocità, divenne lo standard per la fotografia di moda e pubblicitaria. I ritratti di Annie Leibovitz, Irving Penn e Herb Ritts portarono il nome Mamiya dentro le riviste più prestigiose, consacrandone il ruolo nel linguaggio commerciale e artistico dell’immagine.
Un altro capitolo significativo è rappresentato dalla Fuji GX680, una macchina imponente che tentò una fusione tra la portabilità del medio formato e i movimenti ottici del banco ottico. Grazie ai controlli di basculaggio e decentramento, la GX680 offriva la possibilità di correggere la prospettiva e controllare il piano di fuoco — una funzione rara e ambiziosa per il suo formato. Il suo uso restò confinato a contesti professionali di alta gamma, ma anticipò l’interesse per la flessibilità geometrica e la manipolazione ottica che oggi troviamo nei sensori digitali tilt-shift.
Nel panorama della fotografia, il medio formato occupa una posizione di rilievo che unisce la precisione tecnica delle grandi camere con la praticità operativa delle fotocamere di piccolo formato. Le fotocamere medio formato si distinguono principalmente per la dimensione del supporto sensibile, che, nell’era analogica, era costituito da pellicole di larghezza 120 o 220, capaci di produrre fotogrammi di varie dimensioni: 6×4,5 cm, 6×6 cm, 6×7 cm, 6×8 cm, 6×9 cm e in alcuni casi persino più grandi. Nel contesto digitale, il termine medio formato indica sensori più grandi del full frame (24×36 mm), con misure variabili da 33×44 mm fino a 53,4×40 mm, mantenendo così un legame concettuale con le dimensioni fisiche originarie della pellicola.
L’importanza delle fotocamere medio formato risiede nella loro capacità di offrire una qualità d’immagine superiore, grazie alla maggiore superficie sensibile, che consente di raccogliere una quantità di luce maggiore e quindi di restituire una gamma tonale più ampia, una profondità di campo ridotta e un dettaglio fine più ricco. Tali caratteristiche hanno reso il medio formato lo strumento prediletto di fotografi professionisti nei campi della moda, del ritratto, della pubblicità e della fotografia d’arte, dove la resa dei dettagli e la fedeltà cromatica sono determinanti.
Un elemento cruciale del medio formato è la proporzione dell’immagine: il formato 6×6, ad esempio, ha introdotto un rapporto d’aspetto quadrato che ha influenzato profondamente il linguaggio visivo del Novecento, offrendo una composizione equilibrata e simmetrica. Diversamente, i formati 6×7 o 6×9 hanno dato origine a immagini più rettangolari, spesso preferite per la fotografia editoriale o di paesaggio, dove la spazialità e la continuità visiva risultano più enfatizzate.
Dal punto di vista costruttivo, le fotocamere medio formato si presentano in diverse configurazioni meccaniche e ottiche. Le più note sono le reflex biottiche (TLR) come la Rolleiflex, le reflex monottiche (SLR) come la Hasselblad o la Pentax 67, e le telemetro o folding come le Mamiya 6 o le Fuji GF670. Questa varietà di design riflette l’adattabilità del formato alle diverse esigenze operative: dal lavoro in studio alla fotografia di viaggio, dal ritratto all’architettura.
A differenza delle fotocamere a piccolo formato, il medio formato permette un controllo più raffinato della prospettiva e del fuoco selettivo, qualità che contribuiscono a definire un’estetica distinta, spesso associata a una sensazione di tridimensionalità e naturalezza. Anche la risoluzione effettiva della pellicola o del sensore, proporzionale alla dimensione fisica, incide sulla nitidezza percepita e sulla resa dei microcontrasti, elementi che fanno del medio formato una scelta tecnica privilegiata per chi ricerca la massima fedeltà visiva.
Nel contesto contemporaneo, il ritorno del medio formato digitale rappresenta una sintesi di tradizione e innovazione: marchi come Hasselblad, Fujifilm, Phase One e Pentax hanno rinnovato il concetto, offrendo strumenti in grado di coniugare qualità da grande formato con portabilità e integrazione digitale. Questa rinascita non è soltanto un fenomeno tecnologico, ma anche culturale: il medio formato rimane il punto di incontro tra rigore tecnico e libertà espressiva, una scelta consapevole che esprime la volontà di rallentare il gesto fotografico e privilegiare la costruzione dell’immagine.
Origini storiche
Le origini del medio formato si collocano nel periodo compreso tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, quando la fotografia cominciò a liberarsi dai vincoli ingombranti delle camere a lastre. Le pellicole flessibili in rullo introdotte da George Eastman nel 1888 con la Kodak n.1 segnarono un passaggio fondamentale: il formato del rullo 120, introdotto nel 1901, divenne lo standard per le fotocamere di medio formato e rimase tale per oltre un secolo. Questo tipo di pellicola, largo circa 60 mm, consentiva di ottenere immagini più grandi rispetto al formato 35 mm, ma con un sistema di caricamento molto più rapido e pratico rispetto alle lastre singole.
La vera consacrazione del medio formato avvenne però negli anni ’20 e ’30, con l’affermazione delle fotocamere a doppio obiettivo reflex (TLR), tra cui la celebre Rolleiflex prodotta dalla tedesca Franke & Heidecke a partire dal 1929. Il suo design compatto, dotato di un mirino a pozzetto e di due ottiche parallele (una per la messa a fuoco e una per la ripresa), rappresentò una rivoluzione nell’uso professionale del formato. L’adozione del formato 6×6 cm fece della Rolleiflex un’icona tra i fotoreporter e i ritrattisti.
Parallelamente, altri costruttori come Zeiss Ikon, Voigtländer, Agfa e Kodak svilupparono fotocamere a soffietto e telemetro che utilizzavano il formato 120, rendendo il medio formato accessibile a un’ampia fascia di fotografi, sia amatori avanzati che professionisti. Negli anni ’40 e ’50, il medio formato trovò un terreno fertile anche nelle fotocamere reflex monottiche (SLR), grazie a modelli come la Hasselblad 1600F (1948), progettata da Victor Hasselblad in Svezia. La possibilità di cambiare obiettivi e magazzini pellicola introdusse una modularità senza precedenti, trasformando la fotografia professionale da un atto statico a un processo dinamico e versatile.
Nel dopoguerra, con la diffusione di riviste illustrate e campagne pubblicitarie a colori, il medio formato consolidò la sua posizione come standard qualitativo per la fotografia editoriale e commerciale. Grandi nomi come Irving Penn, Richard Avedon, Helmut Newton e Diane Arbus scelsero questo formato per la sua capacità di rendere tessiture, sfumature e tonalità con precisione pittorica, creando un linguaggio visivo che ancora oggi è sinonimo di eccellenza tecnica.
Durante gli anni ’60 e ’70, il medio formato raggiunse il suo apice di popolarità, con un’offerta di modelli estremamente ampia: Mamiya RB67, Bronica, Pentax 67, Fujica G690 e molte altre. Ognuna di queste macchine introdusse soluzioni meccaniche e ottiche uniche, contribuendo a un’evoluzione tecnica costante. La presenza di otturatori centrali, sistemi di innesto rapido dei magazzini e mirini intercambiabili consolidò la reputazione del medio formato come strumento professionale di massima precisione.
Con l’arrivo del formato 35 mm e successivamente del digitale, molti pensavano che il medio formato fosse destinato a scomparire. Tuttavia, la sua superiorità ottica e strutturale ne ha garantito la sopravvivenza, fino a diventare una nicchia di altissima qualità nella fotografia contemporanea.
Evoluzione tecnologica
L’evoluzione delle fotocamere medio formato è strettamente legata ai progressi dell’ottica, della meccanica di precisione e, in tempi più recenti, dell’elettronica e del digitale. A partire dagli anni Cinquanta, i produttori iniziarono a perfezionare i sistemi reflex monottici, rendendo più affidabili i meccanismi di specchio e otturatore, nonché più precisi i sistemi di messa a fuoco su vetro smerigliato. L’obiettivo era combinare l’ampia superficie del fotogramma con una gestione operativa più fluida, adatta al lavoro professionale.
Uno dei punti di svolta fu rappresentato dalla Hasselblad 500C (1957), che introdusse l’uso dell’otturatore centrale (Compur) integrato negli obiettivi intercambiabili Carl Zeiss. Questo sistema consentiva tempi di sincronizzazione flash fino a 1/500 di secondo, un vantaggio notevole rispetto alle reflex 35 mm dell’epoca, limitate a 1/60. La 500C e i suoi successori divennero così lo standard dell’industria fotografica professionale, impiegati in studio e persino nelle missioni spaziali NASA Apollo, dove furono modificate per operare in assenza di atmosfera.
Negli anni Sessanta, altri marchi risposero con approcci tecnici differenti. La Mamiya RB67 introdusse un sistema a soffietto integrato per la messa a fuoco, offrendo un’escursione macro notevole e un formato 6×7 cm particolarmente adatto alla fotografia di moda e pubblicitaria. Il corpo ruotabile, che permetteva di passare da orientamento orizzontale a verticale senza muovere la macchina, rappresentò una soluzione ergonomica innovativa. Parallelamente, la Bronica giapponese e la Pentax 6×7 proposero alternative più leggere e compatte, con meccanismi derivati dal 35 mm ma con risultati qualitativi da studio.
Durante gli anni Settanta e Ottanta, l’introduzione dei motori di avanzamento pellicola, dei magazzini intercambiabili e dei mirini elettronici esposimetrici rese il medio formato sempre più sofisticato. La fotografia professionale trovò in questi strumenti una combinazione di affidabilità meccanica e versatilità ottica difficilmente eguagliabile. Le pellicole a colori di nuova generazione, come le Kodak Ektachrome e Fujifilm Velvia, permisero di sfruttare appieno la risoluzione del formato, evidenziando microdettagli e saturazioni cromatiche finissime.
Con l’arrivo del digitale, a partire dagli anni Novanta, il medio formato conobbe una crisi temporanea. I primi back digitali di Phase One, Leaf e Kodak DCS erano costosi e limitati, ma rappresentarono il ponte tra analogico e futuro digitale. I sensori CCD da 16 a 22 megapixel, montati su corpi Hasselblad o Mamiya, segnarono l’inizio della fotografia medio formato digitale, con una qualità già superiore alle reflex digitali coeve.
L’evoluzione recente ha visto un passaggio dai sensori CCD ai più moderni CMOS retroilluminati, capaci di garantire gamma dinamica estesa, rumore ridotto e maggior sensibilità ISO. Modelli come la Fujifilm GFX 100S, la Hasselblad X2D 100C e la Phase One IQ4 150MP rappresentano oggi il vertice della fotografia digitale professionale. Queste fotocamere integrano sensori da 100 a 150 megapixel, gestione elettronica avanzata e file RAW di straordinaria plasticità tonale. Il medio formato, un tempo legato a un uso lento e ponderato, è oggi una macchina ad alte prestazioni, capace di competere con la velocità operativa delle migliori mirrorless full frame.
In questo percorso evolutivo, il concetto di medio formato non ha mai perso la sua essenza: quella di uno strumento che offre un’esperienza fotografica più fisica, controllata e consapevole, in cui ogni scatto è il risultato di un processo attento, tanto tecnico quanto artistico.
Caratteristiche principali
La definizione tecnica di fotocamera medio formato si fonda sulla dimensione del supporto sensibile, ma le sue caratteristiche distintive comprendono anche aspetti ottici, meccanici e percettivi.
Il primo elemento cruciale è la grandezza del sensore o del fotogramma, che, nel digitale, è di norma compresa tra 33×44 mm e 53,4×40 mm. Questa superficie è circa 1,7 volte maggiore rispetto al full frame, con un guadagno sostanziale in termini di profondità tonale, transizione cromatica e riduzione del rumore digitale. Ogni pixel riceve più luce, migliorando così il rapporto segnale/rumore e garantendo immagini più pulite anche a basse sensibilità ISO.
Sul piano ottico, le lenti progettate per il medio formato presentano focali più lunghe per la stessa inquadratura rispetto al 35 mm, ma offrono una profondità di campo ridotta e una resa prospettica più naturale. Questo effetto, spesso percepito come “tridimensionalità”, è il risultato della combinazione tra ampio campo di cattura e basso ingrandimento ottico. Le ottiche Zeiss, Schneider, Mamiya Sekor e Fujinon hanno costruito la reputazione del formato grazie a nitidezza microcontrastica e aberrazioni minime.
Dal punto di vista meccanico, le fotocamere medio formato tradizionali sono note per la loro modularità: corpo macchina, mirino, magazzino e obiettivi sono elementi intercambiabili. Questa struttura a blocchi consente una manutenzione semplice, la possibilità di cambiare pellicola a metà rullo, e una personalizzazione totale dello strumento.
Nei modelli digitali, la modularità è stata parzialmente sostituita da una costruzione più integrata, ma la filosofia resta immutata: fornire massima qualità a scapito della compattezza.
Un aspetto distintivo è la gamma tonale superiore. Le fotocamere medio formato digitali a 16 bit per canale (contro i 14 bit tipici del full frame) garantiscono oltre 65.000 livelli tonali per colore, rendendo possibili sfumature e passaggi estremamente morbidi, soprattutto nei toni della pelle e nelle alte luci.
Questa caratteristica è particolarmente apprezzata in ritratto, moda e still life, dove la fedeltà cromatica è un criterio professionale imprescindibile.
Anche la sincronizzazione flash è un punto di forza del formato. Gli otturatori centrali integrati negli obiettivi permettono tempi di sincronizzazione rapidi, anche superiori a 1/1000 di secondo, consentendo un controllo preciso dell’illuminazione in studio e in esterni.
Dal punto di vista del file, i sensori medio formato generano RAW di dimensioni imponenti (fino a 200 MB per immagine), ma con una quantità di dati utile anche per la stampa fine art in grande formato, mantenendo un livello di dettaglio inarrivabile.
Le fotocamere medio formato si distinguono per una qualità ottica e strutturale superiore, una costruzione robusta e una resa d’immagine che privilegia la morbidezza, la profondità e la fedeltà visiva rispetto alla velocità e alla portabilità.
Utilizzi e impatto nella fotografia
L’impatto del medio formato nella fotografia è profondo e trasversale. Fin dagli anni Cinquanta, esso è stato lo strumento prediletto per il ritratto e la fotografia di moda, grazie alla capacità di rendere la texture della pelle, i tessuti e i contrasti con una delicatezza ineguagliata. Fotografi come Richard Avedon, Irving Penn, Annie Leibovitz e Helmut Newton hanno costruito la loro estetica attorno al medio formato, sfruttandone la profondità tonale e la neutralità prospettica.
Nel campo della fotografia pubblicitaria e still life, il formato 6×7 e 6×8 si è imposto per la possibilità di lavorare con elevata precisione nei piani di fuoco e con grande fedeltà cromatica, dote fondamentale per la riproduzione di prodotti, tessuti, oggetti di design o opere d’arte.
Nel paesaggio, invece, la grande gamma dinamica del medio formato permette di gestire luci e ombre con risultati prossimi a quelli del grande formato, ma con una portabilità molto maggiore. Le immagini di autori come Michael Kenna o Franco Fontana mostrano quanto la pulizia e la compattezza del 6×6 abbiano influenzato anche l’approccio compositivo.
Il medio formato digitale contemporaneo ha esteso questi ambiti alla fotografia commerciale e cinematografica, dove i sensori CMOS di grandi dimensioni vengono usati anche come base per riprese video ad altissima risoluzione. Case come Phase One o Hasselblad collaborano oggi con marchi cinematografici e aerospaziali, segno di una continuità tecnologica che va ben oltre il campo fotografico.
Ma forse l’impatto più significativo del medio formato è di ordine percettivo ed estetico. Scattare con una fotocamera medio formato implica un gesto lento, meditativo, in cui la costruzione dell’immagine precede lo scatto. Questo processo ha contribuito a formare una vera e propria “cultura del tempo fotografico”, basata sulla contemplazione e sull’attenzione al dettaglio.
In un’epoca dominata dalla rapidità delle mirrorless e degli smartphone, il medio formato rimane un atto di resistenza tecnica ed espressiva, che riafferma la fotografia come arte della precisione.
Curiosità e modelli iconici
Nel corso del Novecento, il medio formato ha rappresentato una delle aree più fertili di sperimentazione fotografica, dove qualità ottica, artigianalità meccanica e cultura visiva si sono intrecciate fino a definire una vera e propria mitologia tecnica. Le fotocamere medio formato, nate per offrire un negativo di grande superficie e una resa tonale superiore, hanno dato forma a interi linguaggi della fotografia moderna — dalla ritrattistica d’autore alla fotografia di moda, dal paesaggio alla documentazione scientifica.
Tra le icone assolute figura la Hasselblad 500C/M, simbolo di precisione scandinava e perfezione modulare. Lanciata nel 1957 e successivamente adottata dalla NASA, venne impiegata nelle missioni Apollo tra il 1969 e il 1972. Le versioni modificate — prive di mirino ottico e rivestite in alluminio anodizzato per resistere al vuoto — immortalarono le immagini più emblematiche dello sbarco sulla Luna. La scelta di Hasselblad non fu casuale: la costruzione a moduli intercambiabili, la piattezza del piano pellicola e la stabilità del sistema otturatore centrale garantirono un’affidabilità senza precedenti. Queste caratteristiche fecero della 500C/M una macchina non solo celebre, ma anche didatticamente paradigmatica dell’idea stessa di medio formato come “strumento assoluto”.
Negli stessi anni, la tedesca Rolleiflex 2.8F consolidava il mito della biottica: un doppio obiettivo Zeiss Planar, un mirino a pozzetto che obbligava a una visione calma e meditata, e un’estetica compatta che favoriva la discrezione. Questo equilibrio tra ergonomia e qualità ottica la rese il mezzo prediletto di Vivian Maier, Robert Doisneau, Richard Avedon, Diane Arbus e di molti altri fotografi che trovarono nella biottica una via intermedia tra l’intimità della 35 mm e la formalità del banco ottico. La Rolleiflex non fu solo un oggetto tecnico, ma un modo di guardare: basso, frontale, empatico, costruito sull’attesa e sull’osservazione.
Gli anni ’60 e ’70 videro l’espansione industriale e professionale del formato 6×7 e 6×9. La Pentax 6×7, soprannominata “la reflex gigante”, rappresentò un punto di svolta per i fotografi abituati al linguaggio delle 35 mm. Il suo corpo, simile a una SLR tradizionale, ma con un negativo più di quattro volte maggiore, permetteva di mantenere un flusso operativo rapido senza rinunciare alla gamma tonale e alla profondità di campo tipiche del medio formato. Venne adottata in massa da paesaggisti, fotografi di moda e ritrattisti, grazie a un parco ottiche luminoso e a un mirino pentaprisma che ne faceva una vera “bridge camera” tra i due mondi.
Parallelamente, il costruttore giapponese Mamiya introdusse la serie RB67 e poi la più avanzata RZ67, due sistemi che dominarono gli studi fotografici dagli anni ’70 agli anni ’90. Il loro design modulare, con dorso ruotabile, mirini intercambiabili e messa a fuoco a soffietto, offriva una flessibilità impareggiabile. La RZ67, con otturatore elettronico e possibilità di sincronizzazione flash a tutte le velocità, divenne lo standard per la fotografia di moda e pubblicitaria. I ritratti di Annie Leibovitz, Irving Penn e Herb Ritts portarono il nome Mamiya dentro le riviste più prestigiose, consacrandone il ruolo nel linguaggio commerciale e artistico dell’immagine.
Un altro capitolo significativo è rappresentato dalla Fuji GX680, una macchina imponente che tentò una fusione tra la portabilità del medio formato e i movimenti ottici del banco ottico. Grazie ai controlli di basculaggio e decentramento, la GX680 offriva la possibilità di correggere la prospettiva e controllare il piano di fuoco — una funzione rara e ambiziosa per il suo formato. Il suo uso restò confinato a contesti professionali di alta gamma, ma anticipò l’interesse per la flessibilità geometrica e la manipolazione ottica che oggi troviamo nei sensori digitali tilt-shift.
Con il passaggio al digitale, la sopravvivenza del medio formato sembrò incerta. Tuttavia, proprio la sfida tecnologica riaccese l’interesse per la massima qualità d’immagine. La Hasselblad H6D, la Phase One XF IQ4 150MP e la Fujifilm GFX100S hanno ridefinito la categoria nel XXI secolo. La GFX100S, in particolare, rappresenta una rivoluzione democratica: compatta, dotata di un sensore da 102 megapixel, stabilizzazione interna e autofocus ibrido, combina la mobilità delle mirrorless con la superficie sensibile del medio formato. È il segno che il concetto di “medio formato” si è evoluto da una misura fisica a una categoria percettiva: ciò che definisce il formato non è più solo la dimensione del sensore, ma il tipo di resa, la profondità tonale, il microcontrasto e la sensazione tridimensionale dell’immagine.
Una curiosità tecnica spesso ignorata riguarda proprio questa trasformazione semantica: il cosiddetto “medio formato digitale” raramente corrisponde alle dimensioni classiche della pellicola 6×4,5 o 6×6. I sensori digitali più grandi, come quelli da 44×33 mm, mantengono la proporzione e la filosofia operativa, ma non la scala originale. Ciò nonostante, la percezione del medio formato come territorio della massima fedeltà e della lentezza consapevole resta intatta. È ancora oggi, più che un formato, una mentalità fotografica: un modo di lavorare che privilegia la qualità, la riflessione e la relazione tra fotografo, luce e soggetto.
Fonti
- Camera-wiki.org – Medium format cameras
- Hasselblad Official History
- Phase One – Digital Backs Overview
- Fujifilm GFX System Overview
- National Geographic – Photography and Medium Format
- Smithsonian Magazine – Evolution of Camera Technology
- DPReview – Medium Format Cameras Explained
- Aperture Foundation – On Medium Format Photography
- Britannica – History of Photography
- Kodak Film Formats Archive
Sono Manuela, autrice e amministratrice del sito web www.storiadellafotografia.com. La mia passione per la fotografia è nata molti anni fa, e da allora ho dedicato la mia vita professionale a esplorare e condividere la sua storia affascinante.
Con una solida formazione accademica in storia dell’arte, ho sviluppato una profonda comprensione delle intersezioni tra fotografia, cultura e società. Credo fermamente che la fotografia non sia solo una forma d’arte, ma anche un potente strumento di comunicazione e un prezioso archivio della nostra memoria collettiva.
La mia esperienza si estende oltre la scrittura; curo mostre fotografiche e pubblico articoli su riviste specializzate. Ho un occhio attento ai dettagli e cerco sempre di contestualizzare le opere fotografiche all’interno delle correnti storiche e sociali.
Attraverso il mio sito, offro una panoramica completa delle tappe fondamentali della fotografia, dai primi esperimenti ottocenteschi alle tecnologie digitali contemporanee. La mia missione è educare e ispirare, sottolineando l’importanza della fotografia come linguaggio universale.
Sono anche una sostenitrice della conservazione della memoria visiva. Ritengo che le immagini abbiano il potere di raccontare storie e preservare momenti significativi. Con un approccio critico e riflessivo, invito i miei lettori a considerare il valore estetico e l’impatto culturale delle fotografie.
Oltre al mio lavoro online, sono autrice di libri dedicati alla fotografia. La mia dedizione a questo campo continua a ispirare coloro che si avvicinano a questa forma d’arte. Il mio obiettivo è presentare la fotografia in modo chiaro e professionale, dimostrando la mia passione e competenza. Cerco di mantenere un equilibrio tra un tono formale e un registro comunicativo accessibile, per coinvolgere un pubblico ampio.
