Il 2026 si apre per l’Italia come un anno di straordinaria densità culturale, un momento in cui le grandi istituzioni museali del Paese sembrano voler riaffermare la propria centralità nel dibattito artistico internazionale. In questo panorama, la mostra Robert Mapplethorpe: Le forme del desiderio, ospitata dal Palazzo Reale di Milano, si configura non soltanto come uno degli eventi espositivi più attesi della stagione, ma come un vero e proprio atto critico, capace di interrogare il presente attraverso la grammatica visiva di uno dei più grandi fotografi del Novecento.
La mostra è aperta al pubblico dal 19 febbraio 2026 e resterà visitabile fino al 1° giugno 2026 nelle sale storiche del Palazzo Reale di Milano, in Piazza del Duomo 12. Un arco temporale di oltre tre mesi che riflette l’ambizione del progetto: non una parentesi effimera nel calendario espositivo milanese, ma una presenza duratura, pensata per attrarre visitatori da tutta Italia e dall’estero, collezionisti, studenti delle accademie di belle arti e semplici appassionati che vogliono confrontarsi con un’opera fotografica di rara potenza. L’apertura in febbraio, a ridosso delle settimane della Milano Fashion Week, non è una coincidenza: la città era già attraversata da quel dibattito permanente sul corpo, sull’immagine e sull’identità visiva che costituisce il contesto culturale più naturale per incontrare l’opera di Robert Mapplethorpe.
Robert Mapplethorpe (Queens, New York, 4 novembre 1946 – Boston, 9 marzo 1989) appartiene a quella ristretta cerchia di artisti la cui opera ha il potere raro di trasformare lo sguardo di chi la osserva. Non si tratta di un’iperbole retorica: la fotografia di Mapplethorpe è un’esperienza cognitiva e sensoriale insieme, un incontro tra la perfezione formale ereditata dalla scultura classica e una visione del corpo umano, del fiore, dell’oggetto e del desiderio, che non ha ancora esaurito la sua capacità di provocare meraviglia e turbamento. Presentare questa opera in Italia nel 2026, in una città come Milano che è al tempo stesso capitale della moda, del design e del mercato dell’arte contemporanea, significa collocarla all’incrocio preciso tra estetica e politica, tra bellezza e identità.
Il progetto scientifico alla base di questa esposizione nasce da una riflessione approfondita condotta dal curatore Denis Curti, critico e storico della fotografia tra i più autorevoli del panorama italiano, che ha intrecciato la sua lettura dell’opera di Mapplethorpe con le questioni più urgenti del presente: la libertà di rappresentazione del corpo, la fluidità delle identità di genere, il rapporto tra arte e censura, la tensione irrisolta tra classicismo e trasgressione. Curti ha dichiarato apertamente che questa mostra non vuole essere un omaggio celebrativo, ma un confronto diretto con un’opera che ancora oggi divide, emoziona, scandalizza e illumina. Il progetto espositivo è stato costruito con il fondamentale contributo della Robert Mapplethorpe Foundation di New York, l’istituzione che dal 1988 preserva, studia e promuove il lascito del fotografo, e che ha concesso in prestito una selezione di opere provenienti dagli archivi originali, alcune delle quali esposte per la prima volta in Italia.
La sede stessa merita una riflessione. Palazzo Reale Milano è uno spazio architettonico di eccezionale complessità: un palazzo neoclassico nel cuore della città, adiacente al Duomo, che ha saputo negli anni ospitare mostre di livello mondiale con una capacità unica di creare un dialogo tra la severità dei suoi ambienti storici e la contemporaneità delle opere esposte. Per una mostra dedicata a Mapplethorpe, questa tensione tra classico e moderno non è casuale: è, anzi, il cuore stesso dell’operazione curatoriale. Le sale del Palazzo offrono alti soffitti, cornici dorate, pavimenti storici che fungono da contrappunto visivo alle stampe monocromatiche del fotografo americano, creando un effetto di straniamento produttivo, un dialogo tra due concezioni del bello separate da secoli ma sorprendentemente consonanti nella loro ricerca della perfezione formale.
Il percorso espositivo è stato concepito come un viaggio interiore prima ancora che fisico. Il visitatore che varca la soglia della prima sala non si trova di fronte a una retrospettiva biografica nel senso tradizionale del termine: non una cronologia di vita e opere, non una successione di tappe segnate da date e luoghi. La mostra è organizzata secondo un principio tematico che rispecchia le grandi ossessioni di Mapplethorpe: il corpo come scultura, il fiore come eros, il ritratto come sfida, l’autoritratto come confessione. Ogni sala è pensata come un capitolo autonomo di un discorso più ampio, in cui il filo conduttore non è il tempo ma il desiderio, nelle sue forme più diverse e più pure.
L’esperienza sensoriale che il visitatore deve aspettarsi è quella di un silenzio potente. Le fotografie di Mapplethorpe non urlano: sussurrano, con una precisione tecnica assoluta, verità che molti preferirebbero non ascoltare. Le stampe alla gelatina ai sali d’argento, spesso di grande formato, emanano una luce propria, una qualità luminosa che le distingue da qualsiasi altra tecnica fotografica. La scelta del bianco e nero non è mai un’astinenza dal colore, ma una scelta radicalmente affermativa: il monocromo di Mapplethorpe è ricco come un affresco rinascimentale, costruito su gradazioni tonali di rara complessità. Camminare tra queste immagini è come attraversare un museo di scultura antica, con la differenza che i corpi ritratti erano vivi, e la loro vita era spesso segnata da urgenze esistenziali che il fotografo ha saputo tradurre in opere di bellezza assoluta.
La mostra rappresenta anche un momento di riflessione critica sul ruolo della fotografia nel sistema dell’arte contemporanea. Quando Mapplethorpe iniziò a esporre, negli anni Settanta, la fotografia era ancora considerata da molti collezionisti e istituzioni un medium minore rispetto alla pittura e alla scultura. La sua battaglia per il riconoscimento della fotografia come arte a pieno titolo è stata vinta, ma il suo costo personale fu enorme. Presentare questa opera a Milano nel 2026 significa anche celebrare quella vittoria, e interrogarsi su quanto il campo sia oggi effettivamente cambiato nel rapporto tra fotografia e mercato dell’arte, tra istituzioni e libertà creativa.
Percorso espositivo e analisi critico-storica
Entrare nella prima sala della mostra al Palazzo Reale significa fare un passo indietro nel tempo e, paradossalmente, un passo avanti verso questioni che appartengono pienamente al presente. L’allestimento è stato curato con una sensibilità quasi teatrale: le pareti sono rivestite in tonalità scure, grigio ardesia o nero profondo, che esaltano la luminosità intrinseca delle stampe senza competere con esse. Le luci, posizionate con precisione chirurgica, creano aureole di luce calibrata intorno a ogni opera, eliminando i riflessi e restituendo alla superficie fotografica quella qualità vellutata che è una delle caratteristiche più difficili da riprodurre nelle riproduzioni editoriali.
Il percorso si apre con una sezione dedicata agli autoritratti, che costituiscono uno dei capitoli più intimi e rivelatori dell’intera produzione di Mapplethorpe. Dall’autoritratto del 1975, in cui il fotografo si rappresenta con una pistola puntata verso il basso come un’estensione del corpo, agli autoritratti degli anni Ottanta in cui la malattia comincia a incidere i tratti del viso con la stessa precisione con cui lui stesso incideva la luce nelle sue composizioni, questa sequenza racconta una vita intera attraverso lo sguardo di chi quella vita l’ha vissuta con la lucidità spietata di un testimone e la passione di un protagonista. La scelta curatoriale di aprire la mostra con gli autoritratti è precisa e significativa: prima di incontrare Mapplethorpe fotografo, il visitatore incontra Mapplethorpe persona, con tutte le sue contraddizioni, la sua eleganza, la sua fragilità.
La seconda sezione è dedicata ai ritratti: una galleria straordinaria di figure del mondo dell’arte, della musica, della moda e della cultura americana tra gli anni Settanta e Ottanta. I ritratti di Mapplethorpe non assomigliano a quelli di nessun altro fotografo contemporaneo: non cercano l’istante decisivo alla Cartier-Bresson, non inseguono la spontaneità rubata alla vita. Sono costruzioni meticolosamente pianificate, nelle quali l’illuminazione, la posa, il contesto e l’espressione del soggetto vengono orchestrati con la stessa attenzione che un pittore rinascimentale dedicava alla composizione di una tavola d’altare. Il risultato è una serie di icone visive che hanno contribuito a definire l’immaginario culturale di un’intera epoca.
La terza sezione affronta il tema che più di ogni altro ha reso Mapplethorpe controverso e celebre: lo studio del corpo maschile. Le fotografie dei modelli afroamericani, le figure atletiche costruite con la precisione di un Fidia che lavora il marmo, i nudi che oscillano tra l’erotico e il sacro, costituiscono il cuore più problematico e più prezioso della sua opera. La tecnica utilizzata per queste immagini è quasi sempre la stessa: grande formato (spesso 20×24 pollici, realizzate con la leggendaria macchina fotografica Polaroid di quel formato che Mapplethorpe fu tra i primi artisti a utilizzare), illuminazione con flash in studio, sfondo neutro o semplificato al massimo. Il risultato è un’astrazione del corpo che lo avvicina alla scultura classica senza mai tradire la sua natura fotografica, la sua inesorabile connessione con il reale.
La sezione dedicata ai fiori rivela la dimensione più ingannevole dell’opera di Mapplethorpe. Ingannevole perché il fiore, soggetto apparentemente innocuo e decorativo, diventa nelle sue mani uno strumento di indagine tanto carica di valenze erotiche e simboliche quanto le fotografie di nudo. Il gambo di un’orchidea, la corolla di un’anthurium, la geometria perfetta di un tulipano: tutto questo viene analizzato con una rigorosità quasi scientifica che, proprio per il suo eccesso di precisione, produce un effetto di intensa inquietudine. La critica d’arte ha spesso sottolineato come le fotografie di fiori di Mapplethorpe siano in realtà studi sulla forma del desiderio prima ancora che nature morte: ogni petalo è un corpo, ogni stame una geometria del piacere.
Dal punto di vista tecnico, le stampe esposte offrono al visitatore attento un’occasione rara di osservare da vicino la qualità materiale della fotografia analogica al suo apice. Le stampe alla gelatina ai sali d’argento che costituiscono la maggior parte della produzione di Mapplethorpe sono realizzate su carta baritata, un supporto che garantisce una profondità delle zone d’ombra e una ricchezza dei mezzitoni impossibili da ottenere con la carta plastificata moderna. La conservazione di queste opere richiede condizioni ambientali precise: temperatura tra i 18 e i 20 gradi centigradi, umidità relativa tra il 40 e il 50 per cento, esposizione alla luce limitata e controllata. Il fatto che molte delle stampe esposte provengano direttamente dagli archivi della Robert Mapplethorpe Foundation garantisce che si tratti di opere in condizioni di conservazione eccellente, non di ristampe tardive.
Il rapporto di Mapplethorpe con la tradizione della scultura classica è uno dei temi più esplorati dalla critica internazionale, e questa mostra lo affronta con una chiarezza esemplare. Non si tratta di una semplice citazione iconografica: Mapplethorpe ha studiato la scultura greca e romana con la stessa attenzione con cui ha studiato la luce da studio. La sua comprensione della forma tridimensionale, della relazione tra corpo e spazio, della tensione tra movimento e stasi, è quella di uno scultore che lavora con la luce invece che con lo scalpello. Il Mufoco (Museo di Fotografia Contemporanea) di Cinisello Balsamo, istituzione lombarda di riferimento per la fotografia internazionale, ha collaborato al progetto prestando materiali di documentazione che permettono di contestualizzare l’opera di Mapplethorpe all’interno della storia della fotografia americana del secondo Novecento.
La quarta sezione, forse la più coraggiosa dal punto di vista curatoriale, ospita una selezione di opere tratte dai cosiddetti Portfolio X, Y e Z, realizzati tra il 1977 e il 1979. Questi tre gruppi di stampe, ciascuno composto da tredici immagini, rappresentano il lato più esplicitamente erotico e trasgressivo della produzione di Mapplethorpe: il Portfolio X esplora la sessualità sadomasochistica della comunità gay di New York; il Portfolio Y è dedicato a fotografie di nudo maschile; il Portfolio Z raccoglie ritratti di modelli afroamericani. La decisione di includerli nel percorso espositivo di una mostra in un museo pubblico italiano non è scontata, e richiama inevitabilmente la storia della censura che ha segnato la fortuna critica di Mapplethorpe negli Stati Uniti, culminata nel 1990 con il tentativo di bloccare la mostra The Perfect Moment al Contemporary Arts Center di Cincinnati. Quella vicenda giudiziaria, conclusasi con l’assoluzione, rimane uno dei casi più emblematici del conflitto tra libertà artistica e moralismo pubblico nella storia dell’arte contemporanea.
Le Opere e i Protagonisti principali
Un catalogo ragionato dell’opera di Robert Mapplethorpe non può prescindere da alcune fotografie che hanno acquisito lo statuto di opere canoniche, capaci di definire non soltanto la sua poetica individuale ma un’intera stagione della fotografia mondiale. La mostra al Palazzo Reale di Milano seleziona con scrupolo filologico le opere che meglio rappresentano la complessità di un artista che ha saputo essere contemporaneamente classico e rivoluzionario, raffinato e brutale, accademico e sovversivo.
Patti Smith, 1975 è probabilmente il ritratto più noto di Mapplethorpe, e la sua presenza in questa mostra non è semplicemente un omaggio alla popolarità dell’immagine: è un punto di partenza essenziale per comprendere la sua intera carriera. La fotografia ritrae la cantante e poetessa con una giacca maschile appesa a una spalla, lo sguardo diretto all’obiettivo con un’intensità che non ammette distanza. Realizzata con una Hasselblad in formato 6×6, su pellicola in bianco e nero, la stampa finale è una gelatina ai sali d’argento su carta baritata con trattamento di bagno di selenio, che garantisce alla zona delle ombre una tonalità leggermente calda e una resistenza all’ossidazione superiore rispetto al processo standard. L’immagine è conservata negli archivi della Robert Mapplethorpe Foundation ed è stata selezionata per la copertina dell’album Horses (1975), diventando una delle icone visive del punk e della controcultura americana. La sua presenza in mostra introduce immediatamente il tema del ritratto come costruzione identitaria: non documentazione di un volto, ma definizione di una presenza.
Ken Moody and Robert Sherman, 1984 è uno dei punti più alti dell’intera produzione di Mapplethorpe nel campo del ritratto. I due uomini, uno afroamericano e uno di origine europea, sono fotografati con i profili quasi a contatto, gli occhi chiusi, la pelle che crea un contrasto cromatico che Mapplethorpe gestisce con una maestria tecnica eccezionale. La stampa è realizzata in platino-palladio, una tecnica di stampa nobile che risale all’Ottocento e che Mapplethorpe riscopre negli anni Ottanta per la sua capacità di restituire una gamma tonale straordinariamente ricca e una longevità della stampa superiore a qualsiasi altro processo fotografico: le stampe al platino-palladio, conservate correttamente, possono durare centinaia di anni senza degrado visibile. La scelta di questa tecnica per questa specifica immagine non è casuale: Mapplethorpe voleva che quest’opera avesse la permanenza dei grandi capolavori della pittura classica, e la tecnica scelta è la traduzione fotografica di quella ambizione. L’opera proviene dalla collezione permanente della Robert Mapplethorpe Foundation e ha un valore di mercato stimato, nelle aste internazionali degli ultimi anni, tra i 150.000 e i 300.000 dollari.
Man in Polyester Suit, 1980 è l’opera più discussa, più citata e più fraintesa dell’intera produzione di Mapplethorpe. Il soggetto è Milton Moore, un modello afroamericano, fotografato con un abito di poliestere grigio da cui emerge, con assoluta frontalità, il sesso in erezione. La testa non è visibile nel frame: la decisione compositiva di tagliare al collo è stata interpretata in mille modi diversi, dalla critica della disumanizzazione del corpo afroamericano all’esaltazione della sua potenza fisica, dall’accusa di razzismo alla celebrazione di una bellezza che la cultura americana mainstream aveva sistematicamente negato. La verità, come spesso accade con le opere di Mapplethorpe, è più complessa di qualsiasi interpretazione univoca: l’immagine è costruita con la precisione formale di un antico rilievo romano, e il titolo, che sottolinea il dettaglio quasi comico dell’abito di poliestere, introduce una nota di ironia che depotenzia qualsiasi lettura univocamente eroica o erotica. Tecnicamente, si tratta di una stampa alla gelatina ai sali d’argento, formato 50×40 cm, su carta baritata.
Thomas, 1987 appartiene alla serie degli ultimi anni, quando Mapplethorpe sapeva già di essere malato di AIDS e fotografava con una consapevolezza della morte che trasforma ogni immagine in una sorta di testamento. Il soggetto è Thomas Holton, modello di danza classica, e la fotografia lo ritrae in una posa che richiama direttamente la tradizione della scultura ellenistica: il corpo è rappresentato in un momento di tensione muscolare controllata, la luce costruisce un modellato di una perfezione quasi irreale. Questa opera è uno degli esempi più compiuti di ciò che la critica internazionale ha definito “classicismo estremo” di Mapplethorpe: la fotografia non è un mezzo di documentazione del corpo, ma uno strumento per la costruzione di una forma ideale che trascende il soggetto individuale e aspira all’universale.
White Gauze, 1984 è una delle opere meno conosciute al grande pubblico ma più apprezzate dagli specialisti: si tratta di uno studio di figura femminile, realizzato con un’illuminazione laterale radente che costruisce un chiaroscuro di straordinaria profondità. La modella è parzialmente avvolta in una tela di garza bianca che, invece di nascondere il corpo, lo rivela per sottrazione, trasformando il tessuto in uno strumento di indagine formale. La tecnica di stampa è, ancora una volta, la gelatina ai sali d’argento su carta baritata, ma in questo caso Mapplethorpe ha scelto un formato insolito, quasi quadrato (50×40 cm), che concentra l’attenzione sulla qualità tattile della superficie fotografia e suggerisce un dialogo diretto con la tradizione pittorica del nudo accademico europeo.
La serie dei fiori, rappresentata in mostra da una selezione di una ventina di stampe realizzate tra il 1977 e il 1988, costituisce uno dei contributi più originali di Mapplethorpe alla storia della fotografia. Orchid, 1982, Calla Lily, 1984, Poppy, 1988: questi titoli, apparentemente neutrali, nascondono immagini di una sensualità radicale, in cui la struttura anatomica del fiore viene analizzata con una precisione quasi medica che non esclude, anzi presuppone, la sua dimensione erotica. Le stampe di questa serie sono generalmente di grande formato, spesso 60×50 cm, e la qualità della carta baritata permette di osservare texture e dettagli che in qualsiasi riproduzione vanno inevitabilmente perduti. Il mercato fotografico ha riconosciuto il valore di queste opere: Orchid ha raggiunto nelle aste una quotazione superiore ai 200.000 dollari, confermando che la fotografia di Mapplethorpe è ormai pienamente integrata nel sistema del collezionismo d’arte di alto livello.
Denis Curti, il curatore della mostra, è una figura centrale nel panorama della critica fotografica italiana contemporanea. Fondatore di The Bank, spazio milanese dedicato alla fotografia d’arte, direttore artistico di alcune delle più importanti rassegne fotografiche italiane, Curti ha costruito nel corso degli anni una lettura di Mapplethorpe che si distingue per la sua attenzione alla dimensione tecnica e materiale dell’opera, spesso trascurata da approcci critici più ideologici. Nel suo saggio per il catalogo della mostra, Curti ricostruisce la genealogia formale dell’opera di Mapplethorpe partendo dalla sua formazione artistica al Pratt Institute di Brooklyn, dove il futuro fotografo aveva studiato pittura e scultura prima di approdare alla macchina fotografica quasi per caso, attraverso la costruzione di collage e oggetti che incorporavano fotografie ritagliate. È da quella formazione, sostiene Curti, che nasce la qualità scultorea che distingue immediatamente le fotografie di Mapplethorpe da qualsiasi altra produzione contemporanea.
Sam Wagstaff, il mecenate e compagno di vita che Mapplethorpe incontrò nel 1972, merita una menzione specifica perché il suo ruolo nella costruzione della carriera del fotografo è stato decisivo. Wagstaff era un curatore del Detroit Institute of Arts, collezionista di fotografia e figure di straordinaria cultura e raffinatezza, che introdusse Mapplethorpe nei circoli dell’arte newyorchese e gli fornì i mezzi economici per sviluppare la sua ricerca fotografica senza compromessi commerciali. La collezione di fotografia che Wagstaff raccolse negli anni Settanta e Ottanta, oggi in parte conservata al J. Paul Getty Museum di Los Angeles, è una delle più importanti del mondo e riflette la stessa sensibilità estetica che informa l’opera di Mapplethorpe: una preferenza per la qualità materiale della stampa, per la precisione tecnica, per la capacità della fotografia di costruire forme che resistono al tempo.
La mostra si chiude con una sezione dedicata agli autoritratti degli ultimi anni, realizzati tra il 1986 e il 1988, quando Mapplethorpe era già gravemente malato. Queste immagini, di una franchezza devastante, mostrano il progressivo disfacimento fisico dell’artista con la stessa lucidità con cui le fotografie degli anni Settanta celebravano la perfezione corporea. Self Portrait with Cane, 1988, con il fotografo che regge un bastone dal manico a forma di teschio e fissa l’obiettivo con uno sguardo che è insieme sfida e congedo, è considerata da molti critici una delle grandi opere della fotografia del Novecento, al pari dei capolavori della pittura e della scultura che Mapplethorpe aveva sempre voluto eguagliare. La sua presenza in mostra al Palazzo Reale di Milano chiude il cerchio di un percorso che è, al tempo stesso, una storia dell’arte e una storia della vita.
Sono Manuela Parangelo, autrice e amministratrice di storiadellafotografia.com, uno dei principali siti italiani dedicati alla storia e alla cultura fotografica. La mia passione per la fotografia è nata molti anni fa e da allora ho dedicato la mia vita professionale a esplorare, ricercare e condividere tutto ciò che riguarda questo straordinario linguaggio visivo.
Con una solida formazione accademica in storia dell’arte e una lunga esperienza nella cura di mostre fotografiche e nella pubblicazione di articoli su riviste specializzate, ho sviluppato una visione ampia e critica della fotografia in tutte le sue dimensioni. Su storiadellafotografia.com mi occupo dei brand fotografici che hanno fatto la storia del mezzo: Leica, Hasselblad, Kodak, Nikon, Canon e tutti i marchi che con le proprie innovazioni hanno reso possibile la fotografia così come la conosciamo oggi.
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