La fotografia “L’uomo che cade”, scattata da Richard Drew la mattina dell’11 settembre 2001, rappresenta uno dei documenti visivi più controversi e discussi della storia recente del fotogiornalismo americano. Realizzata alle 9:41 circa, mentre le Torri Gemelle del World Trade Center bruciavano in seguito all’impatto dei due Boeing 767, la foto immortala un uomo in caduta libera lungo la facciata della Torre Nord. L’immagine è diventata rapidamente un simbolo conflittuale: da un lato testimonianza diretta della brutalità dell’evento, dall’altro oggetto di un intenso dibattito etico e culturale legato alla pubblicazione di fotografie considerate troppo disturbanti per il pubblico mainstream. Nella storia della fotografia dell’11 settembre, questo scatto si distingue perché evidenzia in modo crudo e immediato la dimensione umana della tragedia, sottraendo l’evento alla retorica geopolitica e restituendo un singolo individuo nel momento del suo ultimo gesto.
L’opera è spesso utilizzata come caso di studio nella analisi fotografica L’uomo che cade, perché consente di riflettere sul ruolo del fotografo durante emergenze collettive e sul confine tra documentazione e rispetto della dignità individuale. Sin dal primo sguardo, emergono elementi che hanno contribuito alla sua diffusione globale: la verticalità delle linee architettoniche, la centralità assoluta della figura umana, la sospensione temporale generata dal congelamento dell’istante. L’atto del cadere, rappresentato senza enfasi retorica né deformazioni prospettiche, trasforma un singolo individuo anonimo in un simbolo tragico e universale, legato alla dimensione esistenziale della scelta e della perdita.
Fin da subito, il pubblico ha percepito lo scatto come una frattura emotiva, non solo per la potenza visiva, ma perché Richard Drew, in linea con la tradizione del foto giornalismo americano, ha aderito alla logica del “testimoniare”, mantenendo una distanza narrativa dall’evento. Il fotografo, impegnato da decenni nell’Associated Press, non ha costruito una narrazione esplicativa attorno all’immagine: ha semplicemente mostrato ciò che stava accadendo, lasciando allo spettatore la responsabilità di interpretare. Tale approccio, radicato nella cultura visuale post-Vietnam, alimenta ancora oggi un dibattito sulle responsabilità etiche del fotografo nell’atto di catturare momenti estremi.
In un quadro più ampio, l’immagine contribuisce anche a definire il rapporto tra media, memoria pubblica e costruzione del trauma nazionale. L’atto della caduta appare come un gesto sospeso, privo di contesto immediato, ridotto alla sua essenzialità formale: un corpo verticale che attraversa lo spazio. Questo tipo di rappresentazione ha modificato sensibilmente la percezione estetica del disastro, spostando l’attenzione dalla dimensione infrastrutturale a quella intima e personale. Il pubblico degli anni Duemila, abituato a un flusso costante di immagini digitali, ha reagito con una polarizzazione evidente: da un lato il rifiuto della crudezza; dall’altro la consapevolezza dell’importanza documentaria dello scatto.
La fotografia rappresenta dunque un punto di osservazione privilegiato per comprendere la costruzione culturale dell’11 settembre nel discorso visivo globale. Le scelte di inquadratura, il tempismo, la posizione del soggetto e la pulizia formale contribuiscono a creare un equilibrio disturbante tra estetica e tragedia. Tale equilibrio, riconosciuto da numerosi studiosi come un nodo problematico del fotogiornalismo, alimenta interpretazioni divergenti, spesso collocate tra analisi tecnica e riflessione etica.
Informazioni Base:
Fotografo: Richard Drew (1946– )
Fotografia: “L’uomo che cade” / “The Falling Man”
Anno: 2001
Luogo: World Trade Center, New York City; facciata Torre Nord
Temi chiave: rappresentazione del trauma; etica della pubblicazione; analisi compositiva; identificazione del soggetto; ricezione critica contemporanea
Contesto storico e politico
Per comprendere appieno la fotografia di Richard Drew, è necessario inserirla nel contesto storico L’uomo che cade, ovvero quello degli attentati dell’11 settembre 2001, evento fondativo del XXI secolo e spartiacque non solo per la geopolitica, ma anche per la cultura visuale globale. L’immagine nasce in un momento in cui l’informazione in tempo reale stava consolidando il proprio ruolo centrale nel racconto della crisi. Le televisioni trasmettevano in diretta, le prime piattaforme digitali iniziavano a diffondere contenuti non filtrati e la richiesta di documentazione immediata cresceva in parallelo alla disgregazione emotiva del pubblico. Questo contesto accentua la funzione testimoniale dello scatto e contribuisce a trasformarlo in un elemento essenziale del discorso pubblico successivo.
Le Torri Gemelle, colpite alle 8:46 e alle 9:03 del mattino, divennero rapidamente epicentro di una tragedia collettiva in cui la popolazione mondiale percepì la vulnerabilità dell’ordine geopolitico contemporaneo. Nel giro di pochi minuti, il terrorismo internazionale si affermò come forza capace di modificare drasticamente il tessuto politico e simbolico occidentale. La fotografia si inserisce in una fase liminale, antecedente al crollo degli edifici ma successiva all’impatto: proprio questa intercapedine temporale, densa di tensione e incertezza, costituisce un elemento cruciale che influenza la sua interpretazione.
La presenza di centinaia di persone intrappolate ai piani superiori della Torre Nord generò una situazione psicologica estrema. Molti furono costretti a prendere decisioni impossibili, tra cui quella di lanciarsi nel vuoto a causa del calore insostenibile e del fumo. In questo quadro, il gesto dell’uomo ritratto da Drew si colloca come espressione tragica della condizione umana di fronte alla catastrofe. La caduta, intesa come atto visibile e non mediato, rappresenta una scelta di disperazione, ma anche un frammento di autodeterminazione in un contesto privo di vie d’uscita.
L’immagine assume ulteriore complessità se si considera il ruolo dei media statunitensi all’epoca. Dopo i primi giorni di copertura intensa, caratterizzata da fotografie di distruzione e perdita, la pubblicazione di immagini dei “jumpers” venne rapidamente censurata o ridotta al minimo, nel timore che potessero traumatizzare ulteriormente la popolazione. Tuttavia, la scelta di alcuni giornali internazionali di stampare L’uomo che cade contribuì a inserire la fotografia in un dibattito globale sulle responsabilità del giornalismo e sulla rappresentazione visiva del dolore. Questa tensione deriva anche dalla tradizione statunitense del foto giornalismo americano, spesso diviso tra la necessità di documentare e la volontà di rispettare la sensibilità del pubblico.
Dal punto di vista politico, l’immagine è stata successivamente interpretata come simbolo dell’impreparazione delle infrastrutture di sicurezza e della vulnerabilità dell’America nella fase post-Guerra Fredda. Nonostante l’intento del fotografo non fosse politico, lo scatto ricevette un forte carico simbolico, soprattutto nel periodo in cui gli Stati Uniti prepararono le prime risposte militari. La figura isolata della caduta, da un punto di vista iconologico, richiama la perdita di stabilità di un intero sistema, e per alcuni osservatori rappresenta la metafora di una civiltà colpita nel proprio cuore economico e culturale.
L’immagine ebbe anche una risonanza notevole nelle comunità delle vittime, che spesso percepirono lo scatto come disturbante, talvolta offensivo, e altre volte come testimonianza necessaria dell’esperienza vissuta dai loro familiari. Questa divisione interna alle famiglie e ai gruppi di supporto dei sopravvissuti ha influito sulla circolazione e sulla conservazione dello scatto negli anni successivi. Alcuni musei e archivi hanno scelto di includerlo nelle loro collezioni con avvertenze contestuali, mentre altri hanno preferito una selezione più restrittiva. Tale variabilità conferma la complessità semantica della fotografia nel panorama post-11 settembre.
Il fotografo e la sua mission
Per comprendere la genesi dell’immagine e il suo valore documentario, è necessario analizzare la figura di Richard Drew, nato nel 1946 e attivo come fotografo dell’Associated Press sin dagli anni Sessanta. La sua carriera si sviluppa all’interno di una tradizione di reportage che privilegia la rapidità, la precisione tecnica e la capacità di operare in condizioni altamente imprevedibili. Drew non è un fotografo legato all’estetizzazione degli eventi; al contrario, è conosciuto per la sua adesione a una filosofia visiva orientata alla testimonianza diretta. La sua formazione professionale si è consolidata in un’epoca in cui la fotografia analogica richiedeva efficienza, competenza tecnica e sensibilità narrativa, elementi che emergono con chiarezza nello scatto dell’11 settembre.
La missione del fotografo in quel giorno era relativamente ordinaria: stava seguendo un evento di moda a Manhattan quando ricevette la notizia dell’impatto del primo aereo. La sua reazione immediata non fu quella del cittadino comune, bensì quella del professionista del foto giornalismo americano, allenato a riconoscere la potenzialità informativa di un evento in corso. Si recò rapidamente nella zona del World Trade Center, portando con sé la consapevolezza della necessità di documentare. Tale impulso professionale, spesso percepito come istintivo, è il risultato di decenni di addestramento e di una cultura fotografica orientata alla registrazione di momenti storici.
Nel contesto dell’11 settembre, la missione di Drew non era guidata da un’intenzione estetica o simbolica, ma dall’urgenza di catturare frammenti della realtà in una situazione in cui ogni secondo produceva informazioni cruciali. La sua capacità di mantenere freddezza operativa si riflette nella precisione con cui riuscì a inquadrare la figura in caduta verticale. La foto venne scattata con una fotocamera digitale professionale, coerente con l’evoluzione tecnologica del fotogiornalismo nei primi anni Duemila, e testimonia l’adattamento del fotografo a un linguaggio visivo in rapida trasformazione.
L’identità di Drew come autore contribuisce anche alla ricezione critica della fotografia. Non si tratta di un artista concettuale, ma di un fotoreporter che interpreta la realtà attraverso l’atto del registrare. Le sue scelte operative rispondono a un codice professionale che richiede di documentare senza intervenire, mantenendo una distanza etica e fisica dal soggetto. Tale distanza non implica mancanza di empatia, ma risponde a un ruolo ben definito nel sistema dei media: quello di osservatore che fornisce al pubblico gli strumenti per comprendere l’evento.
Nel corso degli anni, Drew ha più volte ribadito che la sua intenzione non era di scioccare, ma di preservare un frammento di verità in un contesto di caos e distruzione. La sua missione era quella di garantire un archivio visivo affidabile, consapevole della responsabilità storica implicita nel documentare eventi che avrebbero segnato le generazioni successive. Questo approccio si riflette nella composizione nitida e nell’assenza di artifici visivi, che caratterizzano l’immagine come un documento essenziale, privo di mediazioni e di costruzioni narrative superflue.
La genesi dello scatto
La nascita della fotografia “L’uomo che cade” avviene in un contesto di assoluta imprevedibilità operativa, tipica delle grandi emergenze urbane, dove i fotografi si trovano improvvisamente esposti alla necessità di prendere decisioni rapide, senza margine di riflessione. Nel caso di Richard Drew, la genesi dello scatto affonda le sue radici nella sua lunga esperienza di reporter e nella sua capacità di mantenere lucidità tecnica davanti a eventi traumatici. Quel mattino del 2001, Drew si trovava impegnato in un incarico di routine legato alla moda, un genere lontano dalle dinamiche del foto giornalismo americano più drammatico. La notizia dell’impatto del primo aereo lo raggiunse in maniera frammentaria, come accade spesso ai professionisti sul campo. L’istinto lo portò immediatamente verso downtown Manhattan, seguendo una tensione operativa quasi automatica che caratterizza i fotoreporter con molti anni di attività.
Lo scenario che trovò al suo arrivo era caotico, rumoroso, confuso, dominato dal panico diffuso e dall’incredulità generale. Le strade erano invase da persone in fuga, mentre fumo e detriti rendevano difficile l’orientamento. Tuttavia, la capacità di Drew di distinguere ciò che era narrativamente e storicamente rilevante emergerebbe con chiarezza pochi minuti dopo. In quel momento concitato, la sua attenzione si concentrò sulle persone intrappolate ai piani superiori della Torre Nord. Molti si affacciavano alle finestre alla ricerca di aria respirabile, mentre altri prendevano decisioni motivatamente disperate, culminate nel gesto di lanciarsi nel vuoto. Drew sollevò la fotocamera, cercando di mantenere stabilità e precisione nonostante la turbolenza dell’ambiente.
La fotografia venne scattata con una Canon digitale professionale, strumento che garantiva rapidità di scatto e affidabilità nella registrazione dell’immagine, qualità indispensabili in un momento in cui l’intera scena cambiava di secondo in secondo. La scelta di utilizzare un teleobiettivo consentì al fotografo di isolare la figura e mantenerla nitida, pur trovandosi a distanza considerevole. In questo senso, la genesi dello scatto dipende direttamente dalla combinazione tra tecnologia, esperienza e capacità di prevedere la traiettoria di un corpo in caduta, un gesto che richiede un’intuizione quasi istintiva della fisica dell’evento.
Il momento preciso in cui Drew scatta è fondamentale per comprendere la potenza dell’immagine: l’uomo appare perfettamente verticale, con gli arti vicini al corpo e il volto rivolto verso il basso. L’allineamento quasi simmetrico con le linee della facciata della Torre Nord non fu cercato deliberatamente, ma avvenne come risultato di un’interazione tra la velocità dell’azione e l’abilità del fotografo di centrare l’inquadratura nel momento esatto in cui la figura assumeva una postura di equilibrio relativo. Questa sincronia è uno degli elementi che hanno trasformato la fotografia in un’icona della fotografia dell’11 settembre, e contribuisce a spiegare perché l’immagine sia stata così ampiamente discussa nell’ambito dell’analisi fotografica L’uomo che cade.
Un altro aspetto essenziale riguarda la sequenza di scatti. Drew ha dichiarato più volte di aver catturato una serie di immagini dell’uomo in caduta, ma soltanto una di esse mostrava quella particolare verticalità che avrebbe poi reso la fotografia riconoscibile in tutto il mondo. Analizzare la genesi dello scatto significa quindi comprendere che la sua unicità deriva da un singolo fotogramma, scelto tra molti, che condensava in sé una composizione rara e involontaria. La possibilità di congelare un istante così breve è anche frutto dell’evoluzione tecnologica dei sensori digitali agli inizi degli anni Duemila, capaci di garantire un frame rate elevato e una buona reattività in condizioni di luce estremamente variabili.
Un ulteriore elemento da considerare è la posizione fisica del fotografo. Drew si trovava relativamente vicino al World Trade Center, ma non abbastanza da essere in una zona pericolosa. Tale distanza gli permise di operare con sangue freddo, potendo osservare la scena da un punto privilegiato ma non direttamente esposto agli stessi rischi delle persone presenti ai piani alti. Questo aspetto influì sulla sua capacità di mantenere la fotocamera stabile, evitando vibrazioni e mosso eccessivo. La genesi dello scatto è quindi anche il risultato di una posizione logistica favorevole, combinata con l’abilità tecnica necessaria per sfruttarla al meglio.
Dal punto di vista della cultura visuale contemporanea, la nascita dell’immagine segna il passaggio tra la fotografia documentaria del XX secolo e quella digitale del XXI. Le immagini digitali diffuse in tempo reale avrebbero presto ridefinito le dinamiche del giornalismo di emergenza, e L’uomo che cade rappresenta uno dei primi esempi di come una fotografia possa attraversare la rete mediatica con una rapidità senza precedenti, generando analisi, discussioni, critiche e reinterpretazioni quasi immediate.
Analisi visiva e compositiva
L’immagine scattata da Richard Drew si distingue per una struttura visiva particolarmente rigorosa, che contrasta radicalmente con la spontaneità del momento. Dal punto di vista dell’analisi fotografica L’uomo che cade, uno dei primi elementi da osservare è la verticalità assoluta del soggetto. La figura dell’uomo, perfettamente allineata alla geometria della facciata della Torre Nord, instaura una relazione diretta con le linee parallele e ripetitive dell’architettura. Tale relazione conferisce un ordine imprevisto a un gesto intrinsecamente caotico, trasformando un evento tragico in una composizione formalmente equilibrata.
Il corpo, sospeso a metà della caduta, si presenta in una posizione quasi simmetrica: braccia aderenti ai fianchi, gambe estese, torso leggermente inclinato. Questa postura, lungi dall’essere intenzionale, è il frutto della dinamica fisica della caduta libera. L’effetto che produce, tuttavia, è intensamente estetico, quasi iconografico. Critici e studiosi hanno spesso osservato come la figura richiami alcune rappresentazioni classiche della caduta e dell’abbandono, pur mantenendo una crudezza incompatibile con qualsiasi allegoria artistica. Il rapporto tra la verticalità del corpo e la rigidità della facciata suggerisce un dialogo compositivo che non deriva da una ricerca estetica deliberata, ma dalla capacità del fotografo di cogliere l’istante in cui l’ordine visivo si genera spontaneamente.
Dal punto di vista tecnico, la fotografia presenta una nitidezza che permette di distinguere chiaramente la figura rispetto allo sfondo, evitando sovrapposizioni o confusioni visive che avrebbero potuto compromettere la leggibilità dell’immagine. Il teleobiettivo utilizzato concentra l’attenzione sul soggetto, comprimendo leggermente la prospettiva e accentuando il rapporto tra figura e struttura architettonica. Tale scelta consente alla composizione di evitare dispersioni laterali, mantenendo la forza visiva al centro del fotogramma.
La luce gioca un ruolo essenziale. La scena è illuminata dalla luce del mattino newyorkese, filtrata attraverso fumo e polveri. Questa diffusione attenua i contrasti estremi e conferisce all’immagine un tono cromatico leggermente caldo, nonostante la drammaticità dell’evento. La facciata della Torre Nord, con le sue superfici metalliche, riflette una luce soffusa che enfatizza la tridimensionalità della struttura e crea un contesto coerente per la silhouette dell’uomo. La luce non è mai aggressiva, non crea bagliori o ombre invadenti; ciò favorisce la costruzione di un’immagine leggibile, capace di comunicare una sensazione di sospensione quasi surreale.
Un altro elemento cruciale riguarda il taglio dell’inquadratura. Drew sceglie di includere una porzione sufficiente della facciata per contestualizzare la caduta, ma evita di mostrare parti del suolo o dell’ambiente circostante. Questa scelta compositiva intensifica la percezione di solitudine del soggetto: non c’è alcun riferimento stabile al quale l’occhio possa aggrapparsi, se non le linee verticali del grattacielo. Tale minimalismo formale conferisce alla fotografia una qualità quasi astratta, pur mantenendo una potenza narrativa straordinariamente concreta. La mancanza di un orizzonte accentua la vertigine visiva, contribuendo a creare uno spazio in cui lo spettatore è costretto a confrontarsi direttamente con il gesto della caduta.
Dal punto di vista semantico, la fotografia richiama anche la tradizione dell’iconografia del sacrificio e della vulnerabilità. Alcuni storici delle immagini hanno notato come la posa del soggetto, pur in modo del tutto involontario, ricordi alcune rappresentazioni della figura umana nelle cadute mitologiche o religiose. Tuttavia, è essenziale sottolineare che ogni interpretazione simbolica nasce dalla recezione dello spettatore, non da un’intenzione autoriale. L’immagine resta, per sua natura, un documento: un frammento di realtà che acquisisce complessità attraverso la sua diffusione.
La composizione dello scatto risponde anche a una logica simmetrica che accentua la sua forza psicologica. Le linee verticali che attraversano la scena creano una gabbia visiva che circonda la figura, rendendo ancora più palpabile la sensazione di ineluttabilità. La caduta diventa così un vettore visivo perfettamente integrato nel sistema strutturale del palazzo, come se l’individuo fosse intrappolato nella dinamica stessa dell’architettura. Questo dialogo tra uomo e struttura non è solo formale: è profondamente narrativo, perché suggerisce una condizione di vulnerabilità estrema dell’individuo di fronte alla monumentalità del potere economico e politico che le Torri Gemelle rappresentavano.
Autenticità e dibattito critico
L’autenticità della fotografia “L’uomo che cade” non è mai stata messa in dubbio dal punto di vista tecnico. Non sono emerse manipolazioni digitali o interventi successivi che ne alterassero la composizione originale, e il file è sempre stato considerato parte della documentazione immediata raccolta dall’Associated Press durante gli attentati. Tuttavia, il dibattito critico che ha accompagnato lo scatto si concentra su questioni più profonde: la legittimità morale della sua pubblicazione, l’identità del soggetto e il ruolo dell’etica nel foto giornalismo americano. Questi elementi costituiscono un terreno di confronto molto più complesso della semplice verifica tecnica.
Uno dei nodi centrali riguarda la identificazione dell’uomo. Nei mesi successivi agli attentati, molti ipotizzarono che potesse trattarsi di Jonathan Briley, dipendente del ristorante Windows on the World, basandosi su confronti tra la corporatura e gli indumenti. Tuttavia, nessun riconoscimento ufficiale è mai stato confermato. Questa incertezza ha alimentato ulteriormente il dibattito sull’etica della pubblicazione: il volto del soggetto non è chiaramente visibile, ma il gesto della caduta rappresenta un momento di estrema vulnerabilità. Le famiglie delle vittime, in particolare, espressero pareri discordanti: alcune ritenevano la fotografia una violazione intollerabile della dignità dei loro cari, altre la interpretavano come una testimonianza necessaria della realtà vissuta.
Il dibattito critico coinvolge anche questioni legate alla rappresentazione del trauma. Molti studiosi hanno osservato che la fotografia costringe lo spettatore a confrontarsi con dimensioni psicologiche difficili da assimilare: la scelta, la disperazione, l’assenza di alternative. Questo tipo di contenuto visivo ha spesso effetti dirompenti sulla percezione pubblica degli eventi storici. L’immagine, infatti, non si limita a documentare; obbliga chi la osserva a prendere coscienza di un livello di sofferenza che va oltre la distruzione delle infrastrutture e tocca direttamente l’esperienza individuale.
La pubblicazione iniziale della fotografia — avvenuta su diverse testate internazionali — generò numerose critiche. Alcuni editor furono accusati di sensazionalismo, altri di insensibilità. Tuttavia, la decisione di stampare l’immagine fu spesso giustificata con argomentazioni legate al diritto del pubblico di conoscere la realtà nella sua interezza, senza filtri. Da un punto di vista etico, ciò solleva una distinzione fondamentale tra documentazione e spettacolarizzazione: Drew appartiene alla prima categoria, ma l’impatto dell’immagine sulla sensibilità collettiva ha spesso portato a interpretazioni divergenti.
Dal punto di vista critico-accademico, il dibattito sull’autenticità si intreccia con la discussione sulla analisi fotografica L’uomo che cade, in particolare sul modo in cui la composizione “estetica” della foto possa essere fraintesa come ricerca formale, quando invece è semplicemente il risultato dell’istante catturato. Alcuni studiosi hanno messo in guardia contro il rischio di estetizzare la tragedia, trasformando il dolore reale in un oggetto contemplativo. Altri, invece, sottolineano che l’estetica nasce dall’ordine interno della fotografia, non da un intervento artificiale, e che tale ordine contribuisce alla sua forza testimoniale.
La fotografia, nel corso degli anni, è diventata anche un oggetto di studio nei corsi universitari di giornalismo, sociologia e studi visuali. Il dibattito critico coinvolge questioni come il diritto alla privacy post mortem, la responsabilità dei media nel mostrare immagini traumatiche e la capacità delle fotografie di condizionare la memoria collettiva. In questo senso, l’immagine assume una funzione che va oltre la semplice rappresentazione: diventa un documento per interrogare il rapporto tra realtà, percezione e narrazione pubblica.
Nell’epoca della circolazione digitale — in cui lo scatto di Drew viene condiviso e reinterpretato continuamente — il dibattito sull’autenticità si allarga ulteriormente. La fotografia non resta confinata al suo contesto originario, ma acquista nuovi significati attraverso l’uso sociale sui media. L’immagine diventa un campo di battaglia simbolico, in cui confluiscono esigenze documentarie, dolore individuale e tensioni etiche irrisolte.
Impatto culturale e mediatico
L’impatto mediatico dell’immagine conosciuta come “L’uomo che cade” fu immediato, violento e controverso, tanto da trasformarla in uno dei simboli fotografici più discussi del XXI secolo. Il contesto di pubblicazione, avvenuto nelle ore e nei giorni successivi agli attacchi dell’11 settembre, contribuì a stabilire il quadro emotivo in cui la fotografia venne recepita. Il pubblico internazionale, ancora immerso nello shock collettivo, interpretò lo scatto come un punto di rottura rispetto all’iconografia tradizionale del disastro, poiché documentava non solo la distruzione materiale delle Torri Gemelle ma anche la dimensione umana di una scelta estrema, resa visivamente attraverso un corpo che sembra sospeso in un attimo fuori dal tempo. Prima della sua diffusione, le immagini dei jumper erano rimaste un tabù informativo, soprattutto all’interno dei media statunitensi, che temevano l’effetto destabilizzante che tali rappresentazioni potessero avere sulla percezione del trauma nazionale.
La forza dell’immagine risiedeva nella sua natura ambigua. Il soggetto, privo di identità certa, diventò una figura universale, a metà tra documento e allegoria. La sua verticalità perfetta, la simmetria apparente del corpo e la traiettoria quasi geometrica resero il fotogramma un punto di riferimento per la fotografia di cronaca contemporanea. L’assenza di informazioni sul soggetto contribuì a spostare l’attenzione dal singolo individuo alla condizione umana nel suo complesso. Nel corso dei mesi successivi, l’immagine venne costantemente reinterpretata da storici, critici, giornalisti, studiosi dell’etica mediale e artisti che ne evidenziarono il carattere di testimonianza estrema.
L’oscillazione fra rifiuto e attrazione visiva accompagnò tutte le fasi della sua circolazione. Molte redazioni giornalistiche rimossero la fotografia dopo le prime pubblicazioni, temendo che apparisse come una forma di sfruttamento del dolore. Questa dinamica generò un ampio dibattito sull’autoregolamentazione dei media, sui limiti del fotogiornalismo e sulle responsabilità legate alla rappresentazione della morte. La discussione assunse dimensioni globali, con interventi di studiosi che collocarono la fotografia di Drew in una genealogia complessa, comprendente le immagini delle guerre del Novecento, le sequenze dei disastri industriali e le fotografie storiche delle catastrofi urbane. La convergenza di questi riferimenti consolidò il valore documentario dell’opera ma, allo stesso tempo, ne ampliò la portata simbolica.
Nel panorama delle immagini dell’11 settembre, “L’uomo che cade” acquisì uno status a sé. La fotografia non venne reinterpretata solo come documento, ma anche come punto di partenza per una riflessione più ampia sul ruolo dei media nella costruzione del trauma collettivo. Diversi studiosi di cultura visuale considerarono lo scatto come una rappresentazione-limite, capace di mettere in evidenza la tensione fra visibilità e invisibilità, fra ciò che viene mostrato per dovere informativo e ciò che viene nascosto per considerazione etica. Questo aspetto contribuì alla sua straordinaria longevità mediatica: mentre altre immagini dell’11 settembre vennero incorporate nella retorica patriottica degli anni successivi, la fotografia di Drew rimase sospesa in una zona di ambiguità, distante da qualsiasi interpretazione univoca.
Il suo impatto culturale si ampliò ulteriormente quando la ricerca sull’identità del soggetto divenne parte della narrazione pubblica. Giornalisti, ricercatori e familiari delle vittime tentarono a più riprese di identificare l’uomo, trasformandolo in un simbolo di memoria individuale oltre che collettiva. Anche senza una identificazione definitiva, il processo stesso di ricerca contribuì a rinnovare nel pubblico la consapevolezza del dramma umano vissuto all’interno delle Torri. Nella percezione collettiva, il soggetto finì per incarnare una condizione esistenziale estrema, che i media, pur con esitazione, furono costretti ad affrontare.
Gli studi successivi in ambito etico e comunicativo hanno spesso indicato questo scatto come uno dei casi più complessi nella storia del fotogiornalismo contemporaneo. Il dibattito ruota non solo attorno alla legittimità della pubblicazione di immagini di morte, ma anche alla capacità della fotografia stessa di trascendere l’immediatezza dell’evento per trasformarsi in simbolo culturale. La discussione accademica ha messo in rilievo il modo in cui la fotografia di Drew interroga lo spettatore, costringendolo a confrontarsi con ciò che normalmente resta fuori dal campo dell’iconografia ufficiale. Questa funzione interrogativa, più che una caratteristica accessoria, costituisce uno dei punti centrali della sua rilevanza mediatica.
Negli anni successivi all’evento, mostre fotografiche, saggi critici, documentari e approfondimenti storici hanno continuato a includere l’immagine, rinnovandone il significato e riattivando il dibattito sulla sua collocazione etica. Pur essendo stata inizialmente respinta da una parte del pubblico, la fotografia è progressivamente diventata una presenza costante nel racconto visivo dell’11 settembre. La sua centralità deriva dal fatto che riesce a rendere visibile una realtà scomoda, mostrando un frammento di verità che difficilmente avrebbe potuto trovare spazio in un contesto mediatico più controllato.
La fotografia continua a essere discussa anche a distanza di decenni, mantenendo intatta la sua carica emotiva. L’immagine ha influenzato numerosi linguaggi visivi contemporanei, dalla fotografia documentaria a quella artistica, contribuendo a ridefinire la rappresentazione del corpo in situazioni di crisi. Questo impatto si riflette anche nella produzione visiva digitale, nei progetti espositivi e nelle analisi critiche che ne fanno un caso di studio fondamentale per comprendere la relazione fra trauma, rappresentazione e responsabilità dei media.
Fonti
Mi chiamo Alessandro Druilio e da oltre trent’anni mi occupo di storia della fotografia, una passione nata durante l’adolescenza e coltivata nel tempo con studio, collezionismo e ricerca. Ho sempre creduto che la fotografia non sia soltanto un mezzo tecnico, ma uno specchio profondo della cultura, della società e dell’immaginario di ogni epoca. Su storiadellafotografia.com condivido articoli, approfondimenti e curiosità per valorizzare il patrimonio fotografico e raccontare le storie, spesso dimenticate, di autori, macchine e correnti che hanno segnato questo affascinante linguaggio visivo.
