Chema Madoz, all’anagrafe José María Rodríguez Madoz, nacque a Madrid il 20 gennaio 1958. Fin da giovane mostrò una sensibilità particolare per le arti visive, con una predilezione per il disegno e la composizione spaziale, elementi che più tardi avrebbero influito sulla sua fotografia. Nonostante un’infanzia trascorsa in un contesto ordinario, con studi non immediatamente legati all’arte, la sua inclinazione estetica lo portò ben presto a confrontarsi con il linguaggio fotografico.
Durante gli anni universitari studiò Storia dell’Arte presso l’Universidad Complutense di Madrid, dove ebbe modo di approfondire le correnti artistiche del Novecento, in particolare le avanguardie storiche come il Surrealismo e il Concettualismo. Parallelamente frequentò corsi di fotografia al Centro de Enseñanza de la Imagen, formandosi sia tecnicamente che teoricamente.
A differenza di altri autori che iniziarono con la fotografia documentaria o di reportage, Madoz trovò subito la sua strada nel campo della fotografia concettuale. La sua attenzione non era rivolta alla realtà esterna, bensì agli oggetti quotidiani che, isolati dal loro contesto, diventavano strumenti per rivelare significati inattesi. Questa scelta linguistica lo rese presto uno degli artisti più riconoscibili della fotografia spagnola contemporanea.
Ancora in vita e attivo, Chema Madoz vive e lavora a Madrid, continuando a produrre nuove opere e a esporre a livello internazionale. La sua longevità artistica testimonia la coerenza e la forza di un linguaggio fotografico che, pur evolvendo, rimane fedele alla ricerca sulla trasformazione poetica dell’oggetto.
Formazione artistica e primi esperimenti fotografici
I primi anni di attività di Madoz furono caratterizzati da un’intensa fase di sperimentazione tecnica e concettuale. L’influenza delle correnti artistiche novecentesche, in particolare il Dadaismo e il Surrealismo, emergeva nel suo modo di osservare gli oggetti e di manipolarne il significato. A differenza dei surrealisti classici, tuttavia, Madoz non ricorreva al montaggio o alla manipolazione del negativo, ma lavorava direttamente con l’oggetto fisico e con la sua messa in scena fotografica.
Sul piano tecnico, iniziò a utilizzare macchine a pellicola di medio formato, prediligendo camere come la Hasselblad 500 e la Mamiya 6×6, strumenti che garantivano una qualità ottica elevata e una nitidezza essenziale per i suoi progetti. La sua scelta di lavorare in bianco e nero non fu soltanto stilistica ma concettuale: l’assenza di colore eliminava qualsiasi elemento superfluo, concentrando lo sguardo dello spettatore sulla struttura e sulla trasformazione semantica dell’oggetto rappresentato.
Le prime serie fotografiche, sviluppate a cavallo tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta, mostravano già il nucleo del suo stile: oggetti comuni – forbici, cucchiai, specchi, scarpe – venivano trasformati attraverso piccole modifiche o inusuali accostamenti. L’intervento minimo sull’oggetto produceva un effetto poetico e destabilizzante, che obbligava lo spettatore a riconsiderare la funzione e il significato del reale.
Durante questa fase, Madoz si esercitava con diversi tipi di carta fotografica baritata e tecniche di stampa tradizionale, curando personalmente ogni dettaglio della produzione delle immagini. Tale approccio artigianale consolidò la sua abilità non solo come fotografo, ma anche come stampatore di altissimo livello.
Carriera fotografica e linguaggio tecnico
La vera affermazione di Chema Madoz avvenne a partire dagli anni Novanta, periodo in cui il suo linguaggio fotografico divenne più definito e riconoscibile. Il suo lavoro si collocava nell’alveo della fotografia concettuale ma con una forte impronta personale, legata alla creazione di un universo visivo basato sugli oggetti.
Dal punto di vista tecnico, la scelta del bianco e nero ad alto contrasto è un tratto distintivo della sua produzione. Madoz lavora con una luce estremamente controllata, spesso diffusa e laterale, capace di esaltare le forme e le texture degli oggetti. L’illuminazione non è mai drammatica, bensì neutra e chirurgica, come se lo scopo fosse quello di isolare l’oggetto in uno spazio mentale più che fisico.
Il procedimento creativo parte dall’oggetto stesso: Madoz lo osserva, lo modifica con interventi minimi – tagli, accostamenti, ribaltamenti – e lo colloca su uno sfondo neutro, generalmente un piano liscio o un fondale uniforme. Lo scatto è eseguito con tempi di esposizione relativamente lunghi, per garantire la massima profondità di campo e un livello di dettaglio altissimo. Non si tratta di fotografie scattate in esterno, ma di un lavoro che si svolge quasi sempre in studio, in condizioni di assoluto controllo.
Il risultato è un’immagine priva di distrazioni, che concentra tutta la sua forza sulla relazione semantica e visiva che l’oggetto evoca. In questo senso, il lavoro di Madoz può essere letto anche come un’indagine semiotica: l’oggetto perde la sua funzione originaria per acquisirne una nuova, spesso ironica o paradossale.
Nel corso della carriera ha realizzato diverse serie fotografiche tematiche, ma sempre all’interno di un percorso coerente. La critica ha spesso definito le sue opere come poesie visive, e non a caso nel 2000 ricevette il prestigioso Premio Nazionale di Fotografia in Spagna, riconoscimento che consolidò la sua posizione tra i grandi maestri contemporanei.
Opere principali
Tra le opere più rappresentative di Chema Madoz si possono citare alcune serie e singoli scatti che hanno segnato la sua carriera. Le sue immagini non hanno titoli narrativi, ma sono identificate per il soggetto rappresentato: un libro trasformato in scale, un cucchiaio che si piega in un cerchio perfetto, una scala che porta verso il nulla.
Una delle serie più celebri è quella dedicata agli oggetti trasformati attraverso il riflesso, come specchi che rivelano un’immagine incongruente rispetto alla realtà. In altri casi, l’artista ha lavorato sulla traslazione di funzioni, ad esempio trasformando una gabbia in un bicchiere o un paio di forbici in un paio d’ali.
Sul piano tecnico, queste fotografie sono realizzate sempre con negativi di medio formato e stampate su carta fotografica di altissima qualità. La precisione dei dettagli è tale da rendere ogni immagine un documento materiale tanto quanto un’opera concettuale. Il processo di stampa, curato personalmente da Madoz, è parte integrante dell’opera: i neri profondi e i bianchi puliti diventano elementi essenziali del linguaggio visivo.
Numerose esposizioni hanno presentato queste opere in contesti internazionali: dal Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, che gli ha dedicato una retrospettiva nel 1999, fino al Getty Museum di Los Angeles e ad altre importanti istituzioni. Ogni mostra ha contribuito a rafforzare la percezione di Madoz come uno degli artisti più coerenti e innovativi della fotografia europea contemporanea.
Il corpus della sua produzione si sviluppa in modo continuo e senza brusche cesure: ogni nuova immagine è una variazione sul tema dell’oggetto, un’ulteriore esplorazione delle possibilità poetiche racchiuse nelle cose quotidiane. Questa coerenza ha reso la sua opera particolarmente apprezzata non solo nel mondo della fotografia, ma anche in quello dell’arte contemporanea.
Ultimi anni e attività contemporanea
Essendo tuttora vivente, Chema Madoz continua a lavorare con intensità. Negli ultimi anni la sua ricerca non ha subito radicali trasformazioni, ma ha piuttosto approfondito il percorso già tracciato. La scelta del bianco e nero resta invariata, così come l’uso degli oggetti comuni come materia prima della sua poetica.
La novità principale riguarda la crescente attenzione alle installazioni fotografiche, dove l’immagine non è più solo un’opera bidimensionale ma diventa parte di un allestimento spaziale. Alcune sue mostre recenti hanno infatti presentato le fotografie accostate direttamente agli oggetti reali modificati, creando un dialogo tra la realtà e la sua rappresentazione.
Dal punto di vista tecnico, Madoz non ha ceduto alle lusinghe della fotografia digitale. Continua a lavorare con pellicola analogica, rivendicando l’importanza della manualità e della lentezza del processo. Le sue stampe argentiche restano il cuore del suo lavoro, e questa scelta lo distingue nettamente da molti autori contemporanei che hanno abbandonato la camera oscura.
Il suo archivio, oggi vastissimo, è oggetto di studi e catalogazioni, e le sue opere sono entrate a far parte delle principali collezioni pubbliche e private. L’attività espositiva continua a livello globale, con mostre in Europa, America e Asia, segno che la forza del suo linguaggio ha una portata universale.
Madoz rappresenta un raro esempio di artista che, pur mantenendo una fedeltà assoluta al proprio stile, riesce a rinnovarlo continuamente, offrendo sempre nuove interpretazioni della realtà attraverso la lente della fotografia.
Mi chiamo Marco Americi, ho circa 45 anni e da sempre coltivo una profonda passione per la fotografia, intesa non solo come mezzo espressivo ma anche come testimonianza storica e culturale. Nel corso degli anni ho studiato e collezionato fotocamere, riviste, stampe e documenti, sviluppando un forte interesse per tutto ciò che riguarda l’evoluzione tecnica e stilistica della fotografia. Amo scavare nel passato per riportare alla luce autori, correnti e apparecchiature spesso dimenticate, convinto che ogni dettaglio, anche il più piccolo, contribuisca a comporre il grande mosaico della storia dell’immagine. Su storiadellafotografia.com condivido ricerche, approfondimenti e riflessioni, con l’obiettivo di trasmettere il valore documentale e umano della fotografia a un pubblico curioso e appassionato, come me.
