Lourdes Grobet: la lucha libre messicana e il teatro dei corpi mascherati

Lourdes Grobet (Città del Messico, 1940-2022) ha fotografato i lottatori mascherati della lucha libre nei ring, negli spogliatoi e nei salotti di casa, trattando la maschera come un costume di scena e il ring come un teatro popolare. Prima di arrivare a quelle immagini aveva dipinto, costruito installazioni di specchi e luci, sviluppato fotografie in una galleria senza fissaggio perché svanissero, dipinto rocce con la pittura da imbianchino per poi fotografarle. La sua opera attraversa la fotografia, il video, il cinema documentario, il teatro e il libro d’artista, e tiene insieme tre temi: il corpo che recita un ruolo, la cultura popolare vista senza condiscendenza, il confine. Questo profilo ricostruisce la formazione, le serie principali, il metodo e la ricezione critica.

Una famiglia svizzero-messicana e un ring vietato

María de Lourdes Grobet Argüelles nasce a Città del Messico il 25 luglio 1940, secondo la voce di Wikipedia e il necrologio ripreso dal Boston Globe. Il padre, Ernesto Grobet Palacio, era un ciclista di origine svizzera che gareggiò alle Olimpiadi di Los Angeles del 1932, dove arrivò nono nella cronometro su pista, e gestiva un’impresa di idraulica. La madre, María Luisa, si occupava della casa. Era una famiglia aperta ma estranea al mondo dell’arte.

Danza, malattia, pittura

Da ragazza Lourdes studia danza. Un’epatite la costringe a letto e le impedisce di tornare in sala; dopo la malattia segue lezioni formali di pittura.

La lucha libre vista dalla televisione

Il padre le vietava di assistere agli incontri di lotta, ritenuti inadatti a una donna. Come ricorda PetaPixel, Lourdes seguiva la lucha libre in televisione fin da bambina e solo da adulta ne farà il centro del proprio lavoro. La scheda biografica del Museum of Fine Arts di Houston aggiunge che, una volta diventata fotografa, incontrò la resistenza degli organizzatori, abituati a non vedere una donna dietro l’obiettivo.

Una famiglia di sportivi e il corpo come soggetto

Grobet descriveva la propria famiglia come un gruppo di fanatici dello sport e adoratori del corpo. Il padre aveva corso in bicicletta alle Olimpiadi. Da bambina la futura fotografa praticò la ginnastica, poi la danza: cinque anni di danza classica, interrotti da un’epatite che la tenne a letto a lungo.

Il corpo in movimento ritorna in tutta la sua opera. Tra le installazioni c’è un ambiente a labirinto, esposto in forme diverse per circa vent’anni, con fotografie a grandezza naturale di prigioni e di uomini e donne nudi, più fonti di luce e pavimenti falsi. Il corpo, nudo o mascherato, immobile o in lotta, resta il suo soggetto più costante. Con la lucha libre trovò un teatro in cui i corpi recitano un ruolo davanti al pubblico.

Dalla pittura alle luci: Parigi e le stanze buie

Studia arti plastiche all’Universidad Iberoamericana di Città del Messico. Tra i suoi maestri figurano lo scultore e architetto Mathias Goeritz, il pittore Gilberto Aceves Navarro, di cui fu assistente, e la fotografa ungherese naturalizzata messicana Kati Horna, che la introdusse alla fotografia. La scheda dell’Hammer Museum indica in Aceves Navarro, Goeritz e Horna i suoi maggiori maestri.

Il 1968 e l’arte cinetica

Un viaggio a Parigi nel 1968 la mette davanti all’arte cinetica. Torna in Messico e, secondo i necrologi, brucia i disegni e i quadri fatti fino ad allora. La sua prima «azione» è un allestimento di luci e proiezioni per il concerto di un pianista jazz. Come riferisce Hyperallergic, dichiarò di non avere motivo per continuare a dipingere a metà del Novecento.

Serendípiti, A la mesa, Hora y media

Nel 1970 presenta alla Galería Misrachi di Città del Messico «Serendípiti», un percorso interattivo fatto di pavimenti rialzati, luci e specchi in cui il visitatore perde l’orientamento. Nei primi anni Settanta, a Casa del Lago, espone «A la mesa», fotomurali di elettrodomestici che rinviano al cucinare e al mangiare. Nel 1975, sempre a Casa del Lago, realizza con Marcos Kurtycz «Hora y media»: Grobet strappa fogli di alluminio da una cornice di legno, mentre la galleria diventa una camera oscura improvvisata. Le stampe vengono sviluppate sul posto senza fissaggio, e quando si riaccendono le luci le immagini scompaiono.

La fotografia diventa un evento che si consuma nel tempo e un materiale da mettere in scena. Le due idee tornano nei lavori successivi.

Cardiff e i paesaggi dipinti

Nel 1977, con una borsa di studio, Grobet va in Gran Bretagna e frequenta studi di grafica e fotografia alla Cardiff School of Art and Design e al Derby College of Higher Education, come indicano le biografie raccolte dalla Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo e dalla Wikipedia spagnola. In Galles dipinge rocce e altri elementi del paesaggio con la pittura da casa e li fotografa. Il docente la boccia e i vicini chiamano la polizia. Il Brooklyn Museum ha poi acquisito alcune di quelle fotografie.

Cactus e alberi dipinti

Tornata in Messico, ripete l’operazione nelle zone desertiche di Michoacán e Oaxaca, dove dipinge cactus e alberi per poi fotografarli. Il ciclo, noto come Paisajes pintados, prevede un intervento dell’artista sul paesaggio prima dello scatto. Nel 2002 Grobet ritorna sul tema durante una residenza al MacDowell, dove lavora a uno spazio tridimensionale percorribile con paesaggi dipinti illuminati dalla luce.

Proceso Pentágono e il Consejo Mexicano de Fotografía

Alla fine degli anni Settanta la fotografia messicana si organizza in collettivi. Grobet entra in Proceso Pentágono, uno dei «Grupos» politici e sperimentali dell’arte messicana; l’Hammer Museum indica la sua appartenenza dal 1978 al 1993. Partecipa inoltre alla fondazione del Consejo Mexicano de Fotografía, con Pedro Meyer, Lázaro Blanco e la critica Raquel Tibol, secondo la Wikipedia spagnola, che le attribuisce anche l’organizzazione dei colloqui internazionali del 1978 e del 1981. Sul contesto più ampio si può leggere il quadro generale della fotografia messicana.

Nel 1985 il Museo Universitario del Chopo di Città del Messico ospita la mostra «53 cuadras». Nel 1996 il Centro de la Imagen presenta «La Filomena». Le due mostre si affiancano ai progetti sulla lucha libre e sul teatro.

La doble lucha: il ring, lo spogliatoio, il salotto

Dai primi anni Ottanta la lucha libre diventa il nucleo del lavoro di Grobet. Una stampa del 1981 conservata a Houston, Irma González y su hija Irma Aguilar, vestidores de la Arena Neza, è una gelatina ai sali d’argento di circa 19 per 24 centimetri e appartiene alla serie La doble lucha. Un ritratto del 1980 mostra Tinieblas e Tinieblas Jr. a casa, in costume, con la loro mascotte pelosa Alushe. Altre immagini mostrano Blue Demon in abito a tre pezzi con gemelli e cravatta, e El Santo, il lottatore dalla maschera d’argento.

Le lottatrici e il doppio lavoro

Il nucleo più originale della serie riguarda le donne. Grobet fotografa le lottatrici mentre si truccano, accudiscono i figli, nutrono un neonato con la maschera ancora indosso. Il titolo della serie allude alla doppia lotta di essere donna e combattente, come riporta PetaPixel. Molte di loro indossavano la maschera anche al lavoro quotidiano, per conservare il mistero del personaggio. Arena e casa compaiono nella stessa serie.

La maschera e il pregiudizio di classe

Grobet sosteneva che la tradizione di portare la maschera in Messico risale a prima della Conquista, e definiva la lucha libre vera cultura messicana, secondo Hyperallergic. Il critico Gabriel Rodríguez Álvarez ha collegato le maschere alle tradizioni indigene e ai passamontagna degli zapatisti del Chiapas. Quanto alla lettura della lucha come fenomeno kitsch, la fotografa la riteneva un pregiudizio di classe: lo riporta il necrologio del Boston Globe, che lo lega all’uscita del film «Nacho Libre» nel 2006.

Il libro del 2005

Il volume Lucha Libre: Masked Superstars of Mexican Wrestling (2005) raccoglie le immagini dei lottatori e le porta a un pubblico internazionale. Le biografie parlano di oltre 11.000 fotografie dei lottatori pubblicate; secondo il Boston Globe, Paramount avrebbe acquistato decine di copie del libro mentre preparava «Nacho Libre». Nello stesso anno, alla Bruce Silverstein Gallery di New York, si tiene la sua prima mostra personale nella città.

Un secolo di ring: dalle prime maschere al patrimonio di Città del Messico

Per capire che cosa Grobet fotografa bisogna risalire al ring. La lucha libre nasce in Messico all’inizio del Novecento. Le maschere compaiono intorno agli anni Venti e si diffondono nel decennio successivo. Nel 1933 Salvador Lutteroth, ricordato come il padre del wrestling professionistico messicano, fonda la propria promotion.

Il 14 luglio 1940 il lottatore El Murciélago Enmascarado perde contro Octavio Gaona e deve togliersi la maschera: è una delle prime luchas de apuestas, gli incontri in cui si mette in palio la maschera o la chioma. Chi perde la maschera mostra il volto al pubblico, chi perde i capelli viene rasato. Con queste regole si capisce il peso che la maschera assume nei ritratti di Grobet, dove resta al suo posto anche nei salotti e nei luoghi di lavoro.

Nel 1952 El Santo vince la maschera di Black Shadow in un incontro máscara contra máscara e diventa una delle maggiori star del Paese. Insieme a Blue Demon e a Mil Máscaras forma i «Tres Grandes», eroi popolari anche grazie ai film dedicati ai lottatori. Santo continuò a portare la maschera dopo il ritiro e fu sepolto con quella d’argento.

Il riconoscimento istituzionale arriva tardi. Nel luglio 2018 il governo di Città del Messico, tramite la Secretaría de Cultura, dichiara la lucha libre patrimonio culturale della città, richiamandosi alle disposizioni dell’UNESCO sul patrimonio immateriale. Il segretario alla Cultura, Eduardo Vázquez, la definisce «una de las expresiones de la cultura popular urbana más arraigada en nuestra ciudad y nuestro país». Circa ventimila persone si radunano nello Zócalo per la festa. A distanza di quasi quarant’anni, il decreto dà forma ufficiale a ciò che la fotografa sosteneva fin dai primi anni Ottanta: la lucha libre è cultura messicana a pieno titolo.

Santo, Blue Demon e Fray Tormenta: i personaggi sotto la maschera

Grobet cominciò a frequentare le arene intorno al 1980. Per oltre vent’anni seguì i lottatori come un’antropologa più che come una fotoreporter: nei palazzetti, negli spogliatoi, a casa, sul posto di lavoro. Quasi sempre li ritrasse con la maschera. Di due soli, El Santo e Blue Demon, non vide mai il volto, e dichiarò di non averlo voluto vedere. Nel 2021 disse di aver deciso di dedicare gran parte dei propri sforzi alla lucha libre.

Il repertorio delle sue immagini mescola il sacro e il quotidiano. El Santo compare mentre mangia uno spuntino comprato da un venditore ambulante. Fray Tormenta, il sacerdote che lottava per sostenere gli orfani della sua parrocchia, è fotografato con la maschera rossa e oro e con i paramenti, mentre solleva l’ostia in chiesa. Sono scene in cui l’eroe smette di recitare, oppure recita un altro ruolo.

Il libro del 2005 affida il testo a Carlos Monsiváis. Nel 2006 esce il film Nacho Libre, con Jack Black, ispirato alla vita di Fray Tormenta; il protagonista, però, è un cuoco di monastero e non un sacerdote. Direttore della fotografia del film è Xavier Grobet, figlio di Lourdes. Poco prima dell’uscita la fotografa osservò che lo sport meritava rispetto, e che considerarlo spettacolo kitsch era un pregiudizio di classe.

Coco Fusco ha scritto sui social che i ritratti di luchadores di Grobet sono «absolutely unforgettable». La fotoreporter spagnola Seila Montes l’ha definita una pioniera nel fotografare i luoghi comuni.

Il teatro contadino e indigeno

Dal 1986 Grobet fotografa il Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena (LTCI), compagnia fondata e diretta per circa cinquant’anni dalla drammaturga María Alicia Martínez Medrano nel sud-est del Messico. Come riferisce Arte al Día, il laboratorio lavorava con le comunità chontal, chol, zoque, maya, mayo e náhuatl, con l’obiettivo di documentare e conservare le tradizioni orali. Grobet seguì il processo per decenni e costruì un archivio visivo di oltre 25.000 fotografie.

Le rappresentazioni si tenevano all’aperto, con costumi di foggia storica e senza microfoni né luci teatrali. Grobet vedeva in questo teatro rurale il corrispettivo della teatralità urbana della lucha libre, secondo Hyperallergic: due forme di spettacolo popolare.

Nel 2022, anno della sua morte, esce il libro Laboratorio de Teatro Campesino e Indígena. Medio siglo de historia, da lei curato. Nel 2025 Fundación Casa de México a Madrid presenta quasi settanta fotografie del progetto, a cura di Beatriz Mackenzie e Ximena Pérez Grobet, nell’ambito della ventottesima edizione di PHotoESPAÑA. Il libro Bodas de sangre, pubblicato nel 1987 dal governo dello Stato di Tabasco, è tra i suoi lavori editoriali di quegli anni; la Wikipedia spagnola riporta per il 1988 il premio «Juan Pablos» come miglior libro d’arte.

Bering: un confine tra due isole

Nel 2008 Grobet è tra i vincitori delle residenze Photoquai del Musée du quai Branly di Parigi, con un progetto realizzato in Alaska. Attraversa lo Stretto di Bering, scatta fotografie e video e raccoglie dati satellitari. Il risultato, come descrive la scheda del museo, comprende East/West, 72 fotografie ordinate in 36 dittici che accostano luoghi sulle due sponde del Pacifico: il Michoacán con l’Acropoli, le isole Diomede con Pechino, Oaxaca con Pingyao. L’idea è mettere in discussione una cultura occidentale concepita in senso eurocentrico, ricordando che l’Asia si trova a ovest delle Americhe.

Fluxus, Frontiers e i documentari

Al progetto appartengono il video Fluxus, proiettato a pavimento a schermo diviso, sui flussi marini e umani della regione, e Frontiers, sul paesaggio polare delle Diomede, la frontiera invisibile tra Siberia e Alaska. Nasce anche il documentario Bering. Equilibrio y resistencia, sulla divisione politica tra Big Diomede, russa, e Little Diomede, statunitense. Il secondo lungometraggio, Bering, Reunión Familiar, esce nel 2022 ed è uno degli ultimi due progetti completati prima della morte, come ricorda il México Now Festival, che lo ha proiettato a New York in un omaggio del novembre 2023.

Stile e pratica: la fotografia come linguaggio

In un’intervista del 2005 Grobet ha descritto la fotografia come un linguaggio, un modo di dire le cose, e ha spiegato di aver cercato per ogni tema il mezzo più adatto. Questo spiega la varietà dei supporti: fotomurali, installazioni, performance, video, cinema, libri d’artista, scultura pubblica e arte digitale, elencati dal quotidiano El Financiero in occasione della mostra «Crear sin miedo» a Casa del Lago, dal 30 settembre 2023 al 10 marzo 2024.

Fotografare gli ambienti

La scheda di Quai Branly descrive il suo approccio come un documentarismo messicano che fotografa «ambienti» con cui l’autrice sente un’affinità. Il ritratto avviene dentro lo spazio abitato, tra gli arredi di casa e con il costume di scena. La biografia spagnola ricorda sperimentazioni con le diapositive e con l’infrarosso in bianco e nero; le stampe di lucha libre conservate nei musei sono gelatine ai sali d’argento.

Umorismo e trasgressione

El Financiero e la scheda UAEH descrivono un lavoro attraversato da umorismo, ironia, autocritica e provocazione. Grobet insegnò in diverse università, tra cui la UAM Azcapotzalco, Stanford, Yale e Columbia College Chicago. Da pittrice a fotografa, da fotografa a regista, le sue scelte formali dipendono dal tema più che dalla coerenza di stile, e per questo il suo profilo è difficile da ridurre a un genere.

Cronologia essenziale

Mostre, libri e collezioni

L’Hammer Museum la include in Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (2017), mostra che nel 2018 passa al Brooklyn Museum. Nel 2012 la galleria NegPos di Nîmes ospita «El nuevo hombre de Bering». Le monografie principali sono Se escoge el tiempo (Los Talleres), Luciérnagas (ENAP, 1984), Bodas de sangre (1987), Lourdes Grobet (Turner, Madrid), Espectacular de Lucha Libre (Trilce) e Retratos de Familia (Reverté e RM).

Le collezioni pubbliche includono il San Francisco Museum of Modern Art, il Musée du quai Branly, la Fundación Cultural Televisa e il Centro de la Imagen di Città del Messico, l’Harry Ransom Center dell’Università del Texas a Austin, il Museum of Fine Arts di Houston e il Brooklyn Museum.

Un posto nel canone latinoamericano

Alla morte, il ministero della Cultura messicano ha definito Grobet una delle massime rappresentanti dell’arte fotografica del Paese. La sua posizione si capisce meglio accanto alle altre voci della fotografia messicana: la fotografia di Graciela Iturbide sulle comunità indigene, i ritratti di Lola Álvarez Bravo. Grobet lavora su un altro terreno: lo spettacolo popolare, il teatro rurale, la cultura di massa.

Lei stessa diceva che, se non fosse diventata fotografa, sarebbe stata antropologa, perché curiosa. Il lavoro sulla lucha libre, sul teatro indigeno e sui confini mostra la stessa curiosità. Nel 2023 la mostra «Crear sin miedo» a Casa del Lago ha organizzato il suo percorso su tre assi, archivio, sperimentazione visiva e lotte familiari, e la rassegna madrilena del 2025 ha riportato l’attenzione sul fondo del teatro campesino.

Gli ultimi anni: la Medalla Bellas Artes e le sperimentazioni digitali

Il sabato prima della morte, nel Complejo Cultural Los Pinos di Città del Messico, a Grobet viene conferita la Medalla Bellas Artes. A ritirarla è la figlia Ximena Pérez Grobet. La fotografa muore il 15 luglio 2022 nella sua casa, a 81 anni, per un tumore al pancreas, secondo quanto ha riferito la stessa figlia. La veglia si tiene il giorno dopo, dalle 16 alle 23, al Salón Los Ángeles.

Alla data della morte contava più di trenta mostre personali. Il Museo Amparo descrive la sua opera con queste parole: «Sus múltiples series revelan una mirada curiosa y empática, resultan también de exploraciones analógicas y digitales». Il percorso di formazione comprende le arti plastiche all’Universidad Iberoamericana, il disegno grafico a Cardiff e la fotografia a Derby, e anche un’introduzione alla realtà virtuale e al multimediale seguita al Centro Nacional de las Artes.

Nel 2020 il Brooklyn Museum ha inserito alcune delle sue fotografie di paesaggi dipinti nella collettiva Out of Place: A Feminist Look at the Collection. Il progetto sul teatro campesino, sviluppato tra il 1984 e il 2018, e la serie sulla lucha libre mostrano una fotografa che aggiorna di continuo gli strumenti e conserva la stessa domanda: che cosa si vede quando un corpo diventa personaggio.