Lakin Ogunbanwo

Lakin Ogunbanwo è nato nel 1987 a Lagos, in Nigeria, ed è oggi una delle voci più riconoscibili della fotografia africana contemporanea. Il suo percorso comincia lontano dagli studi fotografici tradizionali: ha studiato diritto in Nigeria, alla Babcock University, e poi in Inghilterra, alla Buckingham University, prima di scegliere la fotografia nel 2012 e di imparare il mestiere da autodidatta, con una successiva formazione in Francia presso lo Spéos Photography Institute di Parigi. Questa doppia formazione, giuridica e artistica, ha lasciato in lui una sensibilità critica verso le strutture di potere che governano la rappresentazione visiva, in particolare quella dell’Africa e dei corpi neri nel sistema dell’arte globale.

Lagos, metropoli caotica e creativa, è rimasta il centro operativo di Ogunbanwo anche quando la sua carriera ha assunto dimensioni internazionali. La città è il luogo in cui lavora e insieme una componente attiva della sua estetica: la vivacità cromatica, la mescolanza di tradizioni decorative yoruba e influenze globali, la vitalità delle scene di moda e di musica popolare confluiscono nelle sue immagini come materiale visivo e culturale. Secondo alcune biografie il suo lavoro è stato presentato anche dalla galleria londinese Tiwani Contemporary e incluso in mostre collettive e fiere internazionali, tra cui Art Basel, Frieze e la Biennale di Dakar. Le fonti istituzionali lo collegano in modo documentato alla galleria WHATIFTHEWORLD di Città del Capo, che ha ospitato le sue personali, e a collezioni museali come la National Gallery of Victoria in Australia e la Wedge Collection di Toronto.

La sua pratica si è sviluppata inizialmente nel campo della fotografia di moda: ha collaborato con numerosi brand e riviste internazionali, ma è passato presto a una ricerca più autonoma in cui la moda diventa materiale semiotico per indagare identità, corpo e cultura visiva africana. Questa traiettoria, che parte dall’industria per approdare all’arte, è comune a molti fotografi africani della sua generazione ed è emblematica delle tensioni tra mercato e autonomia critica che attraversano la fotografia contemporanea.

Formazione e primi anni

Le fonti concordano su un punto: Lakin Ogunbanwo non nasce come fotografo di professione. Dopo gli studi di diritto, compiuti alla Babcock University in Nigeria e alla Buckingham University in Inghilterra, comincia a lavorare con la macchina fotografica nel 2012. Forbes, nel 2015, lo ha definito un fotografo autodidatta, e lo stesso Ogunbanwo racconta di essere partito da esperimenti domestici: da adolescente fotografava le sorelle e le loro amiche per passatempo, mentre cresceva guardando Fashion TV e i videoclip di Madonna. Quel gusto per l’immagine di moda, assorbito in modo quasi involontario, resterà la lingua madre della sua fotografia.

All’apprendistato da autodidatta ha affiancato un periodo di studio formale allo Spéos Photography Institute di Parigi, una scuola privata di fotografia. In un’intervista a Vogue Italia ha riassunto il senso della scelta con una frase diventata celebre tra i suoi lettori: non fu lui a scegliere la fotografia, fu la fotografia a scegliere lui. L’espressione, ripresa anche nelle schede biografiche, sintetizza un percorso nato da una curiosità visiva prima ancora che da un progetto di carriera.

La formazione giuridica non va letta come una parentesi dimenticata. Chi ha studiato diritto impara a pesare le parole, a riconoscere le gerarchie e a distinguere un’affermazione da una prova, e la sua attenzione a chi guarda chi, a chi ha il diritto di rappresentare e a chi viene rappresentato, si ritrova nella costruzione delle sue serie. Ogunbanwo parla delle proprie immagini come di un modo di conservare la propria cultura e di osservare come la sua generazione la rielabora, e questa dichiarazione di metodo ha il tono di una tesi più che di un semplice stile.

Il contesto: la fotografia in Nigeria e in Africa occidentale

Per capire Ogunbanwo conviene partire dalla geografia fotografica in cui si muove. La fotografia nell’Africa occidentale ha una storia lunga e autonoma, che non coincide con lo sguardo documentario prodotto per il pubblico europeo. Tra gli anni Cinquanta e Settanta del Novecento fiorirono gli studi di ritratto di Bamako, di Lagos e di altre capitali, dove i clienti sceglievano sfondi, abiti, pose e oggetti di scena per costruire un’immagine di sé destinata alla famiglia. Il maliano Seydou Keïta e Malick Sidibé sono i nomi che la storia dell’arte ha reso più noti, ma intorno a loro lavorava una rete ampia di ritrattisti professionisti.

In Nigeria questa tradizione ha una figura di riferimento nel fotografo J. D. ‘Okhai Ojeikere, che documentò per decenni le acconciature femminili e altre forme di ornamento del corpo. Nel colloquio pubblicato da ThisDay, Ogunbanwo viene presentato come fortemente influenzato dai fotografi nigeriani della generazione precedente e in particolare da Ojeikere. Il filo è evidente: Ojeikere catalogava le acconciature come sculture portatili, Ogunbanwo cataloga i cappelli maschili come segni di status. In entrambi i casi un oggetto di uso quotidiano diventa un archivio visivo della cultura di un popolo.

Accanto a questa genealogia esiste un presente istituzionale che negli anni Duemiladieci è cambiato in modo visibile. Lagos ha oggi un calendario di eventi dedicati alla fotografia e all’arte contemporanea: il Lagos Photo Festival, in cui il lavoro di Ogunbanwo è stato incluso nell’edizione 2016, e la fiera Art X Lagos, che compare tra le sue partecipazioni collettive. A livello continentale la fiera 1-54 Contemporary African Art Fair, con sedi a Londra, New York e Marrakech, ha dato visibilità a una generazione di artisti che si muove tra galleria, editoria di moda e festival. Il fotografo nigeriano è uno dei casi più chiari di questo passaggio dal mercato della moda allo spazio dell’arte.

In questo contesto Ogunbanwo adotta una posizione precisa. Rifiuta sia il documentarismo etno-antropologico che ha dominato per decenni la fotografia africana prodotta per sguardi occidentali, sia la ripetizione di stereotipi esotici, e propone un’iconografia nata dall’interno della cultura che rappresenta. La scheda della fiera 1-54 riassume l’obiettivo del suo lavoro in tre intenzioni: documentare la cultura di Lagos, ampliare l’archivio visivo africano contemporaneo e presentare narrazioni africane autorappresentate.

Carriera, riconoscimenti e residenze

Dopo gli inizi nel 2012 la carriera di Ogunbanwo procede per tappe ben documentate. Nel 2013 si tiene la sua prima personale, «Portraits by Lakin Ogunbanwo», alla galleria Rooke & Van Wyk di Johannesburg. Seguono «New Work» nel 2014 e «Are We Good Enough» nel 2015, entrambe alla galleria WHATIFTHEWORLD, il cui spazio principale è a Città del Capo e che continua a rappresentare il suo lavoro: nel 2017 la stessa galleria ospita «We Must Not Be Looking» e nel 2019 «e wá wo mi». Nel 2015 il British Journal of Photography lo inserisce tra i venticinque talenti emergenti da seguire nella serie «Ones to Watch».

Tra le partecipazioni collettive le schede ricordano Nataal a Red Hook Labs a Brooklyn, la mostra «Dey Your Lane!» al BOZAAR, il Lagos Photo Festival del 2016 e Art X Lagos. Nel 2017 riceve una commissione dai grandi magazzini Galeries Lafayette di Parigi, per le vetrine del progetto «Africa Now». Nel marzo dello stesso anno quelle immagini compaiono nella capitale francese, in una vetrina commerciale che ospita la fotografia d’autore invece di nasconderla.

L’anno 2019 è quello di un riconoscimento mediatico più ampio: nell’aprile CNN lo include in un elenco di sette fotografi africani di primo piano, e la serie sulle spose nigeriane viene ripresa da testate e blog internazionali. Nel febbraio 2020 la fiera 1-54 di Marrakech annuncia che Ogunbanwo è il primo artista selezionato per la nuova residenza organizzata con la Thami Mnyele Foundation di Amsterdam, una fondazione intitolata all’artista sudafricano Thami Mnyele, ucciso nel 1985, che da decenni ospita artisti africani nei Paesi Bassi. La residenza, interamente finanziata e della durata di tre mesi, prevedeva per il 2021 un soggiorno ad Amsterdam; Ogunbanwo aveva spiegato che intendeva invitare artisti e abitanti olandesi nel proprio studio per fotografarli prima di una serata, estendendo così il progetto sulla cultura notturna nigeriana, un lavoro che si richiama dichiaratamente a Malick Sidibé e Seydou Keïta. Le restrizioni sugli spostamenti di quegli anni hanno rallentato la realizzazione del programma.

Alla biografia appartengono anche una residenza al National Museum of Modern and Contemporary Art di Seul, in Corea (MMCA Residency), e il progetto «Faceless», legato a una mostra alla Cairns Art Gallery in Australia. Le sue opere fanno parte, tra le altre, delle collezioni della National Gallery of Victoria, che ne conserva venti, e della Wedge Collection di Toronto. La National Gallery of Victoria lo ha presentato anche nella Triennale e in una conversazione con la curatrice senior di fotografia Susan van Wyk, nell’ambito del Melbourne Fashion Festival.

Analisi storico-critica

Il lavoro di Lakin Ogunbanwo si colloca con consapevolezza dentro un dibattito sulla rappresentazione del corpo nero nella fotografia contemporanea. I suoi soggetti, quasi sempre persone di Lagos e spesso figure dell’ambiente creativo cittadino, appaiono come protagonisti di una narrazione visiva che appartiene a loro. La macchina fotografica non documenta dall’esterno ma collabora con chi sta davanti all’obiettivo nella costruzione di un’immagine che è insieme ritratto individuale e dichiarazione culturale.

Lo stile visivo si riconosce per l’uso di colori saturati e vibranti, associati a sfondi monocromatici o a motivi geometrici ispirati alle tradizioni decorative yoruba e alla cultura visiva dell’Africa occidentale contemporanea. La scelta cromatica ha un valore ideologico oltre che estetico: nelle sue immagini il colore afferma vitalità e presenza e rifiuta il grigiore visivo in cui la rappresentazione fotografica dei corpi africani è spesso caduta. Le fotografie sono gioiose in superficie e teoricamente complesse in profondità, e possono esistere insieme come oggetti di piacere visivo e come argomenti in un dibattito critico.

Sul piano formale Ogunbanwo attinge alla tradizione degli studi fotografici di strada dell’Africa occidentale degli anni Cinquanta e Sessanta, di cui Keïta e Sidibé sono i rappresentanti più noti. Le schede di Nataal e della fiera 1-54 descrivono i suoi sfondi piatti e le composizioni audaci come un omaggio minimalista alla fotografia di studio africana degli anni Sessanta e Settanta. Questa genealogia vale come rivendicazione: esiste una tradizione fotografica africana autonoma, con coordinate estetiche e un sistema di valori propri, che non ha bisogno di essere validata dal confronto con la fotografia europea o americana. La posizione si inserisce nel più ampio movimento intellettuale del pan-africanismo visivo che ha segnato la scena artistica africana degli anni Duemiladieci. Un percorso parallelo, tra Londra e Marrakech, è quello di Hassan Hajjaj, che costruisce ritratti frontali con tessuti e colori saturi.

La collaborazione con la moda internazionale va letta come strategia consapevole di occupazione di uno spazio mediatico globale. Secondo alcune biografie comprende campagne per brand come Valentino e servizi per L’Officiel e Dazed; le fonti documentate ricordano in modo certo pubblicazioni su Vogue Italia, The New York Times, The New Yorker, ID online, British GQ e Riposte Magazine. Portare uno sguardo esteticamente africano nelle pagine delle riviste di moda è, per Ogunbanwo, un atto politico: una sovversione dall’interno dei sistemi di rappresentazione che hanno storicamente prodotto immagini dell’Africa per il consumo occidentale.

Un aspetto che la critica sottolinea è il tono delle immagini. Le schede parlano di ritratti dal carattere enigmatico, con una sfumatura erotica e sovversiva, in cui il soggetto viene spesso oscurato da ombre, drappeggi e fogliame. Questa strategia di occultamento parziale rovescia una vecchia consuetudine dello sguardo coloniale, che voleva il corpo africano pienamente esposto e catalogabile. Nelle fotografie di Ogunbanwo chi guarda deve accettare di non vedere tutto.

Stile e tecnica: colore, ombra, stampa

La cifra tecnica di Ogunbanwo nasce dalla fotografia di moda e di ritratto in studio. Luce controllata, fondali a tinta unita, accostamenti cromatici netti e attenzione maniacale al tessuto sono le componenti che tornano di serie in serie. Il colore piatto, da lui adottato come omaggio alla fotografia di studio africana di metà Novecento, funziona da schermo neutro su cui si stagliano abiti, cappelli e corpi, e dà all’immagine una qualità quasi grafica.

Dal punto di vista materiale le opere destinate al mercato dell’arte sono stampe a getto d’inchiostro d’archivio su carta Hahnemühle Photo Rag, prodotte in edizioni limitate. La scheda della fiera 1-54 per l’opera «Untitled III» del 2019 indica ad esempio un’edizione di dieci esemplari più due prove d’artista, con le prime cinque copie di 150 per 100 centimetri e le altre cinque di 130 per 90. Sono dati che raccontano un aspetto spesso trascurato: la fotografia di Ogunbanwo vive sulla parete come oggetto fisico di grande formato, oltre che sulla pagina della rivista.

L’uso delle ombre, del fogliame e dei drappeggi per coprire parzialmente il volto o il corpo dà alle serie recenti una qualità scultorea. Nella serie sul colore della pelle, i corpi sono rivestiti di «pelli» da indossare, un dispositivo che porta in primo piano il carattere costruito dell’identità cromatica. Il linguaggio della moda, con la sua capacità di trasformare una superficie in significato, diventa lo strumento per interrogare le categorie razziali.

Opere principali

La serie «Are We Good Enough», avviata nel 2012 e sviluppata negli anni successivi, documenta i cappelli maschili tradizionali delle diverse etnie nigeriane e il modo in cui i giovani li mescolano alla moda contemporanea. La prima tranche, esposta alla galleria WHATIFTHEWORLD di Città del Capo, si concentrava soprattutto sui copricapi yoruba; la seconda, presentata a Red Hook Labs a Brooklyn nel 2016, ha allargato il campo a molte altre etnie, con forme, texture e tessuti diversi. Ogunbanwo racconta di procurarsi i cappelli comprandoli, facendoseli prestare da amici e ottenendoli dalla Nike Art Gallery. Dichiara di averla iniziata per conservare la propria cultura. La definisce anche un modo per far emergere un messaggio silenzioso sul patriarcato nella società nigeriana: il cappello, nelle sue parole, è una silenziosa insegna di grandezza che dice molto su età e posizione sociale di chi lo porta. Del 2016 è anche la serie dei cappelli che Vogue ha pubblicato con il titolo «In Nigeria, Does the Hat Make the Man?», un’indagine sul significato socioculturale del copricapo nell’identità maschile nigeriana. Nella sequenza compare anche «I Was Gonna Cancel», ispirata al fenomeno degli uomini che scompaiono dopo un appuntamento.

La serie «We Must Not Be Looking», presentata da WHATIFTHEWORLD a Johannesburg dal 2 febbraio al 18 marzo 2017, riflette su razza e identità in Sudafrica. Nasce da una residenza a Città del Capo nel 2015, durante la quale Ogunbanwo notò che molte persone si identificavano attraverso il colore della pelle, e in particolare con il termine «coloured», usato nel paese per indicare le persone di origine mista. Le opere usano pelli indossabili che fanno da sostituti alla carnagione e propongono una traduzione letterale del termine, attingendo al suo passato nella moda. In un’intervista a Nataal aveva anticipato il progetto come un’esplorazione dell’idea di trasformare interi corpi in colori diversi.

Il progetto «e wá wo mi» («venite a guardarmi», in yoruba) è del 2019 e racconta i matrimoni nigeriani dal punto di vista delle spose, ritratte negli abiti specifici di diversi gruppi etnici. Ogunbanwo ha spiegato di essere un osservatore esterno e di non voler parlare a nome delle donne. La serie ha avuto ampia eco su CNN, Vogue, Colossal, Creative Boom e Pulse Nigeria e, secondo The Art Newspaper, WHATIFTHEWORLD ne aveva venduto sei edizioni al momento dell’annuncio della residenza del 2020. Una lettura critica pubblicata a Lagos ha messo a confronto la mostra che univa «Are We Good Enough» a «e wá wo mi» nel 2019 alla galleria Niki Cryan di Ikoyi, contrapponendo la mascolinità dei cappelli al ritratto femminile quasi barocco delle spose.

Nel 2020 Rangefinder ha dedicato un articolo ai suoi ritratti di corpi formosi. Tra le opere nelle collezioni museali la National Gallery of Victoria elenca titoli come «You are not good enough», «Watch out», «Uncover», «Not so sorry», «I miss you», «Forbidden fruit», «Are you lying» ed «E Wá Wo Mi», oltre a una sequenza di opere senza titolo numerate.

Alcune biografie ricordano inoltre il progetto «You Are Worthy», ritratti di persone ordinarie di Lagos fotografate con la stessa cura compositiva e la stessa qualità luminosa normalmente riservate alle celebrità e ai protagonisti della moda, con un titolo che suona come dichiarazione programmatica: ogni soggetto, qualunque sia la sua condizione sociale, merita piena attenzione visiva. Le stesse fonti attribuiscono a questo lavoro esposizioni a Londra, Lagos e New York. Citano anche la serie «Of This Our Country», sviluppata tra il 2018 e il 2020, sul rapporto tra identità nigeriana e patrimonio culturale yoruba, con indumenti tradizionali, accessori cerimoniali e motivi tessili accostati alla contemporaneità urbana, e un volume monografico intitolato «Lakin Ogunbanwo», attribuito a Tiwani Contemporary nel 2022, che avrebbe raccolto per la prima volta una selezione sistematica del lavoro dell’ultimo decennio. Quest’ultima serie rifiuta la separazione tra «tradizione» e «modernità» come categorie analitiche distinte e propone l’identità africana contemporanea come stratificazione dinamica.

Moda, riviste e committenze

Il lavoro editoriale non è un’attività laterale. Ogunbanwo ha lavorato con l’autrice Chimamanda Ngozi Adichie, ha firmato una copertina per Billboard e ha pubblicato su Vogue, GQ e sul New York Times. Le schede della fiera 1-54 aggiungono The New Yorker, Vogue Italia, ID online, British GQ e Riposte Magazine. La committenza dei Galeries Lafayette del 2017 ha portato i suoi ritratti nelle vetrine di uno dei più noti department store parigini, in un progetto dedicato all’Africa contemporanea.

La doppia vita tra rivista e galleria è una costante della sua generazione. Il linguaggio visivo della moda gli permette di parlare a un pubblico ampio con immagini immediate, mentre il lavoro d’arte lo porta a interrogare le stesse convenzioni. Anche la scelta di fotografare corpi di donne e uomini nigeriani con la stessa solennità riservata alle star internazionali risponde a un’idea di dignità del soggetto che il sistema della moda spesso concede solo a chi è già celebre.

Nel 2020 Ogunbanwo ha dichiarato di non poter prevedere come il progetto olandese si sarebbe tradotto nei Paesi Bassi. La presidente della fondazione, Pauline Burmann, ha spiegato di essere stata attratta proprio dal fatto che lui non avesse un piano fisso e avesse lasciato la proposta aperta. È un dettaglio che dice molto sul suo metodo, fatto di collaborazione e di disponibilità a farsi cambiare dall’incontro con i soggetti.

Come leggere una fotografia di Ogunbanwo

Una fotografia di Ogunbanwo si legge in tre passaggi. Il primo riguarda il colore: lo sfondo piatto e la tinta dell’abito stabiliscono un rapporto tra figura e campo, che ricorda la fotografia di studio di Bamako e Lagos e insieme la grafica pubblicitaria contemporanea. Il secondo riguarda ciò che il fotografo decide di nascondere: ombre, tessuti e piante coprono una parte del volto, spostando l’attenzione dai tratti individuali alla postura e al costume. Il terzo riguarda l’oggetto che porta il significato, che sia un cappello, un abito nuziale o una pelle da indossare. L’oggetto diventa il pretesto per raccontare un’intera struttura sociale, fatta di gerarchie di età, di genere e di etnia.

Questa lettura richiede un minimo di contesto. Chi conosce i cappelli yoruba, per esempio, riconosce che forme e pieghe dicono qualcosa sul rango di chi li indossa, mentre chi guarda da fuori coglie soprattutto un effetto grafico. Ogunbanwo accetta entrambi i livelli. Le immagini funzionano come oggetti di piacere visivo e come argomenti, e in un museo come in una rivista chiedono allo spettatore di soffermarsi.

Vale la pena confrontare questo metodo con altri ritrattisti contemporanei che lavorano sul rapporto tra identità e costume. In una prospettiva più ampia, il suo lavoro si affianca a quello di altri autori africani richiamati nella storia della fotografia di ritratto, dove la costruzione della posa è sempre una forma di negoziazione tra chi fotografa e chi è fotografato.

Eredità e posizione nella fotografia contemporanea

La carriera di Ogunbanwo è ancora in sviluppo, per cui parlare di eredità richiede prudenza. Quello che si può osservare è il ruolo che il suo lavoro ha avuto nel rendere visibile una generazione di fotografi nigeriani sulla scena internazionale. Le sue immagini sono entrate in musei australiani e canadesi, sono state esposte su più continenti e hanno contribuito a spostare l’attenzione dalla fotografia africana intesa come documento a quella intesa come costruzione consapevole di immagine.

Un secondo lascito riguarda il metodo. L’idea di prendere un oggetto del quotidiano, come un cappello, e di trasformarlo in un archivio visivo seriale è una strategia che dialoga con la grande tradizione del tipologismo fotografico, da Sander ai Becher, e la applica a un contesto in cui la tipologia serve a rivendicare differenze interne invece che a cancellarle. La varietà di cappelli di «Are We Good Enough» smentisce l’immagine monolitica dell’Africa che l’Occidente ha spesso proiettato, e il suo lavoro è letto come una celebrazione dell’essere nigeriani che contrasta lo sguardo monolitico dell’Occidente sull’Africa.

Il terzo elemento è il rapporto tra mercato e arte. La carriera di Ogunbanwo mostra che un fotografo può lavorare per le riviste e al tempo stesso costruire un corpus coerente destinato alle collezioni museali, senza che le due attività si cancellino a vicenda. Per i lettori interessati al quadro generale resta utile la guida alle tradizioni fotografiche nel mondo, in cui la fotografia africana trova il suo posto accanto alle altre scuole.

Aggiornato Ottobre 2026