Alejandro Kuropatwa

Alejandro Kuropatwa (Buenos Aires, 1956-2003) è stato uno dei fotografi argentini più riconoscibili della sua generazione. Ritrattista dei musicisti rock, fotografo di pubblicità, autore di nature morte, di serie sulla identità femminile e di un lavoro, Cóctel, che è rimasto come uno dei primi tentativi dell’arte argentina di affrontare in modo diretto l’AIDS. Gli amici lo chiamavano Kuro. La stampa lo ha soprannominato l’«Andy Warhol argentino» per la vita notturna, la personalità sfavillante e il modo di mescolare arte, moda e spettacolo. Dietro la maschera mondana c’è un fotografo rigoroso, formato a New York, che ha saputo trasformare la malattia in una questione visiva senza cedere né alla retorica né al pietismo.

Buenos Aires e gli anni della formazione

Alejandro Kuropatwa nasce a Buenos Aires nel 1956, in una famiglia di immigrati ebrei, secondo la voce di Wikipedia; alcune biografie parlano di una famiglia di origine ucraina e collocano la sua infanzia nel quartiere di Flores. La fotografia, all’inizio, non è la sua strada. Frequenta per un breve periodo la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, poi studia pittura con Jorge Dermijian tra il 1974 e il 1977 e disegno con Oscar Smoje tra il 1978 e il 1979. Nel 1977, giovanissimo, riceve una menzione d’onore al premio per i nuovi valori dell’incisione e un secondo premio di serigrafia: il suo apprendistato passa dunque dall’incisione e dalla stampa, un’esperienza che tornerà utile quando si dedicherà alla camera oscura.

Nel 1978 la sua prima mostra personale si tiene alla Galería Lirolay di Buenos Aires. La città in cui si forma è sotto la dittatura militare, che governa l’Argentina dal 1976 al 1983: un paese dove la vita culturale è sorvegliata, dove la scena notturna e le arti visive diventano luoghi di fuga e di resistenza. Il suo carattere irrequieto e il desiderio di vedere altri mondi lo portano a guardare oltre i confini argentini.

New York: il Fashion Institute of Technology e Parsons

Nel 1979 si trasferisce a New York per studiare fotografia al Fashion Institute of Technology, dove resta fino al 1982. Dopo un lungo viaggio in Europa, come ricorda una recensione dedicata a una sua mostra, scopre la fotografia nella metropoli americana: compra una piccola macchina usata e comincia a fotografare la vita notturna. Prosegue poi gli studi alla Parsons School of Design, dove ottiene un Master of Fine Arts con specializzazione in fotografia, un titolo che le fonti datano al 1985. Rimane a New York per circa sei anni.

Gli anni newyorkesi sono quelli dello Studio 54 e dei locali del centro: nel 1983 espone a Lucky Strike, dove la serata Come Celebrate the Human Beings trasforma un numero della rivista Island in installazione con intrattenimento dal vivo, e nel 1984 allo Studio 54. Appartengono a quel periodo le immagini della serie Fuera de foco («fuori fuoco»), girate e realizzate a New York: fotografie scattate in modo diretto e poi lavorate in camera oscura, con ritocchi e manipolazioni che accentuano le ombre, ammorbidiscono le forme e sfumano i contorni. Una stampa ai sali d’argento del 1982, senza titolo, appartiene alla serie e restituisce il clima notturno di quegli anni. Le immagini sono state esposte molto tempo dopo alla Galería Vasari di Buenos Aires.

Il ritorno a Buenos Aires: studio, rock e pubblicità

Nel 1985 Kuropatwa torna in Argentina, dove la democrazia è stata ripristinata alla fine del 1983. Apre uno studio e inizia una carriera di ritrattista e di fotografo di pubblicità. I suoi soggetti sono gli artisti, gli scrittori, i musicisti rock: Charly García, Gustavo Cerati, Fito Páez, Pedro Aznar, il gruppo Virus, i Ratones Paranoicos e i Redonditos de Ricota, per i quali disegna anche copertine di dischi. Nel suo obiettivo passano la regista María Luisa Bemberg, il pittore Guillermo Kuitca, l’attrice Cecilia Roth, Batato Barea, figura del teatro underground della città, e anche Luciano Pavarotti. Le sue immagini appaiono su riviste internazionali, tra cui Art News e Harper’s Bazaar.

L’attività commerciale non cancella la ricerca personale. La scheda dell’editore Ediciones Larivière ricorda che Kuropatwa si specializza in fotografia pubblicitaria e in ritratti di artisti, in particolare di musicisti rock, di personaggi della notte e dello spettacolo, e che il suo lavoro diventa più personale e intimo dopo la scoperta di vivere con l’HIV. Nel 1986 presenta la mostra Naturalezas muertas («nature morte») al Centro Cultural Recoleta, nel 1988 Sólo sonrisas al Centro Cultural General San Martín e, nello stesso anno, Objetos presidenciales al Museo de la Casa Rosada, una serie ironica sugli oggetti del potere. Nel 1992 espone a Parigi, all’Hôtel Meurice, la serie Appartement 402-404. La fotografia pubblicitaria gli insegna la seduzione della superficie, il controllo della luce e la costruzione scenica dell’immagine: elementi che porterà anche nel lavoro più personale.

La diagnosi e la fotografia come autoritratto

Il passaggio che separa il Kuropatwa mondano dal Kuropatwa artista è la malattia. Le fonti non sono concordi sulla data della diagnosi: Wikipedia indica il 1984, un articolo di Ámbito il 1987, la scheda del Museo Moderno i primi anni Novanta. Tutte concordano sul fatto che, a un certo punto, Kuropatwa scopre di avere l’AIDS in un’epoca in cui le possibilità di sopravvivenza erano ridotte. Il critico Roberto Jacoby, ricordato da Ámbito, osserva che, dopo aver saputo che sarebbe morto, Kuropatwa continuò a lavorare e produsse gran parte della propria opera artistica.

La serie del 1990 Treinta días en la vida de A. («Trenta giorni nella vita di A.»), esposta alla Galería Ruth Benzacar, è uno dei primi esempi di questo passaggio. Le immagini, in bianco e nero, hanno un tono drammatico e autoreferenziale, e portano titoli come «Mi chiedo perché devo raccontare questo» e «Nient’altro che l’obiettivo». Il fotografo diventa il proprio soggetto, ma senza cercare la compassione del pubblico: l’autoritratto è un modo per prendere posizione, per mostrare il corpo e la sua fragilità.

La risposta di Kuropatwa a una malattia che circolava nel discorso pubblico argentino tra vergogna e silenzio è quella di una messa in scena consapevole, di una teatralità che non nega la gravità. La critica ha scritto che il suo impegno politico passa attraverso gesti legati alla malattia: mostrare un autoritratto mentre prende le medicine, per esempio, è una decisione che rompe il silenzio.

Cóctel, la serie sulle pillole

Con l’arrivo, nel 1996, delle terapie antiretrovirali combinate, le condizioni di salute di Kuropatwa migliorano e, per alcuni anni, la sua opera passa dal bianco e nero malinconico al colore vivido. È in questo momento che realizza Cóctel, presentata nel 1996 alla Galería Ruth Benzacar di Buenos Aires. Il titolo si riferisce alla combinazione dei farmaci, che nel gergo medico e popolare si chiama «cocktail». Le fotografie mostrano capsule, blister, un distributore, pastiglie blu; in una versione recente della serie, esposta al MALBA nel 2023, le immagini sono montate su alluminio e rivestite di plastica. Una fotografia del 1996 dedicata all’AZT fa parte della collezione del museo.

Il Museo Moderno di Buenos Aires la descrive come una delle prime opere a trattare in modo frontale il tema dell’AIDS in Argentina. Altre fonti, come la scheda di Visual AIDS, aggiungono che l’opera è stata realizzata dopo la diagnosi di sieropositività e dopo che i nuovi farmaci avevano stabilizzato la salute dell’artista. Dopo la serie, Kuropatwa si dedica a immagini a colori di grande formato e di tono più ironico: una novità, per la fotografia artistica argentina dell’epoca.

La forza di Cóctel sta nella scelta di non fotografare il corpo malato ma l’oggetto che lo tiene in vita. La macro-fotografia trasforma le capsule in forme quasi astratte, la luce le fa brillare come gioielli, i colori sono saturi e puliti. Il risultato è straniante: ciò che il pubblico associa alla malattia diventa un oggetto di contemplazione, e al tempo stesso resta riconoscibile per ciò che è. Secondo alcune fonti la serie comprende una cinquantina di immagini di grandi dimensioni; le immagini più note mostrano pillole rosse, gialle, verdi e bianche su superfici specchianti o in liquidi trasparenti.

Le altre serie: Familia, Marie Antoinette, Mujer, Yocasta

Dopo Cóctel il lavoro di Kuropatwa si apre a nuove serie, quasi tutte in grande formato e a colori. Familia (1997) è esposta alla Fotogalería del Centro Cultural Ricardo Rojas. Marie Antoinette (1998) viene presentata all’Alliance Française di Buenos Aires e comprende i ritratti di Aída Schneider e Cecilia Peluffo, interpreti di una teatralità barocca e ironica. Mujer (2001), alla Galería Ruth Benzacar, è dedicata all’identità femminile e consolida una delle direzioni più riuscite del suo lavoro: la fotografia come costruzione di un’immagine di donna, tra glamour, mito e artificio. Ne fanno parte anche le serie Yocasta e Flores.

La passione per i ritratti di donne glamour e per la messa in scena accompagna Kuropatwa per tutta la carriera. Le fonti ricordano che il suo stile spaziava tra dramma, nostalgia e umorismo, e che le sue immagini erano spesso inquietanti e al tempo stesso belle, con tocchi di ironia. Il lavoro sull’identità femminile non è una parentesi: è un modo di continuare la riflessione sul corpo e sull’apparenza che era cominciata nell’autoritratto della malattia.

Linguaggio visivo e riferimenti

Il linguaggio di Kuropatwa nasce dall’incontro di tre tradizioni. La prima è quella della fotografia di moda e di pubblicità, in cui aveva lavorato professionalmente: controllo del set, attenzione alla superficie, luce costruita. La seconda è la fotografia sperimentale newyorkese dei primi anni Ottanta, con il lavoro in camera oscura che sfuma i contorni e accentua le ombre. La terza è la pittura, che aveva studiato prima di scoprire la fotografia: alcuni commentatori vedono nelle immagini più astratte della serie Cóctel un’eco delle campiture di colore dell’astrazione americana.

La scrittrice María Gainza, nel testo Fondo blanco pubblicato nel catalogo della mostra Kuropatwa en technicolor del MALBA, sostiene che il fotografo cattura l’atmosfera dell’Argentina post dittatura, l’eccesso degli anni Ottanta e la sobrietà degli anni Novanta, quando gli artisti dovevano reinventarsi per sopravvivere, e che era più complesso del personaggio flamboyant descritto dalle leggende che lo circondavano. È un’osservazione utile per leggere l’opera: la maschera mondana e l’intimità dell’autoritratto convivono nello stesso fotografo.

Il contesto: arte, corpo e AIDS negli anni Novanta

L’opera di Kuropatwa si colloca nell’intersezione tra arte, malattia e desiderio, un territorio che la fotografia internazionale aveva cominciato a esplorare nei primi anni Novanta con autori come David Wojnarowicz, Nan Goldin e Wolfgang Tillmans. La fotografia latinoamericana aveva trovato meno autori disposti a esporsi in prima persona su questo tema, e questo dà al lavoro di Kuropatwa un peso particolare nella storia visiva del continente. Un confronto utile è con l’opera del messicano Marco Antonio Cruz, che ha documentato l’epidemia di AIDS nel suo paese: si può leggere il profilo di Marco Antonio Cruz. Tra i fotografi che hanno seguito l’AIDS con il reportage, ricordiamo Paolo Pellegrin, che lo ha documentato in Uganda, Zimbabwe, Kenya, Romania e Messico, e, sul versante della comunicazione pubblicitaria, Oliviero Toscani, la cui campagna del 1992 mostrava un malato in punto di morte.

Il tema riporta a una storia più ampia, quella della fotografia sudamericana del Novecento: il nome di Kuropatwa compare, accanto a quelli di Adriana Lestido e di Marcos López, nell’articolo sulla fotografia sudamericana tra rivoluzione e memoria, tra gli autori della generazione che elabora l’eredità della dittatura. In questo quadro Kuropatwa incarna l’anima urbana, notturna e pop della fotografia argentina, diversa dalla tradizione documentaria dei fotografi dei desaparecidos e più vicina alla cultura rock, alla moda e al teatro sperimentale degli anni Ottanta e Novanta.

Mostre, premi e collezioni

La cronologia delle mostre personali è molto fitta. Dopo gli esordi alla Galería Lirolay nel 1978 e a Estudio Giesso nel 1982, il fotografo espone al CAYC e alla Galería Ruth Benzacar (Fotografías, 1984; Treinta días en la vida de A., 1990; Fotografías con poesie di Hugo Mujica, 1993; Cóctel, 1996; Mujer, 2001). Il Centro Cultural Recoleta ospita nel 1986 Naturalezas muertas e nel 1991 Obra fotográfica; il Centro Cultural Ricardo Rojas le mostre Marcha Kuro Marcha (1992), ¿Dónde está Joan Collins? (1994), Mi amor (1995) e Familia (1997). Nel 1998 Marie Antoinette approda all’Alliance Française.

Il 18 giugno 2002 si apre al Museo Nacional de Bellas Artes di Buenos Aires Manifiesto, la grande retrospettiva con circa centoventi fotografie, curata da Jorge Glusberg: è l’ultima mostra del fotografo in vita. Nel 2005, due anni dopo la sua morte, il MALBA presenta Kuropatwa en technicolor, a cura di Andrés Duprat, con un catalogo che contiene il saggio di María Gainza. Nel 2023 il MALBA torna a dedicargli una retrospettiva, in occasione dei vent’anni dalla scomparsa, con la serie Cóctel al centro dell’esposizione. Nel 2014 la Galería Vasari di Buenos Aires presenta Fuera de foco, otto immagini in bianco e nero che usano sfocatura e morbidezza.

Tra i riconoscimenti figurano il Diploma al Mérito della Fundación Konex nel 1992 (le cronache dell’epoca ricordano un Premio Konex per la fotografia, come uno dei cinque migliori artisti del decennio), il Premio Leonardo per la fotografia del Museo Nacional de Bellas Artes nel 1999 e il Premio Konex de Platino nel 2002, quando riceve anche l’indicazione di fotografo argentino più influente degli anni Novanta. Le fonti ricordano inoltre la partecipazione alla Biennale dell’Avana, dove rappresentò l’Argentina, e la selezione alla Biennale internazionale di Buenos Aires nel 2000 e nel 2002.

Le collezioni pubbliche che custodiscono sue opere comprendono il MALBA e la Fundación Costantini di Buenos Aires, il Museo Nacional de Bellas Artes (sedi di Buenos Aires e di Neuquén), il Museo de Arte Moderno di Buenos Aires, il Museo de la Casa Rosada, il Museo Castagnino+MACRO di Rosario, il Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson di San Juan, la collezione Amalia Lacroze de Fortabat, il Pérez Art Museum di Miami e il Museum of Modern Art di New York.

La morte e l’eredità critica

Kuropatwa muore all’alba del 5 febbraio 2003 a Buenos Aires, per le complicazioni dell’AIDS. I necrologi dell’epoca, tra cui quello de La Nación, parlano di una malattia terminale e gli attribuiscono quarantasette anni. La sua scomparsa segna un lutto per la comunità artistica argentina e per quella queer della città, di cui era una figura di riferimento.

Il lavoro di memoria è proseguito: nel 2007 il regista Miguel Rodríguez Arias gli ha dedicato il documentario Kuropatwa, retrato de su vida y obra (48 minuti), con testimonianze del padre e della sorella, di Hugo Mujica, di Andrés Duprat, di Mirtha Legrand, dei medici Jorge Benetucci e Pedro Kahn e dello stesso fotografo. La sorella, Liliana Kuropatwa, ha condiviso in anni recenti il trailer di un film che raccoglie l’insieme del suo lavoro. La rivalutazione critica ha riportato l’attenzione sulla serie Cóctel, che appare in rassegne dedicate alla fotografia latinoamericana, all’arte che si confronta con l’HIV e alla ritrattistica del Novecento.

Le opere principali

Informazioni riportate da altre schede biografiche

Alcune schede biografiche pubblicate in precedenza aggiungono dettagli o date diverse da quelli delle fonti istituzionali. Parlano di una nascita il 16 aprile 1956 e di una morte il 7 novembre 2003; la data di morte indicata da La Nación e da Wikipedia è però il 5 febbraio 2003, e per la nascita Wikipedia indica il 22 ottobre 1956. Parlano di una serie di ritratti intitolata Placeres («Piaceri», 1993-1995), dedicata alla comunità queer e artistica di Buenos Aires, in chiave edonistica e affermativa; di una partecipazione di Cóctel alla Biennale dell’Avana; di una retrospettiva al MALBA nel 2014, mentre le fonti consultate collocano le mostre MALBA nel 2005 e nel 2023; e di una pellicola cromatica ad alta saturazione usata per le immagini della serie.

Il lavoro come fotografo per riviste e agenzie pubblicitarie argentine, il rapporto con la scena rock e con i collettivi della città e il ruolo di figura di riferimento per la comunità queer di Buenos Aires negli anni Novanta sono invece coerenti con il quadro che emerge dalle fonti principali.

Aggiornato Ottobre 2026