Andreas Gursky è nato il 15 gennaio 1955 a Lipsia, nella Germania Est, ma crebbe nella Germania Ovest dopo che la famiglia si trasferì a Düsseldorf. È considerato uno dei maggiori fotografi contemporanei, celebre per i suoi scatti di grandi dimensioni che rappresentano paesaggi industriali, interni architettonici, folle, mercati e spazi globalizzati. Il suo stile è strettamente legato a una visione oggettiva della realtà, ma sempre filtrata attraverso un approccio concettuale e formalmente rigoroso, caratterizzato da una post-produzione digitale sofisticata, grande formato, e una composizione meticolosa che riflette una critica implicita alla società dei consumi e alla cultura della serialità.
Andreas Gursky nasce in una famiglia legata alla fotografia. Il padre, Willy Gursky, era un fotografo pubblicitario, e fu proprio nello studio paterno che Andreas iniziò a familiarizzare con i materiali e le attrezzature professionali, sviluppando fin da giovanissimo una confidenza con la fotografia analogica, la camera oscura e i procedimenti di stampa chimica.
Negli anni Settanta studia presso l’Università di Essen, dove si forma inizialmente in fotografia pubblicitaria. Tuttavia, la svolta artistica si compie quando, tra il 1980 e il 1987, frequenta la prestigiosa Kunstakademie Düsseldorf, dove diventa allievo di Bernd e Hilla Becher, noti per il loro stile fotografico sistematico e seriale in bianco e nero, orientato alla catalogazione di strutture industriali.
Dai Becher, Gursky eredita un rigore metodologico e l’idea della fotografia come documentazione seriale. Tuttavia, ben presto ne supera l’impostazione visiva abbracciando il colore, il grande formato e l’elaborazione digitale. Le sue prime opere degli anni ’80 mostrano un chiaro influsso del linguaggio documentario tedesco, ma già verso la fine del decennio Gursky inizia a distaccarsene, dando forma a un’estetica personale che lo porterà a diventare uno degli autori più quotati e riconoscibili della scena internazionale.
La sua formazione avviene quindi in un periodo cruciale per l’arte fotografica: l’emersione della “scuola di Düsseldorf”, l’espansione della fotografia all’interno dei circuiti dell’arte contemporanea, e la progressiva transizione dall’analogico al digitale. Gursky è testimone e protagonista di questo passaggio, combinando metodi tradizionali con le possibilità tecniche della post-produzione digitale, che diventerà centrale nel suo processo creativo.
Il linguaggio visivo di Andreas Gursky è inseparabile dal suo approccio tecnico-scientifico all’immagine fotografica. Le sue opere sono quasi sempre realizzate in grande formato, a partire da negativi scattati con fotocamere di medio o grande formato, come la Sinar P2 8×10, per ottenere una definizione estrema dei dettagli. Il soggetto viene in seguito ricomposto digitalmente attraverso un processo lungo e articolato, che combina fotografia documentaria, montaggio digitale e manipolazione cromatica.
Una delle caratteristiche principali del suo metodo è la costruzione dell’immagine a posteriori. Spesso Gursky scatta decine o centinaia di fotografie dello stesso soggetto, da diversi punti di vista e in diverse condizioni di luce, per poi assemblare il tutto in un’unica composizione mediante software avanzati come Adobe Photoshop o, in alcune fasi iniziali, Scitex Workstation. L’opera finale non rappresenta mai la realtà oggettiva così com’è, ma una visione totale, iperreale, costruita in studio e finalizzata a rappresentare un’idea di spazio o di tempo collettivo.
I soggetti prediletti – supermercati, borse valori, porti container, folle ai concerti, interni alberghieri – vengono fotografati in modo tale da annullare la prospettiva centrale, favorendo una visione ortogonale e frontale che elimina la profondità convenzionale. Questo espediente tecnico, ottenuto sia attraverso l’uso del banco ottico sia tramite raddrizzamenti digitali in post-produzione, serve a far emergere la struttura modulare dell’ambiente e la ripetizione ritmica degli elementi.
La luce, spesso naturale ma sempre calibrata digitalmente, è distribuita in maniera uniforme sull’intera superficie dell’immagine. Non esiste un punto focale dominante: l’occhio dello spettatore è libero di muoversi in ogni direzione, costretto a osservare ogni minimo dettaglio. Questo tipo di fruizione è possibile solo grazie alle dimensioni monumentali delle stampe, che possono raggiungere anche i 2×4 metri, e che vengono prodotte su carta fotografica o, in tempi più recenti, su supporti a pigmenti UV e pannelli di alluminio Diasec per garantire una resa ottimale.
La qualità tecnica dei file è tale da richiedere la stampa da file digitali da centinaia di megapixel, ottenuti dalla fusione di decine di scatti RAW. I sensori impiegati nei dorsi digitali Phase One o Leaf Aptus vengono scelti per la gamma dinamica e la fedeltà cromatica, caratteristiche fondamentali per il controllo della resa finale. Gursky lavora spesso a ISO bassissimi, usando diaframmi f/22 o f/32 per massimizzare la profondità di campo, affidandosi a esposizioni lunghe e a cavalletti pesanti con testa micrometrica per eliminare ogni possibilità di errore.
Il tratto distintivo dell’opera di Gursky risiede nella sua capacità di sintetizzare, in una sola immagine, le dinamiche spaziali del capitalismo globale. Le sue fotografie non si limitano a documentare, ma analizzano e decostruiscono. Ogni immagine è un saggio visivo sulla serialità, la ripetizione, la spersonalizzazione e la complessità sistemica del mondo contemporaneo.
Nelle immagini di Gursky non ci sono protagonisti. Le figure umane, quando presenti, sono sempre parte di una folla, immerse in un contesto che le assorbe e le neutralizza. Questa scelta formale non è casuale: riflette una riflessione sociale profonda, in cui l’individuo si perde nella massa, nel flusso del denaro, della merce, dell’informazione.
La simmetria compositiva, spesso ossessiva, e la ripetizione degli oggetti (scaffali, sedili, finestre, container) generano una sorta di astrazione geometrica, che richiama la pittura minimalista e concettuale. Tuttavia, l’opera di Gursky non è mai puramente formale: dietro ogni composizione si cela un contenuto critico. Lo sguardo freddo e distante non è cinismo, ma analisi estetica di un mondo disumanizzato, organizzato secondo logiche industriali, economiche e algoritmiche.
In molte sue immagini si può cogliere un parallelismo con la pittura fiamminga o la prospettiva centrale del Rinascimento, ma rovesciato: qui la prospettiva è abolita, l’occhio è ovunque e in nessun luogo. La fotografia diventa matrice di dati visivi, e la visione una simulazione.
La fotografia di Gursky è profondamente concettuale, e al tempo stesso legata alla materialità del supporto fotografico. Le sue stampe, lucidate con rivestimenti in resina acrilica, diventano oggetti scultorei, parte di una tradizione fotografica che si mescola all’installazione e all’arte contemporanea. La superficie delle sue opere non è solo da vedere: è fatta per essere studiata, scandagliata, interrogata. Ogni frammento contiene un mondo in sé.
Opere principali e riconoscimenti
Tra le opere più emblematiche di Andreas Gursky si trovano lavori come:
“Rhein II” (1999) – Considerata l’opera più iconica del fotografo, è anche una delle fotografie più costose mai vendute (oltre 4 milioni di dollari). Mostra un tratto del Reno completamente rielaborato digitalmente per eliminare ogni elemento disturbante. Il risultato è una composizione minimalista, quasi zen, ma allo stesso tempo carica di tensione visiva.
“99 Cent” (2001) – Rappresenta l’interno di un discount americano, completamente riempito di prodotti, insegne e cartellini dei prezzi. L’immagine è costruita su una simmetria centrale e un’esplosione cromatica che richiama l’estetica pubblicitaria, ma che in realtà veicola una critica feroce al consumismo.
“Chicago Board of Trade” (1999-2009) – Una serie che documenta il mercato azionario di Chicago in momenti diversi, inquadrando centinaia di broker in piena attività. Le immagini appaiono caotiche ma sono in realtà frutto di una costruzione meticolosa che svela l’organizzazione interna del caos finanziario.
“Paris, Montparnasse” (1993) – Fotografia monumentale che raffigura una gigantesca facciata di appartamenti, creata fondendo più scatti per ottenere una visione impossibile ad occhio nudo. L’immagine diventa un diagramma sociale, una griglia di esistenze.
Gursky ha esposto nei più importanti musei del mondo, tra cui il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra, il Centre Pompidou di Parigi e la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen di Düsseldorf. Nel 2018 il Museo Hayward di Londra gli ha dedicato una retrospettiva completa. Ha ricevuto il Kaiserring di Goslar nel 1998 e il Infinity Award for Art dall’International Center of Photography di New York nel 2001.
Mi chiamo Marco Americi, ho circa 45 anni e da sempre coltivo una profonda passione per la fotografia, intesa non solo come mezzo espressivo ma anche come testimonianza storica e culturale. Nel corso degli anni ho studiato e collezionato fotocamere, riviste, stampe e documenti, sviluppando un forte interesse per tutto ciò che riguarda l’evoluzione tecnica e stilistica della fotografia. Amo scavare nel passato per riportare alla luce autori, correnti e apparecchiature spesso dimenticate, convinto che ogni dettaglio, anche il più piccolo, contribuisca a comporre il grande mosaico della storia dell’immagine. Su storiadellafotografia.com condivido ricerche, approfondimenti e riflessioni, con l’obiettivo di trasmettere il valore documentale e umano della fotografia a un pubblico curioso e appassionato, come me.
