Berenice Abbott

Berenice Abbott (Springfield, Ohio, 17 luglio 1898 – Monson, Maine, 9 dicembre 1991) è stata una delle protagoniste della fotografia americana del Novecento. Allieva e assistente di Man Ray a Parigi, scopritrice e custode dell’archivio di Eugène Atget, autrice di Changing New York e pioniera della fotografia scientifica al MIT, ha attraversato sessant’anni di storia dell’immagine senza mai rinunciare a un’idea precisa: la fotografia deve mostrare il mondo con chiarezza, precisione e rispetto per il soggetto. Contro il pittorialismo di Alfred Stieglitz e dei suoi seguaci ha difeso la straight photography, quella che rifiuta la manipolazione del soggetto e dello sviluppo.

Questo profilo ricostruisce la sua formazione tra Ohio, New York, Parigi e Berlino, l’apprendistato nello studio di Man Ray, l’incontro con Atget, il grande progetto sulla metropoli americana, le immagini per la fisica del MIT e gli ultimi anni nel Maine. Per ciascuna fase si indicano date e luoghi riportati dalle fonti aperte, con attenzione alle opere che ancora oggi si studiano nei corsi di storia della fotografia. Chi vuole confrontarla con altri autori può partire dai grandi fotografi della storia.

Origini e formazione

Berenice Abbott nacque il 17 luglio 1898 a Springfield, in Ohio, figlia di Lillian Alice Bunn e di Charles E. Abbott, che si erano sposati nel 1886. La famiglia aveva risorse limitate e la bambina crebbe con la madre divorziata. L’infanzia fu segnata da una condizione economica precaria che non offriva grandi stimoli culturali, ma sviluppò molto presto una spiccata curiosità intellettuale e un forte desiderio di emancipazione. Secondo le biografie, durante l’adolescenza frequentò scuole locali a Columbus e a Cleveland, mostrando interesse per le arti figurative e per la letteratura.

Dopo il diploma decise di intraprendere studi universitari e si iscrisse alla Ohio State University. Vi rimase per due semestri e lasciò l’ateneo all’inizio del 1918, in seguito all’allontanamento di un docente di origine tedesca da un corso di inglese, episodio che le fece sentire con forza i limiti provinciali del contesto accademico. In quell’ambiente aveva comunque incontrato un clima aperto alle nuove correnti artistiche americane ed europee, e il desiderio di vedere da vicino le avanguardie non l’abbandonò più.

Nello stesso 1918 si trasferì a New York, nel Greenwich Village, ospite dell’anarchico Hippolyte Havel. Secondo alcune biografie si iscrisse alla Parsons School of Design e poi alla Art Students League, dove approfondì pittura e scultura. La città, in quegli anni, era un crocevia di linguaggi artistici e di avanguardie, e Abbott entrò in circoli intellettuali animati da scrittori, pittori e poeti. Nel 1919 rischiò di morire per l’influenza spagnola. Non trovò nella scultura il suo linguaggio definitivo, pur acquisendo un occhio attento alla tridimensionalità, alla costruzione dei volumi e alla relazione tra forma e luce: competenze che sarebbero state fondamentali per la fotografia.

Parigi, Berlino e l’incontro con Man Ray

La decisione di partire per l’Europa, nel 1921, segnò un passaggio cruciale. Per due anni Abbott studiò scultura tra Parigi e Berlino. Nella capitale francese seguì i corsi di Émile Bourdelle e frequentò l’Académie de la Grande Chaumière; a Berlino fu alla Prussian Academy of Arts e per un breve periodo si avvicinò alla fotografia. Fu in quegli anni che adottò la grafia francese «Berenice», su suggerimento della scrittrice Djuna Barnes.

Parigi era allora il cuore delle avanguardie: il dadaismo, il surrealismo e il cubismo convivevano in un terreno di sperimentazione continua. Per mantenersi, Abbott lavorò come assistente di scultori e artigiani, e secondo alcune biografie anche accanto a Constantin Brâncuși, un artista che faceva della semplificazione formale e della riduzione a volumi essenziali la sua cifra. Quell’esperienza contribuì a formare la sensibilità visiva della giovane americana.

Il 1923 fu la svolta. Abbott venne assunta come assistente in camera oscura da Man Ray, fotografo e artista dadaista che operava nel quartiere di Montparnasse e lavorava soprattutto come ritrattista. Nello studio imparò tutte le tecniche di laboratorio: dalla preparazione delle lastre al trattamento dei negativi, dalla stampa a contatto alla sperimentazione con solarizzazioni e luci artificiali. Più tardi Man Ray le permise di usare lo studio per i propri scatti. Abbott dirà di essersi avvicinata alla fotografia «come un’anatra si avvicina all’acqua». Pur lavorando accanto a un maestro del surrealismo, maturò un atteggiamento opposto al suo, fondato sulla ricerca di oggettività e chiarezza formale.

Il suo percorso da ritrattista si affermò rapidamente. Nel 1926 tenne la prima mostra personale alla galleria Au Sacre du Printemps e aprì il primo studio in rue du Bac; nel 1927 ne aprì un secondo in rue Servandoni. Tra il 1928 e il 1929 i suoi ritratti furono esposti a Bruxelles e in Germania, e partecipò al primo Salon Indépendant de la Photographie di Parigi.

La scoperta di Atget e il salvataggio dell’archivio

Nel 1925 Man Ray le mostrò alcune fotografie di Eugène Atget, anziano fotografo francese che aveva dedicato la vita a documentare Parigi con immagini sistematiche e prive di retorica. Abbott rimase profondamente colpita dal suo metodo e dalla sua dedizione alla fotografia come strumento di documentazione storica. Nel 1927 riuscì a convincerlo a farsi ritrarre, e poco dopo Atget morì.

Nel giugno 1928 Abbott acquistò quanto restava dell’archivio, stampe e negativi, comprendendo l’enorme valore che quel lavoro avrebbe avuto per le generazioni future. Per mancanza di fondi cedette metà della collezione al gallerista Julien Levy, per mille dollari. Nel 1930 pubblicò il libro Atget, photographe de Paris, nel quale compare come curatrice fotografica, e per il resto della carriera si adoperò per far conoscere Atget negli Stati Uniti, contribuendo a consolidarne la reputazione come uno dei padri della fotografia documentaria. Nel 1963 e nel 1964 uscirono A Vision of Paris e The World of Atget; nel 1968 vendette l’intero archivio al Museum of Modern Art.

Da Man Ray assimilò la padronanza tecnica e la libertà di sperimentazione, da Atget l’idea che la fotografia potesse diventare un archivio della modernità, testimone fedele dei mutamenti urbani e sociali. Questa doppia influenza segnò il suo stile, capace di coniugare precisione tecnica e consapevolezza storica.

I ritratti parigini

Negli anni parigini Abbott realizzò numerosi ritratti di scrittori e artisti, tra cui Jean Cocteau, con le celebri mani fotografate nel 1927, James Joyce nel 1928, Marie Laurencin intorno al 1925 ed Edna St. Vincent Millay intorno al 1929. Le biografie citano anche André Gide fra i suoi soggetti. Il suo lavoro fu esposto al Salon de l’Escalier, nel foyer del Théâtre des Champs-Élysées.

In queste immagini emerge la capacità di restituire con essenzialità il carattere psicologico dei soggetti, evitando eccessi stilistici e privilegiando un uso diretto della luce e una composizione equilibrata. Il ritratto di Joyce, in particolare, è considerato tra i suoi più riusciti: la composizione essenziale lascia spazio alla complessità intellettuale dello scrittore senza ricorrere a trucchi di messa in scena.

Il ritorno a New York e Changing New York

Nel 1929 Abbott chiuse lo studio parigino e tornò a New York, dove rientrò a settembre. Si trovò di fronte a una città radicalmente diversa da quella lasciata otto anni prima: i nuovi grattacieli, la demolizione di interi quartieri, la costruzione di ponti e arterie moderne la impressionarono profondamente. Riconobbe in quella trasformazione l’equivalente americano del lavoro che Atget aveva svolto a Parigi: documentare i cambiamenti, registrare le tracce del passato e i segni del futuro.

Decise così di avviare un progetto personale, che prese il nome di Changing New York. Nel 1933 aveva iniziato a insegnare alla New School for Social Research, e nel 1934 l’architetto e storico Henry-Russell Hitchcock le chiese di fotografare l’architettura prebellica di New York e quella di H. H. Richardson. Il progetto ricevette il sostegno del Federal Art Project, parte del programma del New Deal promosso da Franklin D. Roosevelt, che finanziava artisti e fotografi impegnati a raccontare la vita americana durante la Grande Depressione. Nel 1935 Abbott fu assunta dal Federal Art Project come supervisor del progetto, e nello stesso anno si trasferì con la critica d’arte Elizabeth McCausland in un loft del Greenwich Village, dove sarebbe rimasta fino alla morte di lei nel 1965.

Il risultato furono 305 fotografie, realizzate tra il 1935 e il 1939 e depositate al Museum of the City of New York, che nel 1937 ospitò la sua prima grande personale, dal 20 ottobre 1937 al 3 gennaio 1938. Nel 1939 Abbott lasciò il Federal Art Project, e nello stesso anno uscì il libro Changing New York (E. P. Dutton), con testi di McCausland. Nel luglio 1939 il lavoro fu presentato anche alla Photo League Gallery di New York. Il libro consolidò la sua reputazione internazionale e fissò un modello di fotografia urbana che avrebbe influenzato generazioni di autori successivi.

Changing New York è un documento unico dell’architettura e della vita urbana della città. Le immagini vanno oltre la veduta architettonica, perché Abbott usava la fotografia per raccontare la tensione tra il vecchio e il nuovo, tra edifici ottocenteschi in demolizione e grattacieli in costruzione. L’approccio è documentaristico e sociologico, influenzato dal pensiero di Lewis Mumford. Nei suoi scatti la città diventa un organismo vivente, in costante mutamento, e il suo lavoro ha conservato la cronaca di edifici e isolati di Manhattan oggi demoliti.

Attrezzatura, tecnica e stile

Per le prime fotografie di New York Abbott usò una Kurt-Bentzin portatile. Presto passò a una macchina a banco ottico di grande formato, una Century Universal, che produceva negativi da 8×10 pollici e garantiva nitidezza e precisione prospettica. Le immagini che ne risultarono sono caratterizzate da una geometria rigorosa, con linee verticali enfatizzate e contrasti netti tra luce e ombra.

Dal punto di vista tecnico, la fotografa sperimentava con punti di vista elevati e prospettive angolari, utilizzava tempi di esposizione calibrati per garantire la profondità di campo e faceva largo uso di contrasti tonali che accentuavano il dinamismo architettonico. Le stampe alla gelatina d’argento, ricche di dettagli e di neri profondi, restituiscono una sensazione di solidità che riflette la monumentalità del soggetto. L’attenzione ai dettagli veniva direttamente dalla lezione di Atget.

Il suo nome è legato alla straight photography. Abbott rifiutava la manipolazione del soggetto e dello sviluppo e si oppose con decisione ai pittorialisti come Alfred Stieglitz. Il rigore geometrico acquisito nello studio delle arti tridimensionali diventa, nelle sue immagini, un linguaggio basato sulla precisione della prospettiva, sull’uso calcolato della luce e sulla costruzione dell’immagine come spazio architettonico.

Le opere principali

La produzione di Abbott è vastissima, ma alcune immagini segnano momenti cardine della carriera. Il nucleo è Changing New York (1929-1939), la documentazione sistematica della metropoli in trasformazione. Fra le fotografie più note c’è Night View, New York (1932), conservata anche con il titolo New York at Night: realizzata dall’Empire State Building, mostra la città illuminata dalle luci elettriche ed è diventata un simbolo della modernità americana. Dello stesso 1932 è Under the El at the Battery, e al 1933 risale Wall Street and Stock Exchange.

Del 1936 sono Pennsylvania Station, che cattura la maestosità dell’antica stazione ferroviaria con attenzione alle geometrie e alla monumentalità dello spazio, e Automat, 977 Eighth Avenue. Intorno al 1936 si colloca anche Radio Row, a Cortlandt Street, mentre al 1938 appartiene Flatiron Building. Secondo molte biografie al 1938 risale anche la serie Broadway to the Battery, che evidenzia la stratificazione architettonica tra antico e moderno. Il Metropolitan Museum of Art conserva centinaia di sue stampe, per lo più alla gelatina d’argento e datate tra il 1929 e il 1938, e nel 2023 ha dedicato al suo lavoro la mostra Berenice Abbott’s New York Album, 1929.

Accanto ai paesaggi urbani restano fondamentali i ritratti parigini degli anni Venti, fra cui quello di Joyce, e la grande stagione delle fotografie scientifiche tra gli anni Cinquanta e Sessanta. Queste opere, considerate insieme, mostrano la varietà della sua ricerca e la costanza di un metodo basato sulla precisione tecnica e sulla chiarezza visiva.

Fotografia scientifica e didattica

All’inizio degli anni Quaranta Abbott sviluppò una tecnica di macrofotografia chiamata Super Sight, nota anche come Abbott Process. Dagli anni Cinquanta intraprese una direzione nuova, collaborando con istituti di ricerca, in particolare con il Massachusetts Institute of Technology (MIT). Tra il 1958 e il 1960 produsse una serie di fotografie per il libro di fisica per le scuole superiori del Physical Science Study Committee; la fotografia di una pallina che rimbalza in archi decrescenti finì in copertina. Tra il 1958 e il 1961 lavorò anche per Educational Services Inc., e la serie fu presentata dallo Smithsonian nella mostra Image of Physics.

Qui sviluppò un lavoro pionieristico nella fotografia scientifica, documentando esperimenti fisici con l’obiettivo di rendere visibili fenomeni invisibili a occhio nudo. Le immagini avevano una funzione didattica, pensate per manuali e libri di testo, ma possedevano anche un forte valore estetico. Onde, traiettorie, interferenze luminose venivano fissate su carta fotografica con una chiarezza tale da trasformarle in vere composizioni astratte. Abbott dimostrava che la fotografia poteva essere ponte tra arte, scienza e divulgazione, capace di tradurre concetti complessi in immagini immediatamente leggibili. Nel 1969 pubblicò il libro The Attractive Universe, e nel 2012 il MIT Museum di Cambridge, in Massachusetts, ha dedicato una mostra a questo corpus di lavori.

Dal punto di vista tecnico si trattava di lavori di grande difficoltà. Secondo le descrizioni, richiedevano tempi di esposizione calibrati al millesimo, ottiche particolari, spesso adattate agli strumenti scientifici, e un controllo assoluto della luce artificiale. La sua abilità artigianale e la lunga esperienza di camera oscura le permisero di ottenere risultati di qualità eccezionale, che ancora oggi sono usati come esempi di fotografia applicata alla scienza.

Libri, invenzioni e altri lavori

La carriera di Abbott comprende anche un’intensa attività di autrice. Nel 1941 pubblicò A Guide to Better Photography, nel 1948 The View Camera Made Simple e nel 1949 Greenwich Village: Yesterday and Today. Nel 1943 ricevette un incarico dalla Red River Lumber Company a Westwood, in California. Circa vent’anni dopo il 1934, insieme a McCausland, percorse la US 1 dalla Florida al Maine e realizzò oltre 2.500 negativi su piccole città e architetture legate all’automobile.

Nel 1947 cofondò la House of Photography per vendere le sue invenzioni, fra cui un cavalletto per le distorsioni e la lampada telescopica Autopole. L’azienda, attiva fino al 1959, chiuse in perdita, per carenze di marketing e per la morte dei due progettisti. Il suo spirito inventivo conferma una caratteristica costante della sua vita: la fotografia come mestiere da perfezionare in ogni dettaglio, strumenti compresi.

Ultimi anni, mostre e morte

Dopo un intervento ai polmoni, Abbott comprò nel Maine una casa diroccata per mille dollari, a Blanchard; nel 1968 vi si stabilì in modo definitivo e poi si trasferì a Monson, dove visse fino alla morte. La casa-studio diventò il luogo di conservazione e di riorganizzazione dei suoi archivi. Nel 1968 uscì A Portrait of Maine, il suo ultimo libro.

L’attenzione della critica crebbe progressivamente. Dopo le mostre alla Weyhe Gallery di New York (1930) e alla Julien Levy Gallery (1932), vennero la retrospettiva al Museum of Modern Art nel 1970, quella all’International Center of Photography nel 1981-1982 e Berenice Abbott, Photographer: A Modern Vision alla New York Public Library nel 1989-1990. Il suo nome è stato inserito nella International Photography Hall of Fame.

Pur ritirandosi dalla scena attiva, continuò a curare stampe e a concedere interviste, sottolineando l’importanza della fotografia come strumento di conoscenza. Abbott morì il 9 dicembre 1991 a Monson, Maine, all’età di 93 anni, ed è sepolta nel cimitero di New Blanchard, a Blanchard. La sua opera, che attraversa più di sessant’anni, mostra come la fotografia possa essere insieme documento storico, indagine scientifica e forma d’arte autonoma. Nel 2018 la biografia di Julia Van Haaften ha ricevuto una candidatura al PEN America e ai Lammy, a riprova di un interesse che non si è spento.

Eredità e posizione critica

Il peso di Abbott nella storia della fotografia si misura su tre piani. Il primo è quello dell’autrice: Changing New York resta uno dei documenti più completi sulla metropoli americana degli anni Trenta, e il suo rigore prospettico ha fissato un modello per chi fotografa la città. Il secondo è quello della mediatrice: senza il suo intervento nel 1928, l’archivio di Atget sarebbe probabilmente andato disperso, e la fotografia documentaria avrebbe perso uno dei suoi riferimenti storici. Il terzo è quello della divulgatrice, che con i manuali, l’insegnamento alla New School e le immagini per la fisica del MIT ha mostrato come la fotografia possa servire alla conoscenza.

La sua posizione teorica è netta. Abbott difende la straight photography e rifiuta l’idea che il fotografo debba intervenire sul soggetto e sullo sviluppo per ottenere un effetto artistico. Questo la mette in contrasto con Alfred Stieglitz e con i pittorialisti, ma la avvicina a un’idea di fotografia come strumento di lavoro, verificabile e utile a chi guarda. Il rigore che teneva insieme il ritratto parigino, la veduta di New York e la fotografia di un esperimento fisico è sempre lo stesso: guardare con attenzione e restituire ciò che si vede.

Il suo caso interessa anche la storia sociale della professione. Abbott lavorò in un mondo in cui le donne fotografe erano poche, aprì studi propri a Parigi, diresse un progetto federale a New York e fondò un’azienda per vendere le proprie invenzioni. Visse con la critica Elizabeth McCausland dal 1935 fino alla morte di lei nel 1965, e le biografie ricordano che fu aperta sulla propria sessualità all’inizio della carriera e più riservata negli anni successivi. La collaborazione tra le due donne produsse il testo del libro del 1939 e il lavoro di documentazione sulla US 1.

Il Metropolitan Museum of Art conserva oggi un ampio nucleo di sue stampe, tra cui un ritratto della fotografa scattato da Walker Evans nel 1929-1930, e il Museum of the City of New York custodisce le 305 immagini del Federal Art Project. Nel 2012 il MIT Museum ha riportato l’attenzione sulle fotografie scientifiche, mentre la mostra del 2023 al Metropolitan ha riletto il suo primo anno newyorkese dopo il ritorno da Parigi. Sono segnali di un interesse costante, che attraversa generazioni diverse di studiosi e di fotografi.

Aggiornato Ottobre 2026